Dass Glen Hansard ein Meister des gefühlvollen Breitwand-Folk ist, sollte dem Mainstream-Publikum spätestens seit der Oscar-Auszeichnung für seinen Song »Falling Slowly« aus John Carneys Film »Once« bekannt sein. Mit seinem zweiten Soloalbum unterstreicht er diese Ausrichtung nun abermals: »Didn’t He Ramble« ist eine zutiefst optimistische LP – nicht naiv optimistisch, eher durchzogen von einem plakativen Gefühl der Hoffnung, das sehr ehrlich Hansards innerer Überzeugung zu entstammen scheint.

Zum Glück erliegt der Ex-Frames-Frontmann und Swell-Season-Kollaborateur nur in Ausnahmefällen (»Her Mercy«) der Versuchung, seine Songs in ein großes, opulentes Orchester-Gewand zu hüllen. Seine stärksten Momente hat er nämlich eindeutig nicht dann, wenn ganz groß aufgefahren wird, sondern wenn ruhig und zurückgenommen Hansards Stimme im Vordergrund steht. So wie im Schlussstück »Stay The Road«, das nur mit Gitarre und Gesang alles, wofür dieses Album steht, auf den Punkt bringt und sich letztlich in dieser einen Zeile verdichtet: »Tired eyes, look up and see.« Genau so sollte man es angehen.

(intro)

Didn't He Ramble shimmers, saunters and charms; Hansard has never sounded so good. (Exclaim)

Ultimately, though, regardless of whether Hansard is cribbing moves from his own country's heritage, or from one of the biggest rock stars in American history, he manages to make it all his own thanks to the quality of his songwriting and the passion behind his performances. (Absolute Punk)

Production by longtime collaborator Thomas Bartlett and ex-Frames member David Odlum is inviting, alluring and engaging. It pushes Hansard into his finest performances yet on originals that are haunting, poignant and beautifully conceived. (American Songwriter)

Frontman Joe Nuttall has a knack for shifting at just the right time and in just the right way to coax drama out of his songs. An unfussy sonic palette — pared-down Arcade Fire-style guitar anthems, with an occasional hint of new wave snap — allows him to step out of the way and let the music’s turns do most of the work.

With a new lineup, Enola Fall have strengthened their indie electro-pop sound — think the Wombats and Two Door Cinema Club but with a little more rock. The Aussie quartet’s “Stab On!” is the addicting first single off of their upcoming album, Heliotropic. Once the song starts, you feel compelled to keep listening to their soul-searching lyrics as the beat presses forward.

Vocalist Liz Hunt has been accused of sounding like Sarah Cracknell and I don’t believe she trying, it’s just how the vocals come out of her mouth (not that I’d car anyway, I lvo both of their vocals) while the rest of the band build up pocket symphonies with plenty of horns, keyboards, tambourine and the like. Opening cut “Every Day” sets the tone perfectly while both Hunt and the band just sound so spot on. About mid-record they rattle off this string of classics starting with “Don’t Worry Baby (I don’t love you anymore)” and then right into the touching, short , acoustic  “My Heart’s Beating Overtime” right into the bouncy title track and then, into what I consider to be the crown jewel of the record, “Do I Love You?” (Hunt’s vocals are especially impressive on this record), all sweeping and majestic. They end the record strong as well (twelve songs in all) So there you have it, if the sweet, sultry, Northern Soul sounds of bands like St. Etienne or Allo Darlin’ strike a chord within you then you’ll love The School. And you should you really should.

(Dagger Zine)

Following the release of 2012’s swinging ‘Reading Too Much Into Things Like Everything’, The School frontwoman Liz Hunt founded Wales Goes Pop! festival, and her eight-piece indie-pop collective are pretty much its house band. Third album ‘Wasting Away And Wondering’ tightens up the Cardiff group’s ‘60s indebted, horns-and-strings sound with rhythmic stompers like ‘Do I Love You?’ and The Supremes beat of ‘Love Is Anywhere You Find It’. Hunt’s lyrics lean towards the lovelorn humour of likeminded revivalists Camera Obscura and Belle And Sebastian (“So you want to move to Amsterdam?/You never liked it there before” sighs upbeat opener ‘Every Day’) but there’s none of those bands’ ironic distance with The School, just pure pop.

(NME)

“Steel Resonator Mandolin. Timpani. Sleigh Bells. All sorts of electric guitars…[…] It is the best stuff we have done in a long, long time. Gonna be big sounding!”

Wenn diese wohl beste Platte von Mercury Rev bisher also wirklich das Ergebnis des langen Erstellungsprozesses ist, dann lässt sich zusammenfassend sagen: Guter Wein und gute Alben brauchen Zeit. Und gute Alben, die klingen, als hätte man sie in guten Rotwein getaucht, dürfen gerne so lange reifen, wie sie wollen.

• 07.11. Weissenhäuser Strand, Rolling Stone Weekender
• 09.11. Köln
• 11.11. Berlin
• 15.11. München

New Order docken stattdessen irgendwo Anfang der Neunziger bei sich selbst an, etwa auf halber Strecke zwischen ihrem Acid-House-/Post-Punk-Hybrid TECHNIQUE (1989) und der balearischen Wonneplatte REPUBLIC (1993). Das ist der Ausgangspunkt, von dem aus sich die elf Stücke in verschiedene Richtungen (nur nicht zu weit in die Zukunft) nach dem ausstrecken, was Dancepop alles sein kann: vom Moroder-Sequencer auf „Plastic“ über die Madchester-House-Pianos von „People Of The High Line“ bis hin zum forschen, technoiden Beat von „Unlearn This Hatred“, der klingt wie Ende der Neunziger von Stuart Price produziert. Tatsächlich stammt er vom Chemischen Bruder Tom Rowlands, wie auch „Singularity“, das einiges an „Blue Monday“-DNA in sich trägt. Aber auch Price hat mitgemacht und mit „Superheated“ eine typische Brandon-Flowers-Schnulze ans Ende der Platte produziert – featuring Brandon Flowers. Weitere Gäste sind Elly Jackson (La Roux) im Chor und Iggy Pop, der als düsterer Gedichtrezitator fast an Vincent Price in Michael Jacksons „Thriller“ erinnert.

Aber groß Eindruck macht das auch nicht. Und damit kommen wir zum Problem der Platte: Man hört sie gern, ruhig auch den halben Tag, aber wenn sie aus ist, ist sie weg. Ratzefatz. Absolut spurlos verschwunden.

(Musikexpress)

Because it’s loaded with guests, there’s a transparent curatorial awareness to Music Complete, one that’s surprisingly engaging and effective. (Consequence Of Sound)

An album of outstanding pop, shuddering dance-rock and intricate electronic moods. (Mixmag)

Music Complete certainly doesn’t do anything to diminish New Order’s formidable legacy, but it doesn’t necessarily expand upon it either. That being said, it still sounds like classic New Order. (Pitchfork)

There is a spirit of adventure and experimentation in the album that is commendable. (PopMatters)

Worth every second of the wait. (Q Magazine)

There’s an openness about Hawley’s writing here that cuts straight to the quick--as if he’s digging through the ruins of his own Hollow Meadows, to try and shine a light on his soul. (The Independent)

Hollow Meadows, written while Hawley was at home recovering from a slipped disc and a broken leg, finds the crooner at his most affecting and fragile. (The Observer)

His truly great albums tend to freshen things up by rearranging and adding to the toolkit whereas, by trekking back to earlier, unadorned works, this one maybe feels a bit too familiar. That said, it's still easily impressive enough for visitors to Sheffield to want to check out Hollow Meadows, too. (The Line Of Best Fit)

Like Something Is, Coles Corner or Run For Me may have done in the past, Hollow Meadows is yet another impossibly accomplished record from one of our national treasures. (musicOMH)

There may be plenty of meat left on his bones, but for this fine album to take the plaudits it truly deserves, we have to hope that there are many with open ears and hearts. Richard Hawley: troubadour in chief for this generation. (Drowned In Sound)

The 11-track collection of lugubrious love songs shows Hawley returning to his smooth ice-cream ad soundtracking roots.  (NME)

Diese Songs hier wollen nach vorn stürmen („Learn To Burn“), sie nehmen den Witz des Musikkritikers Forster („I Love Myself And I Always Have“) mit ins Programm oder spielen sich mit einer wunderbaren Trompetenmelodie in die Nähe der Sehnsuchtsmusik von Calexico („A Poet Walks“). Letzterer Track darf sofort nach Veröffentlichung als Klassiker in Forsters Werk begrüßt werden.

Frühe Go-Betweens, später Sturm und Drang, Lust am Pop: Das ist der vorerst letzte Stand der Dinge. Wir werden sicher bald noch mehr auf diesem Album zu entdecken haben – alles zu seiner Zeit.

(Musikexpress)

Wenn es jemanden gibt, der die Gemächlichkeit für sich gepachtet hat, dann ist es Robert Forster, der mit einer Weste zur Welt gekommen sein muss. Forster macht keine Musik für junge Leute, er macht keinen Rock’n’Roll, er setzt den Groove mit dem Spazierstock. Die ohnehin langsamen Songs anderer Leute auf „I Had A New York Girlfriend“ verlangsamte er noch: „It’s. Nature’s. Way. Of. Telling. You.“

Nach sieben Jahren wären auch Coldplay vergessen, aber Forster weiß, dass ihn nur Menschen mit langem Gedächtnis hören. „Learn To Burn“ ist seine Version der Rolling Stones oder von David Byrne auf dem Land, die Gitarre triggert, eine Geige schmiert. Dann kommt der gemütliche Forster, er spricht-singt: „Please don’t twitter/ Let me imagine you.“ Wenn die Platte jetzt zu Ende wäre, hätte er schon gewonnen. Aber es kommt eine fein ziselierte Kostbarkeit nach der anderen, Stücke, die atmen, die auf Zehenspitzen gehen. Und dann spaziert der Dichter: „And given two choices, two clear choices, I take both.“ Geige, Trompete, „Hu-hu“. Graziös.

(Rolling Stone)

PAGANS IN VEGAS zeigt auf dem Cover das Hotel Chisca in Memphis, in dem Elvis erstmals fürs Radio interviewt wurde. Parallel zum Album gibt es nun eine App fürs Smartphone; die erste Single, „The Shade“, kann man über die Homepage als Tape bestellen. Die Kanadier blicken damit auf eine Zeit zurück, als man optimistisch in die Zukunft schaute.

Und so klingt das meis te auf PAGANS IN VEGAS nach Poprock aus den 80ern, als Drumcomputer und scharfkantige Gitarren ganz gut zusammengingen. Star der Show ist Sängerin Emily Haines, die ihre Band sehr souverän und mit vielen Rollen durch die Songs leitet. Ihre Präsenz ist wichtig, denn ohne gute Stimme würden diese Stücke Schiffbruch erleiden: Synthiepop wie „Cascades“ bekommen sogar Chvrches besser hin, „For Kicks“ lässt Brandon Flowers’ Discofox-Füße zucken, „Too Bad, So Sad“ kombiniert Keyboard-Boogie-Woogie mit harten Gitarren: Die alten US-Wave-Rocker Wall Of Voodoo hatten mal ein Händchen für diesen Wahnsinn – bei Metric wirkt das albern.

(musikexpress)

‘Pagans in Vegas’ does begin well enough, with Metric’s retro new-wave influences recalling the likes of Depeche Mode and New Order. In amongst various bleeps, bloops and underlying disco influences, everything is well-balanced musically, with melodic riffs in abundance. The restrained intensity of opener ‘Lie Lie Lie’ and hooky lead single ‘The Shade’ especially stand out as impressive. Unfortunately, it all begins to go awry with a jarring transition into 8-bit and vocoder on the certain to be polarizing ‘Cascades’. Following that, everything bar the unabashedly playful ‘Too Bad, So Sad’ borders on filler. The sweet side of Haines’ voice goes a step too far on the still catchy ‘For Kicks’, while Shaw’s vocal contribution to ‘The Other Side’ is underwhelming. ‘Blind Valentine’ and ‘The Governess’ don’t do much wrong, but aren’t exactly memorable, while the two-part instrumental closer is proficient enough, but ultimately a meek and overlong eight minutes worth.

True to form, ‘Pagans in Vegas’ is not a bad album. If Metric were a sports team, a supporter might want them to bottom out, rebuild and get motivated to reach their true potential. The shark hasn’t necessarily been jumped here, but the patience of many listeners is likely to be wearing thin. It’s too harsh to suggest that the band are coasting, since there are once more fragments of ideas, concepts and melodies which arouse. It also may be a little unfair to accuse Shaw & Co. of compromising, since their want to explore and experiment is admirable. But something does have to change for Metric to arrest their downward trajectory. One way or another, album number seven may have to go all-in. Whether they should go all Kraftwerk on us, or ponder a more chart-baiting style will remain up for conjecture. Either way, it should at least quell Metric’s propensity to frustrate. 

(sputnikmusic)

Night Remains, das ist neun Mal eine Melange aus Dredg, The Smiths, The XX, einer Prise Interpol (hier wären beinahe die Editors erwähnt worden, aber das wäre doch etwas zu gemein) und einem dicken Anstrich von melancholischem Pop. Das mag sich an dieser Stelle vernichtend lesen, ist aber gar nicht weiter schlimm. Weil die genannten Bands (okay, die Editors mal ausgenommen) nicht unbedingt als die schlechtesten Referenzen angesehen werden können. Und weil die Songs erstens keinen Hehl um ihren epigonalen Charakter machen und zweitens genug Klasse besitzen, um nicht in der breiten Masse unterzugehen. (heartcooksbrain.net)

Die Gitarren perlen wie in „Distance“, reduzieren sich zur sanften Begleitung bei „Rare Devotion“ und erreichen die jubilierenden Hymnenhaftigkeit einiger U2-Songs in „Your Love Is A Nightmare“, bei dem Bass und Schlagzeug das Tempo immer wieder vorwärtstreiben. Zu einem ähnlichen Überschwang erhebt sich „Ritual“, während „Dots“ in verträumter Schwermut versinkt und „Long Way Back“ irgendwann doch ins Opulente mündet. Das abschließende „Michael“ fasst die Philosophie von The Rival Bid nochmals explizit zusammen, unendliche Traurigkeit gepaart mit himmelhochjauchzenden Gitarrenparts. Ein perfekter Soundtrack für die dunklen Aspekte des Lebens. (soundsandbooks.com)

In Sachen Text waren Lana Del Rey und ihr Mit-Autor Rick Nowles noch nie so stark wie auf dieser Platte. Natürlich basieren die Texte auf dem Katalog aus Bildern, auf den Lana Del Rey stets zurückgriff: Es geht um Bad Motherfuckers und um die Palmen im Endless Summer, um Partys und Pistolen und um Genussmittel, legale wie illegale.

Im wunderbaren „Salvatore“ – hier haben wir wieder die Erlösung, „Salvatore“ ist Italienisch für Heiland – reiht sie die Begriffe „Cacciatore“, „Limousine“, „Ciao Amore“ und „Soft Ice Cream“ scheinbar ohne jeden Sinn aneinander. Aber Songs wie die Lead-Single „High By The Beach“ siedeln all diese Bilder hervorragend nah am Untergang an, Spaß in einem ganz klassischen Sinne macht die Platte selten, eigentlich nur während der putzig pointierten Bläser in „Art Deco“.

In den meisten ihrer Lieder badet die New Yorkerin auch musikalisch in Melancholie: Mal knistert’s im Hintergrund wie eine alte Vinyl-Platte, mal kriechen dunkle Synthies in die Songs wie im Soundtrack eines Films, in dem alle sterben, mal liegen die Stücke auf Orchesterarrangements wie Leichen auf Sarg samt: Stets bleibt’s dunkelgrau bis blau und selbst, wenn das Tempo einmal anzieht wie in der zweiten Hälfte von „24“, höchst dramatisch. Als letzten Track singt Del Rey schließlich eine Coverversion, nach „The Other Woman“ auf ULTRAVIOLENCE nimmt sie sich zum zweiten Mal eine Nummer vor, die durch Nina Simone bekannt wurde: Ihr „Don’t Let Me Be Misunderstood“ operiert mit großem Orchester, im Mittelpunkt steht aber ihre Stimme, die diesem schwierigen Song absolut gewachsen ist und der man, das ist wichtiger, jedes Wort abnimmt. Ein völlig schlüssiger Abschluss einer sehr guten Platte.

(musikexpress)

In blending elements of drummer Roger L. Lewis’s love of classic rock, multi-instrumentalist Ryan Fox’s chaotic approach to melody, Stefanie Drootin-Senseney’s propulsive, tuneful bass parts and colorful vocal arrangements, and Kasher’s deft, complementary song writing, the band sparked a vibrant evolution in sound.

Ein bisschen wirkt „Everybody’s Coming Down“, als habe sich Mastermind Kasher in seinen diversen Projekten verzettelt und haue jetzt einfach mal alles unter der Überschrift THE GOOD LIFE raus. Alle seine Fans wird er damit wohl eher nicht erreichen, insgesamt macht die Platte auf diese Weise auch einfach einen zu konfusen und unausgereiften Eindruck. 

This is a simple album about things so complicated that it’s almost impossible to put them into words. It’s about those thoughts and feelings that we all experience but never admit, the things that we, be it through etiquette and embarrassment and fear, dare not confess to others or even ourselves. Bones You Have Thrown Me and Blood I’ve Spilled is an album about people: lonely and loved, corporeal and divine, mortal and terrified yet enduring with a resilient hope that never quite goes out.

(wake the deaf)

bones you have thrown me and blood i’ve spilled is a record born out of heartbreak and loss; the former from failed relationships and betrayals, the latter reflecting the loss of her son only a week after birth. The music is appropriately poignant and devastating, but the title of the record also reveals how these things affect us physically as well as emotionally, whether it’s as simple as losing control of your tear-ducts during a song like “The Crow” or making you curl up in a ball, retiring to bed to make the shape of a claw under the sheets, or becoming ill from being unable to process the thoughts and feelings brought on by whatever life throws at you. 

(the line of best fit)