Opener 'The Day the Devil Slipped Away' is the perfect case in point, a tangled copse of delicate acoustic guitar, restless electric piano and burbling electronics. Unlike any other track on the record which is otherwise uniformly restrained, 'The Day the Devil Slipped Away' concludes in a cacophony of crashing cymbals and crunching guitars after a beautifully disquieting crescendo of brass, organ and dissonant synths.

The mellifluous fingerpicking and clicking percussion of 'Winter In a Strange Town' make it sprightly and stripped back in comparison, emanating, in spite of its title, autumnal images of bronzed foliage and low dappled sunlight, redolent of The Clientèle at their most rustic. Nonetheless, there is still a lingering menace in the spectral choral effects and relentless repetition of the songtitle. This is a trick that is played to maximum effect on 'We Will Be Here' repeated as if an occult incantation, accompanied by the simple ritualistic pound of tom and snare it's the one song where it feels like Bramwell is threatening devilish misdeeds rather than warning of them. The gorgeous 'Bluebirds' rounds off a decent first half, the stark beauty of the skeletal piano and spectral reverbed vocals is driven by a shuddering beat and buzzing synth line, pitching itself somewhere between the barest balladry of Antony Hegarty and the urgent momentum of Trent Reznor and Atticus Ross' soundtrack work, a nice hint of modernity for a group whose inspirations are steeped in the lore of the past.

Unfortunately, like an inexperienced huntsman in a dense forest, the second half of The Raven's Empire sees Oddfellow's Casino lose their way. The thrummed double-bass and truncated piano runs of 'The Crows and the Rooks' are sort of pleasant, but melodic shortcomings mean they fail to register any other effect. Despite the promising Chris Isaak-style slide-guitar of its intro, 'When the Comet Came' is rendered too drowsy by the lounge pacing and monotone vocals, which are made more nauseating by the autotune style effects. The attempt to liven things up with extra instrumentation towards the end only serves to overstuff the track. This is a fate also suffered by the plodding album closer 'Death Won’t Have Me', but in fairness it possesses a slightly more affecting air of melancholy.

(drownedinsound.com)

Ein locker aus der Hand geschüttelter Beat, schmeichelnde Streicher und ein verspielter Gitarrenlauf sind das Grundgerüst für den ganz besonderen Gesang von Meryem Kilic. Eine Stimme, die ihre Jazzwurzeln nicht verleugnet, aber auch naiv jugendlich tirilieren kann, als stünde da nicht die studierte Musikerin am Mikrofon sondern das Mädchen von nebenan.

Dieses Wechselspiel von Pop zu Folk zu Jazz zieht sich nicht nur in der Stimme durch die gesamte CD und macht es ehrlich gesagt gar nicht so einfach, das passende Klangbild für “Oh” in Worte zu fassen. Die ersten Songs verleiten dazu, sich auf eine entspannte und Lächeln hervorzaubernde Folk-Version britischer Prägung einzustellen.

Ausgerechnet ab “happy” wird es dann aber vertrackter, unbequemer, düster. Spätestens hier wird jedem klar, dass absolute Ausnahmekönner am Werk sind und “Oh” keine Nebenbei-Platte ist, sondern sehr viel Aufmerksamkeit verlangt:

“Oh” ist eben kein poppiger Neo-Folk, wie er zur Zeit an allen Ecken sprießt, sondern ein sehr poppiges, Jazzalbum mit den Stilmitteln des Folks. Ein Album, das mit drei Songs beginnt und sich dann zum konzeptionellen Gesamtkunstwerk auswächst, für das man die richtige Stimmung braucht und einen sehr schweren und sehr guten Rotwein. Der ideale Begleiter für einen Abend mit dem Fotoalbum.

(mittelstern.de)

Lockerbie singen konsequent auf isländisch. Troubadouhaft, naiv, zartfühlend, schlendernd wie ein Flaneur. Und sind zugleich zugänglich, lockend, einladend. In »Kjarr« brechen sie unvermittelt in einen gefühligen Walzer aus. Mit »Snjóljón« liefern sie ihr Gesellstück ab: Eine fragile Mitsing-Hymne der großen Geste. In Schönheit verglühen, mit nachdrücklicher Unterstüzung gefühliger Streicher. Lockerbie klingen wie ein indigoblauer Luftballon, der unter günstigen Wind an der Schnur in unserer Hand reißt und den wir endlich loslassen, damit er frei und triumphierend fliegt, bis zum Horizont und weiter.

(nordische-musik.de)

Und wieder gewinnen sie ganz schnell die Aufmerksamkeit des Hörers mit einfachen, twee-esken Sounds und der unglaublichen Stimme von Jessika, die Dir ganz schnell die Ohren wärmt. Akustische Gitarrenakkorde treffen auf hintergründige Pianopassagen, gutgelaunte Popmusik, warme und freundliche Klänge dieser Band aus Finnland.

Das kann man auch auflegen, wenn die Schwiegereltern zum Kaffeetrinken kommen oder wenn Freunde zu Gast sind, die sonst so gar nichts mit Deinem Musikgeschmack anfangen können.

(guthoerenistwichtig.wordpress.com)

The duo’s second album contains nine pop songs that don’t compete for the listener’s attention, but rather try to please secretly and separately. The arrangements seem natural, creating a sense of space. The brilliant and undeniably beautiful compositions move freely, like they had a mind of their own. However, without intense listening there’s a risk that, as beautiful as they are, they may not stand out in the crowd.

(wearehelsinki.fi)

The very name of the album gives a hint at what Memoryhouse are trying to achieve: the slideshow effect is a cinematic term used to describe the technique of giving movement to still images, by panning and zooming. This is dream-pop. This is memory-pop.

The album opens with a vocal repetition, an ahhhhh ahhhhh drawing us into ourselves, into the mind, before the music and lyrics become clearer memento motifs. The vocals are crisp and clear, intonated like poetry weaving webs of remembrance; strands linking with forgotten pasts through paths not often trodden. The paths that are opened up by Freudian dream motifs.

But, as Nouvion sings, it's not enough to live your past through old photographs. And Memoryhouse are intelligent enough to know that the past we remember is not necessarily the past that happened. They create music of the hinterlands and borders, the place between dream and reality, where a lush vocal and a jangling guitar pulses away at the cerebral cortex. Yet this is a voice and music with deep pop sensibilities. It is a sound reminiscent of Euro-Pop, tinged with the neo-psychedelia of Mazzy Star.

There are some beautiful songs on this album ('Walk With Me', 'Punctum', 'Heirloom' and 'Old Haunts' are stand outs) but the danger with this kind of dreamscape music is that too many songs can dull the senses, just as too much smell or taste removes the effect of memory aid. Memoryhouse manage to just keep enough interest and variety over the whole recording to make this a most enjoyable experience that is best taken in one go.

The Slideshow Effect isn't going to make you change the world, but it may just make you look deep into yourself and examine your past: and don't all great changes start from first changing yourself?

(louderthanwar.com)

Das Artwork zeigt typische Sommer-Motive wie Vögel, die im gelben Sonnenlicht auf einem Strommasten sitzen, oder die tiefstehende Sonne, die in einer Landstraßen-Kurve hinter einem einsamen Baum hervorstrahlt. Und die Musik setzt diese Bilder in Töne um. Mit sanften Klängen untermalen Mount Washington den angenehmen, relativ hohen Gesang und vermitteln dadurch Geborgenheit. Zusammengehalten werden die Stücke im Hintergrund von vergleichsweise schnellen, pluckernden Schlagzeugtakten oder elektronischen Beats sowie im Vordergrund von einer einzelnen Lead-Gitarre, die unaufdringlich und minimalistisch einige Lücken füllt.

Mount Washington halten sich tunlichst fern vom Mitklatsch-Brit-Pop-Offbeat und versinken gleichzeitig nicht in konturlosen Sound-Wogen. Damit haben sie ein Sommeralbum geschrieben, das zwar leichtfüßig, aber eben nicht beliebig klingt. Und zudem kommt ihnen zu Gute, dass sie ihr Album im Winter veröffentlicht haben. Denn im Sommer, wenn ohnehin alles warm und lichtdurchflutet ist, wirken warme Songs ja nicht wie etwas Besonderes. Im Winter hingegen können solche Songs die eingefrorenen Finger wieder aufwärmen.

(whiskey-soda.de)

"Elektronik" bedeutet bei Mount Washington zunächst einmal weniger feingliedrige und knuffige Indietronica, sondern vielmehr klapprige Drummachine-Beats und das ungestüme Surren und Rauschen altertümlicher Synthesizer. Diese brechen die kühle Melancholie der Band auf wie Sonnenstrahlen die winterliche Eiseskälte und eröffnen so zahlreiche neue Möglichkeiten, die zum elegant-träumerischen Songwriting und allen voran Rune Simonsens immer noch jugendlich romantischem Gesang in herrlichem Kontrast stehen. Manchmal wirkt es regelrecht grobschlächtig, wenn kühl-minimalistische Beats die Songs hier wie ungewollte Stromschläge durchzucken und übersteuert wirkende Synths dem Album einen fast schon noisigen Touch verleihen. Gleichzeitig sind es genau diese Elemente, die „Mount Washington" immer unter Spannung stehen lassen und der Band ein bisher ungeahntes Bisschen Wahnsinn angedeihen lassen, das ihr gut zu Gesicht steht.

(auftouren.de)

HUMAN TETRIS aus Moskau haben sich nach der gleichnamigen legendären Gameshow aus Japan benannt und spielen eine einzigartige Mischung aus Post-Punk, New Wave und Shoegaze, die oft an Joy Division erinnert: "Love will tear us apart"... Nach begeisterten Rezensionen in Russland, schwappt ihr Ruf langsam, aber gewaltig auch zu uns und das "Dazed & Confused"-Magazin bezeichnete die Band gar als "Epische Post-Punk Band" schlechthin.

(sublime-music.blogspot.com)

Über neun Minuten dauert der Opener: "Chocolate" kommt mit seinen gespenstisch gesprochenen Wortkaskaden wie ein verschütteter The-Notwist-Song daher, der Syd Barrett als Geschichtenerzähler sampelt. Der Opener gibt die Richtung vor - elegant, flächig und sehr atmosphärisch ist das hier. Ganz egal, ob "Show me everything" an Nick Cave erinnert, "This fire of autumn" an die späten Blur und "Medicine" an die verstörenden Devastations: Alles fließt zusammen, jede Note gehört an den ihr zugedachten Platz. So homogen und voller Selbstvertrauen haben Tindersticks schon seit ein paar Alben nicht mehr geklungen.

Es gab mehr als zwanzig Songideen, mit denen die Band ins Studio ging, neun davon haben es auf "The something rain" geschafft. Mit gewissenhafter Detailarbeit reichern sie diese verbliebenen Nummern mit essentiellen Feinheiten an: Saxophone werden gesampelt, gespenstische Keyboardflächen wachsen empor, orchestrale Experimente machen die Runde. Eine Frauenstimme mäandert körperlos zwischen den Lautsprechern umher, und Staples gibt den gebrochenen Gentleman. So viel Stil haben sonst nur alte Männer, die maßgeschneiderte Anzüge und passende Hüte tragen.

Dieses Album zieht einen ganz nach unten, dorthin, wo man eigentlich nicht mehr hin will: in die Abgründe der eigenen Laune. Ist man dort allerdings erst einmal angekommen, macht man es sich gerne gemütlich. Die 50 Minuten dieses Albums sind passgenau auf die zynischen Momente abgestimmt, auf die Situationen, in denen man sich im Selbstmitleid suhlt, man lauthals schreien will, aber keine Stimme findet. Für genau diese Momente haben die Tindersticks dieses Album geschrieben. Mit "The something rain" schmerzt das Leben erst so richtig. So soll es sein.

(plattentests.de)

"Sidewalk safari" etwa ist in der Tat ein perfekte Opener, der über einem treibenden Beat kurze, aber eindrucksvolle Blicke in all die Regionen wirft, die es in den folgenden Minuten zu erkunden gilt. "Take it out on me" schraubt ein Ohrwurm-Keyboardpattern hinter eine unwiderstehliche Hook. Und so sanft wie Caroline Polachek in "Cool as a fire" "Nothing ever lasts forever" ins Mikro haucht, vergeht jede Trauer über die beschriebene Vergänglichkeit schnell. Wenn's irgendwo schmerzt, helfen im Zweifel wieder gefrorene Erdbeeren. Süß und kühl.

(plattentests.de)

(...) the likes of the Talk Talk-tinged bell-clanging 'Wrong Opinion', a glorious intersection between Beach House and Telepathe is allowed to fly free. The album's been produced by Hot Chip and La Roux man Dan Carey and shares a light and clarity and melody with those bands' best moments. 'I Belong In Your Arms' is one of the best choruses heard so far this year, a giddy, pop-Cure-meet-the Blue Nile in heaven headrush of happy heartsickness. And where on 'Does You Inspire You' Polachek's fur coat of a voice sometimes seemed over-affected or sidelined, on the likes of the heady, p ained 'TakeIt Out On Me' and the small-hours sorrow of 'Cool As A Fire' it takes control, strong and beautiful.

Only 'Amanaemonoeasia' leans a little bit too much towards their old wackiness, but it's still a fine enough, edgy romp of a thing. 'Something' is an unexpected triumph, then, and proof that whatever doesn't kill hipster synthpop bands makes them stronger. Best of all, no ex-boyfriends or snarky critics had to be harmed in the making of this record. Hang on... did you hear an engine revving just then?

(thequietus.com)

(...) das dänische Sextett huldigt einem experimentalen Folkpop-Stil, der eher was für anspruchsvolle Genusssüchte bietet. Denn dem Übergang von mehrstimmigem Chorgesang im Opener ‘Down From Here’ zum Kontrastprogramm im nächsten Song muss man schon aufmerksam folgen, um sich zu vergewissern, dass man immer noch demselben Album lauscht.

‘Alaska’ lebt vom Aufeinanderprallen eines fast gehauchten Frauengesangs mit einem krachenden Stadionrhythmus und verzerrten Feedbackgitarren, die im ersten Moment ein wenig an WU LYF anklingen. Überraschend schmiegen sich dann in ‘Into Pieces’ wieder leisere Popklänge an eine Klaviermelodie im Loop und nach einem instrumentalen ‘Statement’ als Interlude-Track ist man schon in der Mitte von Ask Me This gelandet. Und spätestens im traurig-schönen ‘I’m not Evil’, in welchem abermals eine andere, aber ähnliche Klavierspur den Leitfaden bildet, hat die schiere Komplexität und Fülle des Arrangements (ich habe Bläser und Akkordeon noch nicht erwähnt) bewiesen, dass ALCOHOLIC FAITH MISSION mit ziemlich klarem Köpfchen bei der Sache sind. (...)

Betörende Klangreife, Ideenfreudigkeit im Stilmix und eine ausgefeilte Komposition sind die Zutaten des 35-minütigen Cocktails. Die zweite Hälfte beginnt mit ‘Running With Insanity’ – eine treibende und traditionell anmutende Hymne, die aber ohne jeglichen Schunkelcharakter oder Verbrüderungsmythos auskommt. Das Titelstück ‘Ask Me This’ mit seinem schmerzerfüllten Gesangs-Klavier-Duett könnte in labilen Momenten sicherlich zu Tränen reizen. Deshalb liefert ‘Reconstruct My Love’ nachfolgend das aufmunternde Gegenstück mit leicht sentimentaler 80ies-Note. ‘We Need Fear’ und ‘Throw Us To The Wolves’ geben einen leichten, eingängigen Abschluss, der zu später Stunde sicherlich zum Tanzen und Mitsingen anregt.

(popmonitor.de)

The resulting album, particularly gems such as ‘Hung to Dry’ and ‘Pray to be Free’, strikes an effortless balance between pop melodies, country swagger, boy-girl twee, lush string arrangements, and a pair of the most striking and flawless voices you’re likely to hear harmonising all year.

Allison Pierce is such a constant and welcome fixture throughout the album that it seems almost an injustice that she doesn’t get equal billing in the band name. Levy’s baritone is a deep, melancholic dirge, and Pierce’s syrupy-sweet tones provide a welcome foil to the solemnity, giving Levy a little slap of pep whenever he becomes too introspective.

There are few surprises in the course of the album’s 35 minute run-time. A lovely exception is the brass and atmospheric layered vocals of ‘Keep My Baby’ which sounds almost like a countrified version of Blonde Redhead or School of Seven Bells. The novelty wears off slightly in the second half, the pace dropping substantially with Pierce taking a back seat; and the bland keyboards and slow, repetitive chorus of ‘Positively East Broadway’ bring the momentum of the album to something of a halt.

(thelineofbestfit.com)

Wrapped in velvet strings, suave horns and all-round lush deportation, Pray to Be Free adopts the Serge Gainsbourg’n’Brigitte Bardot/Jane Birkin and Lee Hazlewood’n’Nancy Sinatra/Ann-Margret models, by turns dark, playful, smouldering and joyful. Life’s all about death, relationships and the death of relationships, it seems; but hey, let’s have a laugh too.

Despite its clear 50s and 60s homage, Pray to Be Free’s spirit is never pastiche. Perhaps Pierce’s solo credit, Cry Myself to Sleep, most resembles a period piece, but who else is crossing Patsy Cline with Petula Clark? Levy’s songs mine a stylistic hotchpotch, some genre-specific (Painted Red’s country waltz) but Positively East Broadway, say, is mid-way between swagger and world-weary lament. If there is an overall mood, imagine a slightly sozzled, mischievous Leonard Cohen on the front porch having discovered the joys of country music.

The album’s sterling finale is Precious Age of 13 , half-sung in Hebrew (borrowed from Levy’s bar mitzvah) as a purposeful Gainsbourg homage (“but I couldn’t sing in French, so I sing in Hebrew instead!” he admits). Yet it serves as the album’s spiritual curtain-raiser, with the newly teenage James anticipating life as a man – lust, loneliness, pain, and repeat. Pray all you want, boy, but love will never set you free.

(bbc.co.uk)

At first, Young And Old seems as pretty-but-plain as Cape Dory but eventually you start to appreciate the little tricks that Tennis play, which turn their jangly rock and pop standards into something far more seductive. We’re talking about the rising and falling piano pattern that gives ‘Take Me To Heaven’ its tender air of grandeur; the surf-rock riffery of ‘Robin’ that could have soundtracked a sketch on ZZZap!; the cosy backing vocals that cushion Moore’s yelping and yearning on ‘Origins’. These are what turn simple songs into smart songs.

‘Origins’ in particular really turns the Tennis sound on its head. Its staccato piano and bunny-hop bass inject a bit of funk while a frothy guitar adds a flash of colour. Throw in Moore’s vocal, which starts off languid and slowly becomes disarmingly heartfelt (even slightly unhinged) and you’ve got a song that feels more like Motown than My Maudlin Career, and is all the better for it. ‘Petition’ is even more marvellous, bringing the same understated R‘n’B vibe bang up to date as lyrics are almost rapped and embellished with Alicia Keys-like warbles.

(drownedinsound.com)

Alles, so Godin, wurde diesmal live eingespielt. Pauken, ein geradliniger Rock-Beat, spärlich gesetzte triolische Fills und ein Shaker etablieren zu Beginn den entspannten Groove des "Astronomic Club", den Bläserhits oder ein Gitarrenlick anreichern. Im letzten Drittel des Tracks bauen Cello, gezupfte Gitarre und weitere Synthiesounds einen melodisch verheißungsvollen Schönklang auf.

Der mündet in "Seven Stars", das mit bassiger Percussion und tiefen Klavierakkorden die Schlagzahl erhöht. In der Mitte holt der Song kurz Luft, um nach dem Startcountdown mit Victoria Legrands Vocals und einer Daft Punk-Gitarre abzuheben.

Rhythmisch ebenfalls bassig marschiert "Parade" - die Nummer könnte sich, ähnlich wie "Sonic Armada", auf einem der "Ocean"-Soundtracks befinden. "Moon Fever" klingt im Anschluss exakt so, wie es der Titel verspricht: sanft und meditativ instrumentiert. Au Revoir Simone haucht noch geheimnisvoll "Who Am I Now?", bevor als drittes Lied mit Lyrics der "Cosmic Trip" dahin pluckert.

Der Stummfilm, für den Air letztlich doppelt so lange Musik produzierten, wie er dauert, liegt der Special Edition bei. "Le Voyage Dans La Lune" tönt durchweg schön analog und ist einer guten Filmstory gleich spannungsreich arrangiert, mal mit überraschenden, ruhigen oder auch gefährlichen Hörmomenten.

In Cannes feierte die restaurierte Fassung samt neuem Soundtrack 2011 Premiere - Méliès wäre 150 Jahre alt geworden. Aber auch ohne bewegte Bilder vor der Nase lässt sich mit der Platte das Kopfkino einschalten.

(laut.de)

Jangly, dramatic, and frickin' amazing, Over The Bluffs is the best record from 1986 recorded in 2012 that you will hear this year. With sweeping vocals soaring to the heavens, jangly guitars lilting across songs with a bit of depression, and melodies so memorable you'll swear you've heard every one of these songs before this album is a seven song blast of indie pop the way it was meant to be played.

The sheer moodiness of the songs, the potential for collapsing and crying, the dreamy guitars and vocals all add up to one awesome little record. There simply is not one bad song here and the songs are so well written and so well sung and played that it's hard to find fault with anything. It's just not possible. While undoubtedly The Holiday Crowd would like to be recognized for their own merits, it's going to be impossible to ignore the Smiths-like similarities between the two bands. My suggestion is embrace it and run with it. Hell, the band should buy some gladiolas and put them in their back pockets when the play live.

(popstereo.blogspot.com)

Lie back, you're about to take a holiday. With style, wit and mellifluousness, The Holiday Crowd give proper nods to the once hallowed rock'n'roll ideals of cool aesthetic and jangly melodies. (...)

Self described as minimal and stripped-down, The Holiday Crowd's sound and lyrics arise from all manner of experience- summer afternoon camaraderie's, introspective reveries and a few shapely 'inspirations' along the way. From their haircuts to their shoes and with a nonchalant but forceful attitude, the band truly 'send' the listener to that place in the sun.

(shelflife.com)