An exciting mixture of early Radiohead and Doves, this album will thrill fans of cutting-edge, atmospheric rock music.
(amazon.co.uk)

Elbow stimmen in den Abgesang auf die bisherigen Vertriebswege für Musik ein und behaupten, kein herkömmliches Album mehr zu veröffentlichen. Musikalisch habe ich allerdings keine revolutionäre Entwicklung erwartet und wurde bestätigt:

Elbow’s sonic landscapes on ‘The Seldom Seen Kid’ benefit from an increasingly varied musical palette, now encompassing electronica on ‘Starlings’, a flamenco influence on ‘The Bones Of You’, plus brass flourishes and choir-like backing singing on various other tracks. Also now, colourful filter effects lend the melancholy vocals a further enigmatic quality, although also significantly mask the lyrical content.(wWW.comfortcomes.com)

Das ist aber im Falle dieser Band ein gutes Zeichen und so ist auch der NME begeistert und vergibt neun von zehn Punkten:

In spite of the turmoil of its conception, ‘The Seldom Seen Kid’ is a stunning record, a career-best from a band whose consistency has seldom been matched by any British indie band this decade.

Infos liefert natürlich die Website der Band, Myspace bietet nur die erste Single des Albums als Stream, den es auch als Video gibt:

Die weltweiten Veröffentlichungstermine des Albums wirken ein wenig ungeordnet. Es gibt eine "Special Edition" mit einem Bonus-Song, der ich aber leider nicht habhaft wurde.

Nun ist das Debüt der Foals endlich da, die Band aus dem britischen Oxford schweißt in ihren Präzisions- stücken Elementarteilchen aus Rock und Funk zusammen, die sie auf ihren musikalischen Beutezügen hat ergattern und interpretieren lernen können. (...)diese elf Songs rauschen jedenfalls über alle (eingangs aufgemachten) Schubladen hinweg, sie machen ANTIDOTES zu einer kleinen Offenbarung im dämmernden Indierock. Dessen Vokabular ist mit dieser Platte erweitert worden.
(musikexpress.de)

Die Band selbst betont gerne ihre Math Rock-Sozialisation, und aufgrund der teilweise sogar verschrobenen Schemata ihrer Songs glaubt man ihnen das auch. Natürlich haben Foals, ganz Briten, auch den Style für sich gepachtet, ähnlich wie bei Bloc Party erhebt sich Glam hier aber nicht zum Selbstzweck. Stattdessen unterfüttern sie ihren atmosphärisch variablen, aber immer unmittelbaren Gesang mit Gitarrenarrangements, die sich bei allem von Elektropop über New Wave bis Postrock bedienen, hypnotischen Grooves und anregenden Soundeskapaden.
(intro.de)

Adam Green wühlt also wieder gehörig in der Musikgeschichte, reizt seine Inszenierungen aber glücklicherweise nicht mehr so aus wie auf manchem Vorgängeralbum. Trotz aller Verspieltheit geht er sehr behutsam, bedacht und weniger überdreht vor, was wohl auch der prima Arbeit des Produzenten Dan Myers zu verdanken ist. Mit "Sixes & Sevens" legt der Peter Pan der Popmusik sein vielleicht bestes Werk seit „Friends Of Mine“vor.
(laut.de)

Adam Green hat es also wieder geschafft: Ein rundum gelungenes Album, das sehr vielseitig erscheint und gleichermaßen in jeglicher Hinsicht zusammenpasst. Tiefgründigkeit wird mit Selbstironie kombiniert und rein musikalisch ist es erneut sehr ausgefeilt, was es hier zu hören gibt.
(alternativmusik.de)

Jetzt melden sich Chumbawamba mit Akustikgitarren, Akkordeon, Trompete und 25 wunderschönen, warmherzigen Songs zurück. Auf „The Boy Bands Have Won“ geht es dem Quintett um das Spiel mit Kultur, die Idee des Recyclings und der Bewusstwerdung der eigenen Kultur - auf dass die Boygroups endlich schweigen. Dazu mixte die Band ihre Songideen u. a. mit verschiedenen Stilen und sogar Samples eigener Songs. Als Gäste waren u. a. The Oysterband, Roy Bailey, Robb Johnson, Barry Coope und Jim Boyes mit dabei.
(indigo.de)

Hätten die Dänen eine der größten Plattenfirmen der Welt im Rücken oder ihr Sänger Michael Möller eine überall beliebte Hollywood-Aktrice zur Frau – Moi Caprice würden ohne Zweifel in der Coldplay-Liga spielen. So blieben sie außerhalb ihres Heimatlandes bisher weitestgehend unbekannt, obwohl sie nun schon ihr drittes Album mit melancholischen, bittersüßen Breitwand-Popsongs abliefern, bei denen sie es zwar hier und da mit der pastellfarbenen Schöngeistigkeit übertreiben, sich aber dennoch durchweg auf bemerkenswert hohem Niveau bewegen. Und wie könnte man Songs mit Titeln wie “The Art Of Kissing Properly”, „A Supplement To Sunshine“ oder „I Hate The Place, But I Go There To See You“ nicht mögen?
(westzeit.de)

Mit Violine, Glockenspiel, Schrammelgitarre, Händeklatschen und immer wieder ekstatischen Aufschreien hauen sie elf hektische Lo-Fi-Hymen raus, bei denen selbst der coolste Indiefan den Stock im Arsch vergisst. Während sich verwandte Kollektive wie Broken Social Scene oder Architecture in Helsinki mitunter in schrägen Muckerspielchen verlieren, stellen sich Los Compesinos! immer in den Dienst ihrer Melodien und achten darauf, dass jede Schrulle auch dem Zuhörer Spaß macht.
(kulturnews.de)

Der Abiturient Josef Wirnshofer aus dem Bayrischen Traunstein hat viel Zeit damit verbracht, melancholische Folkmusik zu hören und selbst auf seiner Gitarre zu spielen. Das ist soweit nichts Ungewöhnliches für einen musikverliebten, schüchternen Gymnasiasten. Aber das, was Wirnshofer in den einsamen Stunden auf dem elterlichen Dachboden schuf, ist eine absolute Ausnahmeleistung, ein Geniestreich.
(spex.de)

Josef Wirnshofer zupft die Gitarre mit Geschick und Gefühl und singt vom Verlorensein als junger Mann. Dabei ist sein Englisch so gut, dass man ihn einzig an der etwas überzogenen Verwendung des Wortes ›Fuck‹ vom Muttersprachler unterscheiden kann. Allerdings muss er – so gut ist er – niemandem etwas beweisen, die Qualität seiner Songs verleiht ihm so viel Durchschlagkraft, da wirkt jedes Fluchen kapriziös. Die zwölf Lieder sind meist mit einem weiteren Sound neben der Akustikgitarre kombiniert, mal ein Bass, leises Schlagzeug, eine Mundharmonika, etwas Computergefrickel oder ein kleiner Chor, niemals mehrere Spuren auf einmal – und immer stilsicher.
(spex.de)

Dann schlage ich den Bogen von Dirks Ex-Arab Strap-Mitgliedern zu einer Band, die im Rahmen einer Tour im Jahre 2001 ins Leben gerufen wurde. Adele Bethel und David Gow waren ebenfalls Arab Strap-Mitglieder und suchten anscheinend eine neue Herausforderung. Mit "The Gift" veröffentlichen sie ihr bereits drittes Album.

Referenzen? Nun, The Smiths treffen Blondie und Franz Ferdinand steuert ein paar Gitarren bei.

Neu ist das alles natürlich nicht. Sons And Daughters machen den klassischem Gitarrensound der 60er mit dem in der Indieszene noch immer allgegenwärtigen Dancepunk fit fürs Jetzt. Beim dritten Album hat sich Ex-Suede-Gitarrist Bernard Butler in den Produzentensessel gefläzt und dem Glasgower Quartett einfach die letzten Selbstzweifel genommen. Durch sein kompromissloses Ja zu Schmissigkeit und Popappeal kitzelte er die bisher besten Songs der Schotten raus. Oft braucht Sängerin Adele Bethel nur ein einziges Gitarrenriff als Verstärkung, um Tanzflächen zu füllen.(kulturnews.de)

Ob es an Bernard Butler oder an anderen Faktoren liegt, sei mal dahingestellt. Pitchfork meint die Veränderungen zu so in Worte fassen zu können:

While they've given up some of the folk dual lead elements that were once their calling cards, they have hit on a unique way of adding memorable choruses to their songs, augmenting the chorus lyrics with big, melodic phrases built around simple words like "yeah" or non-words like "oh" and "ah." It sounds simple, but they make some huge hooks harmonizing on "oohs" and "aahs." These bigger hooks play into the overall streamlining of their sound, and it's not hard to imagine a few of these songs crossing over.

Auf der Website der Band gibt es Infos zur Entstehung des Albums. Neben einigen Songs als Stream findet sich auf Myspace unter "Sounds like" eine interessante Beschreibung der Single "Gilt complex", deren Video so aussieht:

(...) und trotzdem ist Sleight Of Heart ein sehr, sehr schönes Album. Die Songs dazu entstanden während den Aufnahmen zu A Brighter Beat, das 2007 mit flotten, opulenten und elektrischen Pop-Songs überraschte. Während der Session in Glasgow wurde aber unter Mithilfe von Musikern wie Barry Burns (Mogwai) am Piano auch anderes Material eingespielt. Coverversionen wie „Stay“ von Madonna und Lieder, die mit Akustik-Gitarre, Klavier, Malcolms akzentreichem Sprechgesang und ein paar Streichern auskommen. Dadurch nehmen diese Tracks, das vergnügte „Hey You“ mal ausgenommen, zwar eine ganze andere, zartere und intimere Richtung - weniger interessant klingen sie deshalb aber bestimmt nicht.
(amazon.de)

(...) Dabei ist dieses Werk eher eine Art Audio-Roman als ein klassisches Musikalbum: MOFFAT benutzt Sound-Collagen, Song-Snippets um seine erotisch-deftigen Gedichte zu vertonen. Er zitiert Ivor Cutler, William Burroughs als seine wesentliche Inspirationsquelle, aber MOFFATs Texte würden sicherlich auch jemanden wie Charles Bukowski Schamröte ins Gesicht fahren lassen. Laut AIDAN MOFFAT sollte man dieses Album am besten im Bed, mit Kopfhörern und vorzugsweise mit einem ordentlichen Rotwein-Kater geniessen!
(amazon.de)

The astonishing title track, co-written by Bernard Butler, sounded like a lost transmission that had taken decades to get through as soon as it hit radio last year. But the gently rolling soul ballad "Stepping Stone", that strapping, inescapable monster hit "Mercy", the ice cool "Serious" (the one time she really does channel the spirit of Dusty Springfield) and the wistful, elegant "Warwick Avenue" are similarly effective. (...)
But despite some wonderful orchestral settings, it's Duffy's terrific voice that makes this so satisfying, even overpowering Butler's exquisitely underplayed guitar work on "Rockferry" itself. Growling the blues on "Syrup & Honey" or belting it out over his lovingly arranged wall of sound on "Distant Dreamer", she sets the tone throughout, several of her songs dealing with escape, both physical and romantic. The sound of someone singing herself to stardom, Rockferry is at times genuinely amazing.
(amazon.co.uk)

Zwölf wohlklingende Lieder versammeln sich hier in einem Beet voller Sehnsucht und Träumerei. Den Hang zur düsteren, intensiven Trauer bewies er schon auf den Vorgängeralben. Vielleicht erinnert ihr euch noch an „Keep Going“ von 2003 und die tiefgründigen Zeilen: "If you're the answer than love is like cancer". (...)
Stephen verbringt seine Zeit also doch nicht nur mit bösen Dämonen im Keller, sondern lässt auch gerne die Sonne rein. Solches Songmaterial ist ganz einfach brillant und spricht mit seiner nostalgischen Verpackung emotional direkt das Gemüt an.
(laut.de)

So kann sich Stephen Duffy auf dem stillen, sehr ausgeglichenen, harmonischen und von akustischen Instrumenten dominierten Runout Groove seiner Liebe, dem Folk und Helden wie Nick Drake, Pentangle oder Townes Van Zandt widmen. Die intensive Zeit, die Duffy mit Williams in Los Angeles verbrachte, ist hier als Einfluss hörbar, denn immer wieder bringen sanfte Slide-Gitarrenriffs einen Hauch von amerikanischem Country in die sparsam arrangierten Songs ein. Ihnen schenkt der Gründer von The Lilac Time seine melancholische Stimme, die selbst dann nicht aus der Reserve kommt, wenn das Schlagzeug mal das Tempo anzieht. Ihm ist wirklich ein schönes Album gelungen, das jede Form von Pop-Hysterie ignoriert und selber nicht ignoriert werden sollte.
(amazon.de)

Radiohead meets UNKLE (zu "Psyence Fiction"-Zeiten) meets "irgendeinen jammernden Folk-Sänger". Und wer möchte, kann an einigen Stellen auch noch ein wenig Sigur Ros oder Mugison raushören.

.. hätte ich gesagt. Pitchfork sieht es so:

The imagery is clear, the sentiment classic, and the delivery hushed and awed. It's the sonic background that's so affecting. That twist in the combination produces odd troikas of comparison: the lyrical concerns of Sufjan Stevens circa Seven Swans, production techniques from Massive Attack, and the classical habits of Nico Muhly.

Und das Label Anticon. records scheint überraschenderweise begeistert zu sein:

Somewhere between the concert hall and the club you’ll find his haunting liquid soundscapes, born of hip-hop composition, o’er-strung with chant, hinting at some divine unreachable. Meet Son Lux.

Dort erfährt man auch, dass hinter Son Lux der in klassischer Musik ausgebildete und inzwischen in New York City lebende Ryan Lott steckt und wie er zur Musik und die Welt zu seinem Album gekommen ist. Die Verwendung von klassischen Instrumenten wie Flöten und Cello auf dem Album zeigt, dass er nicht alles vergessen hat, was er in früheren Jahren lernte.

Ich wurde durch den frei verfügbaren Song "Break" auf Son Lux aufmerksam. Ein paar zusätzliche Infos bietet sein Blog und weitere Songs lassen sich bei Myspace anhören.

Das Video zu "Break" ist aussagekräftiger als das Plattencover und schwankt wie die gesamte Platte zwischen äußerst entspannten und erfrischend stressigen Momenten:

Ist das etwa der Nachfolger von "Psyence Fiction" auf den ich seit fast zehn Jahren hoffe?

Hercules and Love Affair is a phenomenal album, one destined to save disco not from its detractors but rather from those fans and revivalists who would calcify the music as a set as a set of tropes and reference points. Lush, melancholic, gregarious, generous, both precise and a little bit unhinged-- this is the most original American dance album in a long while.
(Pitchforkmedia.com)

Die Briten sind nicht Soul, nicht Electro, nicht Dance, nicht 2 Step, nicht Alternative und nicht Songwriter, sie sind alles zusammen. Manchmal so viel von allem, dass man gerade am wilden, überdrehten Anfang von Made In The Dark mit seinem Rhythmus-Feuerwerk kaum noch auf den Grund der Tracks blicken kann, so verdichtet klingen sie. Die musikalischen Referenzen nehmen einmal mehr gewaltige Dimensionen an, aber Hot Chip sind keine schlaumeierischen Jäger und Sammler, sie sind innovative Köche. Nicht jedem, dem man ein Dutzend Zutaten reicht, kocht daraus ein gutes Essen. Hot Chip servieren ein unglaublich abwechslungsreiches Festmahl mit einzigartigen Geschmacksnoten die von feurigen Vorspeisen bis zu einem süßen Abschluss reichen.
(amazom.de)

Manchmal habe sie selbst ein bisschen Probleme, sich in Filmclips, die sie und ihre Zwillingsschwester zeigen, zweifelsfrei zu identifizieren, sagt die kanadische Musikerin Sara. Doch die vermeintliche Gleichheit hört spätestens beim Songwriting auf - und macht das Duo so spannend: Vollkommene persönliche Harmonie trifft auf unterschiedliche musikalische Vorstellungen von Folk über Rock bis Elektro. All das verschmilzt zu einem homogenen Sound, ohne Eigenheiten wegzubügeln. Selten erscheint ein eigentlich heterogenes Album derart logisch. Natürlich wird "The Con" auch von den Stimmen der Musikerinnen zusammengehalten, doch selbst diese verweigern sich der Kategorisierung. Zwar klingen Tegan And Sara nicht immer so naiv-kindlich wie in "I was married", aber sie zelebrieren bewusst eine gewisse Uneindeutigkeit in punkto Geschlecht und Alter. Spannend.
(kulturnews.de)

Somehow The Con is even more obsessive sounding than Tegan and Sara’s earlier work, and it’s probably even better; it could well be one of the year’s best albums.
(The New York Times)

Their keyboard-heavy, New Wave-ish music is also uncommonly catchy.
(Rolling Stone)

Walla creates intricate, fugue-like patterns featuring guitars, analog synths and harmonies, enabling his spiralling melodies to unfold progressively while also providing a cushion for his diminultive but genuine vocals--making for a record that's taut and affecting.
(Uncut)

He can certainly sing, but years of providing seamless harmonies for Gibbard have given his pipes a clear, breathy quality that threatens to lull the listener into a trance during the album's final stretch.
(All Music Guide)

Radiohead haben es mit ihrem Angebot zum Download des aktuellen Albums vorgemacht, über den Erfolg der Aktion ist man sich noch nicht so recht einig. Dem anschließend auf konventionellem Weg veröffentlichten Tonträger bzw. dessen Verkaufszahlen scheint es aber nicht geschadet zu haben, der Qualität des Werkes auch nicht.

Trent Reznor von den Nine Inch Nails hat etwas ähnliches mit Saul Williams vor einigen Wochen auch versucht, damals mit bescheidenem kommerziellen Erfolg. Medienwirksam war es trotzdem.

Nun hat Reznor überraschend ein neues Nine Inch Nails-Album auf den Markt geworfen. Ich halte seine Veröffentlichungspolitik für gut, werden doch Optionen geboten, die kaum einen Wunsch offen lassen:

- Ein Viertel des Albums lässt sich kostenlos herunterladen

- Für $ 5 lassen sich alle Tracks des Albums käuflich erwerben und herunterladen (ja, das Wort wiederhole ich hier, aber mir fällt gerade kein anderer Ausdruck dafür ein)

- Für $ 10 kann man eine Doppel-CD vorbestellen, die in ca. einem Monat versendet werden soll. Zudem kann man sich die Tracks direkt herunterladen. Das halte ich für einen fairen Preis, zumal die Versandkosten anscheinend enthalten sind.

- Für $ 75 gibt es eine Deluxe-Edition mit einigen Extras.

- Für $ 300 gab es eine limitierte Ultra-Deluxe-Edition, deren 2.500 Exemplare aber schon ausverkauft sind. Der kommerzielle Erfolg dieser Aktion scheint also schon jetzt garantiert.

Der Künstler ist erfreut:

"I've been considering and wanting to make this kind of record for years, but by its very nature it wouldn't have made sense until this point. This collection of music is the result of working from a very visual perspective - dressing imagined locations and scenarios with sound and texture; a soundtrack for daydreams. I'm very pleased with the result and the ability to present it directly to you without interference. I hope you enjoy the first four volumes of Ghosts."

Zur Entstehung hat er gar noch mehr zu sagen:

This music arrived unexpectedly as the result of an experiment. The rules were as follows: 10 weeks, no clear agenda, no overthinking, everything driven by impulse. Whatever happens during that time gets released as... something.

The team: Atticus Ross, Alan Moulder and myself with some help from Alessandro Cortini, Adrian Belew and Brian Viglione. Rob Sheridan collaborated with Artist in Residence (A+R) to create the accompanying visual and physical aesthetic.

We began improvising and let the music decide the direction. Eyes were closed, hands played instruments and it began. Within a matter of days it became clear we were on to something, and a lot of material began appearing. What we thought could be a five song EP became much more. I invited some friends over to join in and we all enjoyed the process of collaborating on this.

The end result is a wildly varied body of music that we're able to present to the world in ways the confines of a major record label would never have allowed - from a 100% DRM-free, high-quality download, to the most luxurious physical package we've ever created.

More volumes of Ghosts are likely to appear in the future.

Anfänglich gab es einige Probleme bei der Bereitstellung der Download-Links und ich bin auch gespannt, ob mich das Produkt in seiner physischen Form irgendwann erreicht.

War da nicht noch was? Ach ja, die Musik. Es handelt sich durchweg um Instrumental-Stücke. So was muss man mögen, um "Ghosts" richtig gut zu finden. In der Tat habe ich bei Sputnikmusic einen Reviewer gefunden, der das Werk zu schätzen weiß:

But it wasn’t pure shock factor and surprise that runs this album. The originality, inventiveness, variety, and the emotional soundscapes could have carried this album without the marketing scheme. It’s so dreamy, and atmospheric that you can’t not enjoy it, no matter what type of music you listen to. It doesn’t bore at all, it keeps you interested and going, for two hours straight.

Nun hat ja wirklich jeder Interessierte die Möglichkeit, sich selbst ein Urteil zu verschaffen. Ich bin noch dabei...

Lust auf locker-flockige Unterhaltung? Dann reicht wohl dieses Zitat aus Plug In Music schon aus, um eventuelles Interesse an dieser Platte zu verwerfen:

“Saturnalia” is a tough nut to crack. It is one that takes at least a half dozen listens before it starts to make any clear sense. Songs that at first might seem like filler quickly transform themselves into loose, bluesy jams and world weary reflections set to buzzing instrumentation. The duo is like a sadistic pharmacist, gladly offering just enough to get you hooked and then leaving you hanging once the drug has taken effect. To be sure, the Gutter Twins’ “Saturnalia” is one intriguing pill.

Mark Lanegan entdeckte ich während der Grunge-Welle als Sänger der Screaming Trees für mich. Deren letztes Album "Dust" aus dem Jahre 1996 war ein später Höhepunkt des Genres. Mark Lanegan tauchte immer mal wieder als Solokünstler, Gast (z. B. bei Queens Of The Stone Age) bzw. in Kollaborationen auf (z. B. mit PJ Harvey). Gerne arbeitete er anscheinend immer mal wieder mit Greg Dulli (z. B. The Afghan Whigs, The Twilight Singers) zusammen. Mit ihm zusammen entstand nun über einen Zeitraum von ca. drei Jahren "Saturnalia". Stilecht sind sie natürlich bei "Sub Pop" gelandet.

Stimmlich haben beide schon jeweils eine Menge zu bieten, als Kombination entsteht ein vielfältiges Werk, das meint auch Pitchfork:

With a billion cigarettes between them, the Twins are well matched vocally: Lanegan sings like he's rising from the dead, Dulli like he's falling from grace. Together, they can make a line like "We're gonna have some fun" sound utterly sinister, which lends these lecherously slow burners their peculiar gravity. Lanegan sings "All Misery / Flowers" like a Tom Waits song, his vocal delivery tripping against the song's rhythms as he conjures junkie afflictions: "Little girls might twitch at the way I itch, but the way I burn, it's a son of a bitch." Dulli closes the album with "Front Street", which begins, somewhat morbidly, with the chirping of birds. It's no joke, but a chiaroscuro contrast with the song's pitch subject. "People to use, lovers to break, handful of pills, no life to take," he sings, flirting with the masochist lover/confidence man he perfected 15 years ago on Gentlemen and seemed to abandon with the Twilight Singers.

Ja, bezüglich der Grundstimmung des Albums bleiben wenig Zweifel, wie auch Spin erkennt:

Mortality, regret, guilt, and whatever remains of passion after you say "I was in love with you" all weigh heavily on these two. Fortunately, they're both versed in meaty riffs, acoustic drama, noirish electronics, and a nice heavy backbeat.

Aber das Album ist auch nicht als Untermalung eines heiteren Eurovision Song Contest-Abends gedacht, dafür hat man ja Mika & Co..

Das Album gibt es als Stream, die Website der Band liefert noch mehr Informationen dazu. Als mp3-Download wird der Song "Idle hands" geboten (der zwar auch eine düstere Stimmung verbreitet, durch das Riff aber mehr Drive hat als die anderen Songs des Albums) und eine Myspace-Seite gibt es natürlich auch.

Ihre Single "Goodbye Mr. A" ist der Titelsong des auch bei uns unglaublich angesagten Videospiels "Fifa 08". Und mit Konsolenstarthilfe werden sicher auch die anderen Pophymnen des Debüts viele Fans finden, allen voran "Worried about Ray", eine Homage an den Turtles-Hit "Happy together". The Hoosiers spielen eben optimistischen Britpop, und der findet hierzulande traditionell mehr Abnehmer als rüpeliger Britrock oder prolliger Manchestersound. Ungewöhnlich stark sind vor allem die Texte von "The Trick of Life", die sich allesamt mit den Schwierigkeiten des Erwachsenwerdens beschäftigen. Doch das macht es umso schwerer, die geballte musikalische Fröhlichkeit des Albums am Stück zu ertragen. Mitunter hätten zumindest kleine Gewitterwolken gut getan. Denn jeder 20-Jährige kann bestätigen, dass sich das Leben nicht so anfühlt, wie das Hoosiers-Album klingt.
(kulturnews.de)

"We always knew this album was gonna be given away for free, even before we started writing so we wanted to make it the best album we've ever made. This isn't a case of left over tracks and b-sides, we wanted to give our fans a quality record."
(Tim Burgess, The Charlatans)

"I completely mean it when I say this is their best record in year, their best since 'Telling Stories'. I think for ten years they've been a brilliant band but they haven't fulfilld their full potential until now."
(Alan McGee, Manager von The Charlatans)