Vor allem das Zusammenspiel aus Religion, Natur und Technologie hat es dem Quartett aus Brooklyn auf »Amen & Goodbye« angetan, die Auseinandersetzung mit Religiosität ist nicht zu übersehen. Die Songs tragen sakrale Titel wie »Divine Simulacrum«, »Child Prodigy« oder »Prophecy Gun« wie einen dampfenden Weihrauchkessel vor sich her. Eine Blaupause für das gesamte Album ist die großartige Single »I Am Chemistry«, die vordergründig irdische Themen wie die chemische Formel für Sarin-Gas und toxische Naturpflanzen behandelt. Mit dem dazugehörigen Musikvideo über eine verunglückte Marsmission inklusive Aliens wird aus dem Song mit herzzerreißend schönem Gospel-Singsang plötzlich eine Auseinandersetzung mit Vergänglichkeit, Wiedergeburt, Transzendenz und dem Leben nach dem Tod.

(intro)

Yeasayer stehen für einen kreativen Pop-Entwurf, der auch beim vierten Album immer noch relativ unverbraucht wirkt. Für jeden Neueinsteiger könnte "Amen & goodbye" folglich eine Offenbarung sein, mit all dem Ideenreichtum, der köstlichen Instrumentierung, den vielen Stimmen, die so schön im Kopf nachhallen und regelrecht becircen. Im Spannungsfeld zwischen den bereits angesprochenen Alt-J, den hyperaktiven Metronomy und den kunstfertigen Animal Collective beanspruchen Yeasayer den Platz an der Sonne für sich: Ihre Kompositionen klingen optimistisch und frohgelaunt, selbst melancholische Themen scheinen sie locker wegzulächeln. Nur selten lassen sie die Rollos runter, in "Divine simulacrum" aber dafür richtig: Der Raum wird verdunkelt, es rattert und rauscht und zerrt ein wenig an den Nerven. Trotz zahlreicher fantastischer Momente wird man letztlich also das Gefühl nicht los, dass Yeasayer auf "Amen & goodbye" ein wenig den Überblick, die Orientierung verloren haben. Das kommt nun mal davon, wenn man seine eigenen Song-Baupläne sabotiert: ein glänzendes Schloss gebaut auf rieselndem Treibsand.

(Plattentests)

Die Songs sind eingängig, haben so eine superfröhliche Attitüde. Auf Amen & Goodbye springt alles quietschfidel hoch und runter wie ein Tischtennisball in vollem Einsatz.

Die Leadsingle „I Am Chemistry“ ist ein Nr.1-Hit in einem von Animal Collective regierten Königreich. Die wichtigste Neuerung war, dass man dieses Mal alles voll retro auf Tape aufgenommen hat. Für weitere Freshness war Joey Waronker, Drummer bei Atoms For Peace und Beck, zuständig. Dem kam die Aufgabe zu, jedes der 13 Stücke zu dekonstruieren. Dank dieses arty Prozesses erreichen Yeasayer erneut olympisches Gold-Niveau. Hinter kirchlich anmutenden Chören und knackigen Saxophon-Elementen darf man aber auch wieder ein Häkchen machen.

(musikexpress)

“I couldn’t be happier with the album. It is 10 songs, 36 minutes, and it feels like a perfect distillation of what I can do, and my best work. I’ve really pushed myself as a songwriter and tried to challenge myself to evolve sonically and capture a unique atmosphere within the album. There is a lot of space in it, lushness, but also it feels punchy and melodically pop. It is about home, getting home, leaving home, finding home, whatever planet or street or field you live on. Whatever home means to you. I think having a new music publishing deal with BMG/Xtra Mile Music has also made me reach for higher. I’m so excited to see it enter the world. It looks bloody good too!”

The ten tracks here range in character and texture, but all generally fall into MacIntyre's wheelhouse of warmly crafted, introspective guitar pop. Leading the pack are the aforementioned single "The Ballad of Ivor Punch," the dark and quirky "Bones," and the heartfelt jangle of "Each Other." Album opener "Build Another Brick" is also a lovely bit of pop balladry with its big, hooky chorus and unique transitions. If the remaining cuts don't quite live up to the artistry MacIntyre showed in his early years, their lived-in portraits of love, family, and mortality come from the heart and fill in the mortar on another solid MHS release.

(all music)

Recording together in rural Oxfordshire, MacIntyre spent time wandering around fields and tumbledown churches, and even took some lyrics from gravestones he stumbled upon.

By rights then, this could have been an exercise in pretty, pastoral, gothic lullabies. Instead, Morley’s high sheen, pop production and MacIntyre’s optimistic spirit and meandering imagination fills Dear Satellite with dreamy, acoustic-pop songs that hold cinematic ambition and lush, swelling, crescendos. The combination works a charm, and MacIntyre sounds more energised and alive than he has in years.

(Drowned In Sound)

Der Opener von „Brilliant Sanity“ hört nämlich auf den Namen „Düsseldorf“ (was Sanders sogar recht gut ausspricht). Ein vergnügt sommerliches Stück, mit abgehackten Rhythmen und trippelnder Melodie, das Britpop-Anleihen und krude Dance-Elemente vereint. Auch die weiteren Stücke zeichnen sich durch einen hohen Faktor Sonnenschein aus. Die Synthies erklingen tänzelnd, und je nach Songtempo, säuselnd, die Gitarren bilden ein warmes Bett und der Gesang klingt teils schwelgerisch, teils verschmitzt freudig, was allen Songs auf diese Weise eine durchweg sympathische Note verleiht. Dabei fällt es beinahe schwer, die Highlights richtig zu benennen, da das Album eine sprudelnde Dynamik entwickelt, bei der man sich ganz schnell verträumt lächelnd ertappt, ohne, dass man genau weiß, warum. Teleman präsentieren mit ihrem Zweitwerk ein Album, das bei allem Pop-Appeal nie in Kitsch oder Gefälligkeit verfällt, sich an Sonnenanbeter und Träumer richtet, nicht vor Experimenten zurückschreckt und das vor allem eines will: gehört werden.

(White Tapes)

All das, was dieses Zweitwerk ausmacht, ist in einem spielerischen Akt der Art-Pop-Produktion mit Dan Carey in London in Form und Farbe gebracht worden und darf jetzt für sich beanspruchen, wie aus einem Guss zu klingen. Das macht das neue Teleman-Album zu einem Elf-Song-Ohrwurm, der sich mit jedem Hördurchlauf besser anfühlt. Wiedererkennen garantiert das leicht verwackelte Falsett von Sänger Thomas Sanders (von dem jemand mal behauptete, es sei das schnöde Ergebnis eines Pitchingprozesses), und wenn er vom „Devil In My Shoe“ singt, klingt das wie ein Kuschelpop-Ereignis.

Vergleiche findet man in dieser ambitionierten Vielfalt gern: BRILLIANT SANITY hat etwas von den Singalong-Freuden, die auf den ersten beiden Alben der Briten James zu finden waren, und von der Art, wie alt‑J aus komplexen Harmonien höchst eingängige Songs bauen.

(musikexpress)

Mit SILVER AGE (2012) und BEAUTY & RUIN (2014) brachte Mould dann zwei knackige, rostfreie Fuzz-Power-Pop-Platten raus, und PATCH THE SKY fügt sich nahtlos in dieses Spätwerk ein.

Gut, ein bisschen suhlen sich diese Alben in ihrer Gefälligkeit – fette, helle Akkorde; locker federnde Rhythmen, bei denen weder Musiker noch Hörer in Gefahr kommen, sich irgendwas zu zerren – aber Bob Mould hat sich die Freiheit erspielt, in seiner Komfortzone zu agieren. Dabei entsteht Füllmaterial („Hold On“, „Lucifer And God“), aber auch schöne Sugar-Gedächtnisnummern (das an „Fortune Teller“ erinnernde „Pray For Rain“); und auf „Hands Are Tied“ stellt man fest, dass Mould die halsbrecherischen, knalligen Zweiminüter immer noch beherrscht. Am hörenswertesten sind aber die langsameren Stücke hintenraus: „Black Confetti“ hat einen hypnotischen, plättenden Groove, und das wehmütige, vor Verzerrung flimmernde „Monument“ ist der perfekte Closer.

Mould’s in a dark place right now: bile in his gut, pain in his heart, doom on his mind. It’s the end of days, people. He makes it sound so fun. (Magnet)

It’s the contrast of sparkling melodic effervescence and Mould’s obsidian soul that drives the tracks on Patch The Sky. Here, Mould has turned up the contrast between anger and melody, and found some sense of enlightenment. (The Line Of Best Fit)

Patch the Sky is something of a darker twin to the 2014 "Beauty and Ruin," itself an album filled with grief and reckoning. But the music, in contrast to the often bleak, edge-of-despair lyrics, is cleansing. (Chicago Tribune)

It's good to know that, like you and me, he's swimming hard against the ever increasing tide of shit and still, in the main, coming up smelling of roses and refusing to back down. (The Quietus)

HILLS END ist mit seinen gefälligen Songs bestimmt kein schlechtes Album, und am Gesang von Tommy O’Dell gibt es nicht groß was auszusetzen, aber den Songs fehlt es einfach an Charakterstärke. Vor allem macht es einem HILLS END trotz gefälliger Lieder unmöglich, auf den Britpop-Verweis zu verzichten. (musikexpress.de)

Viel mehr Sinn macht es das Debütalbum der Australier stilistisch am anderen Ende des ehemaligen Britpop-Kriegs der 90er zu verorten […]. Dass sich Blur’s Dave Rowntree bereits als Fan des Down Under-Trios geoutet hat darf insofern als symptomatisch gewertet werden – und zudem näher bei den tatsächlichen Referenzen. 'Hills End' orientiert sich in seiner akustisch unaufgedunsenen Leichtigkeit am Baggy-Flair von 'Leisure', lässt eine dezente Neo-Psychedelika-Schlagseite zwischen den Zeilen aufblitzen, borgt sich Gitarrenspuren von Johnny Marr, den Smiths und aus den ausklingenden 80ern, klingt in seiner Verbindung aus halbverzerrt angeschrammten Gitarren und sehnigen Rhythmusarbeit aber vor allem und mehr als alles andere wie ein natürliches Amalgam aus den Vermächtnissen der Stone Roses und den La’s. (heavypop.at)

Mit über 40 Titeln in der Hinterhand haben DMA’s das Album gemacht, das sie wirklich machen wollten. Dazu konnten sie auf ihre Demos zurückgreifen, die teilweise neu eingespielt wurden. 'Hills End' ist dadurch noch einmal eine ordentliche Steigerung gegenüber ihrer selbstbetitelten Debüt-EP, die bei uns im vergangenen Mai erschienen ist. Anders als auf der EP geht es auf 'Hills End' mit Songs wie 'Timeless', 'Too Soon' und 'Lay Down' wesentlich zackiger und rockiger zu. Gleichzeitig bietet das Album aber auch neue Akustik-Balladen wie 'Melbourne' oder 'The Switch'. (herzmukke.de)

Verschwommen, vintage und leicht, „Thought & Language“ klingt wie der beste Shoegaze aus den 90ern. […] 70 Minuten lang führen Dead Leaf Echo durch ihre eigene Klangwelt, die Noise, Drone, Shoegaze, Indie und Dreampop mischt. Nouveau Wave nennen sie ihren Stil, der so ausgedehnt wie gleichzeitig kompakt ist. Dead Leaf Echo schaffen sehr breite Atmosphären, die mal träumerisch, mal zerschmetternd klingen, aber immer folgen sie einem Strang, der das Album durch die 16 Tracks zusammenhält. […] Die New Yorker spielen die Sprache der Wellen, wie einer der besten Tracks, „Language of the Waves”, suggeriert. Dieser Song hat eine wellenartige Dynamik vor allem dank des Gesangs. Hier mischen Dead Leaf Echo Shoegaze, Wave und Noise und klingen am besten: verträumt, doch immer mit einer gewisse Klangdichte. (prettyinnoise.de)

Von der Musik auf „Thought & Language“ kann man sich buchstäblich treiben lassen, so dicht und doch beweglich ist sie. Für Shoegaze-Fans ein absolutes Muss, da einem hier eine Menge davon offenbart wird, was man an dem Genre lieben gelernt hat. Aber auch ungeschulte Ohren sollten sich dieses Werk mal zu Gemüte führen, es ist auf jeden Fall eine Erfahrung wert. (deepground.de)

Lo-fi folk blends with rich string arrangements and exquisite interplay between vocalists Erland Cooper and Hannah Peel while found recordings such as documentaries, public information films and even sat-nav directions are frequently worked into the mix.

"Death in The Woods" is a particularly captivating number with jaunty, fairytale folk and whispered lyrics offering enticing glimpses of a town endowed with magic and mystery. "Signs" covers the whole spectrum of low and high production values. It opens with what sounds like an Open University lecture and a grainy drum machine. Acoustic guitar strumming accompanies murmuring vocals which are slowly wrapped in expansive string arrangements.

"Exit" is more sparse. Piano and guitar melodies give prominence to tender lyrics. A crescendo of strings gently builds and collapses as fireworks explode. It feels like the end of the main act with the remaining three songs providing a sublime encore. "The Silver Birch" gushes frolicking melodies, "Northway Southway" is mighty and gentle and a cover of "Run of The Mill" by George Harrison, a famous early advocate of Transcendental Meditation, ties the album up neatly.

Prospect of Skelmersdale presents a hazy sequence of tales and images. It’s not easy to piece together or get one’s bearings, but it doesn’t really matter. It’s music to get lost in as the trio transcend the bricks and mortar of the mundane world to reach a higher plain.

(Drunken Werewolf)

Opening track Jai Guru Dev starts with a raga-like drone and chanted group vocals before a sampled female voice with perfect BBC diction invites us to ‘hold hands around the outer perimeter of the Golden Dome site’ in order to bless the opening of the centre at the Ideal Village. A blessing like this, as well as being a simple prologue, is a kind of affirmation giving the musicians symbolic freedom to further tackle their subject. Pennylands does so with urgent acoustic guitar and more overlayed group vocals as well a string section – chamber pop meets the BBC Radiophonic Workshop.

Death In The Woods feels like one of the record’s defining moments, describing the quotidian in exalted terms – a combination of banality and spirituality, synthy blips and earthy vocals. Sandy Lane once again makes use of sampled speech, acoustic guitar and gently ornamental strings. The result is something like a cross between John Cameron’s Kes soundtrack and the orchestral (or-kestral?) pop of the Divine Comedy.

Signs combines history lesson (a telling reference to Thomas More’s Utopia) with a melancholy personal narrative, Cooper’s voice swelling in and slipping out of the mix to great effect, while Little Jerusalem is maybe Peel’s standout vocal performance, another tale of small-town ennui and loneliness set before a musical backdrop that threatens to swoon into Cocteau Twins territory, but restrains itself throughout.

Remains Of Elmer is striking for its manipulation of found sounds and its repeated, descending electric guitar part, while Cergy-Pontoise‘s (it’s Skelmersdale’s twin town, if you’re wondering) percussion could almost have been glam in another life. Exit begins with sweet, simple piano – almost Satie-esque – before sampling a generic Sat Nav, which brilliantly becomes a metaphor for separation in this beautifully aching song. Then there is a well chosen, piano-led cover of Run Of The Mill, originally by everyone’s favourite musical transcendentalist, George Harrison, sung here beautifully by Peel.

In all probability Prospect Of Skelmersdale won’t find a home under the hauntology banner – it doesn’t sit comfortably with the rustic occultism at one end of the spectrum or with the techy, depressed minimalism at the other end. But despite that, it creates a sound – temporally disjointed, difficult to pin down – that appeals to the part of our subconscious mind that ‘remembers’ possible but unrealised futures, and does so in a way that is both hopeful and melancholy. It is a rare album that manages to be socially aware without being preachy, sonically vibrant without being derivative, but this one ticks all the right boxes. A superbly refreshing listen.

(Folk Radio UK)

Für Alejandra Deheza war klar, dass sie weiter Musik machen wollte, nur wie? Sie floh nach Los Angeles, doch die unfertigen Songs verfolgten sie. Also fasste sie sich ein Herz und holte den Bassisten und Produzenten Justin Meldal-Johnsen ins Boot […]. Eine gute Wahl: Deheza und er haben aus den Songskizzen ein energetisches Werk geschaffen, mit Bassläufen, für die Ex-New-Order Peter Hook heute seine Familie verkaufen würde. Im Opener »Ablaze« beschreibt Deheza, wie sie Curtis 2004 kennenlernte, als sie mit ihrer Band On!Air!Library! auf Tour war, gemeinsam mit Interpol und Secret Machines, bei denen Benjamin Curtis spielte. (spex.de)

Mit der Doppelspitze aus dem düster-mystischen „Elias“ und der Scharfkantigkeit von „Signals“ geht es derweil nicht nur zurück in den Sommer 2012, als das Album geschrieben wurde – laut Deheza eine der kreativsten Zeiten, die die Band je erlebt hat –, sondern auch zu einer möglichen Inspirationsquelle. Das Album wurde gemeinsam mit Justin Meldal-Johnsen produziert, der wohl vor allem durch seine Arbeit an M83s Meisterwerk „Hurry Up, We’re Dreaming“ bekannt sein dürfte. Beide Stücke erinnern daran, aber schaffen sich in diesem Rahmen ihre eigene, kleine Klangwelt. (auftouren.de)

Friends, Benjamin and I wrote this record during a tour break in the summer of 2012. I can easily say that it was one of the most creative and inspired summers of our lives. What followed was the most tragic, soul shaking tidal wave that life could deliver, but even that wouldn't stop the vision for this record from being realized. This is a love letter from start to finish. It's the story of us starting from that first day we met in 2004, and that's the story of School of Seven Bells. So much love to all of you. Thank you for being a constant light in our lives. This record is for you. -Alejandra

Die Wahrheit über JUNK lautet: Herr Gonzalez verhebt sich auf seinem siebten Album erst so richtig. Und das macht großen Spaß. JUNK unterhält als Meta-Pop-Produkt, das den Spacepop, Softrock und Blue-Eyed-Soul ab Mitte der 70er bis etwa kurz vor der breiten Einführung der Sampletechnik formvollendet und soundtechnisch eindrucksvoll aufarbeitet. Auf French-Talk-Disco-Erotica („Bibi The Dog“) folgt Phillysound-Intermezzo („Moon Crystal“) folgt ein Stevie-Wonder-Mundharmonika-Solo, für das Stevie Wonder allerdings keine Zeit hatte („Sunday Night 1987“), folgt Beck Hansen als melancholischer New-Wave-Popper („Time Wind“), folgt die rund drei Jahrzehnte zu späte Empfehlung von Susanne Sundfør als Duettpartnerin für Barry Gibb oder Kenny Rogers („For The Kids“). Das ist manchmal kitschig und käsig, tappt aber eben auch mit überzeugender rotwangiger Aufgeregtheit, die den Romantiker Gonzalez bei aller Cleverness auszeichnet, in all die entsprechenden Fallen – anders als zum Beispiel die zwei stahlharten Profis von Daft Punk.

(musikexpress)

M83 mischt Italo-Disco, Yacht-Pop und Chillout, das ist nahe bei Tame Impala, Daft Punk und Washed Out, und die Sängerinnen Susanne Sundfør und Mai Lan haben großartige Auftritte. Die besten Stücke sind "Go!", "Atlantique Sud" und "Solitude". Man meint dem Album anzuhören, dass Anthony Gonzalez zuletzt vor allem Soundtracks produziert hat, für "Oblivion" mit Tom Cruise etwa, für "Das Schicksal ist ein mieser Verräter" und "Divergent – Die Bestimmung". Jeder bestimmt hier selbst, was er sieht: M83 macht den Hörer von "Junk" zum Regisseur.

Jeder bestimmt hier selbst, was er sieht: M83 macht den Hörer von "Junk" zum Regisseur.

Allen sei nun dieses Album ans Herz gelegt. Zu treuen Händen, gewissermaßen. Aber gut drauf aufpassen, bitte.

(RP Online)