01. Elbow - The Take Off And Landing Of Everything (8,583)























02. King Creosote - From Scotland With Love (8,167)























03. Hundreds - Aftermath (8,167)























04. alt-J - This Is All Yours (8,125)























05. Jordan Klassen - Repentance (8,000)























06. Damien Rice - My Favourite Faded Fantasy (8,000)























07. Wooden Arms - Tide (8,000)























08. The Notwist - Close To The Glass (7,875)























09. The Twilight Sad - Nobody Wants To Be Here And Nobody Wants To Leave (7,875)























10. The Foreign Resort - New Frontiers (7,833)























11. Ceremony - Distance (7,833)























12. Spaceman Spiff - Endlich nichts (7,821)























13. Honig - It's Not A Hummingbird, It's Your Father's Ghost (7,800)























14. The Echo Friendly - Echo Panic (7,750)























15. Alcest - Shelter (7,700)























16. Fear Of Men - Loom (7,700)























17. Morrissey - World Peace Is None Of Your Business (7,667)























18. Tom Hickox - War, Peace And Diplomacy (7,667)























19. Desperate Journalist - Desperate Journalist (7,667)























19. Tori Amos - Unrepentant Geraldines (7,667)

Dass mal eine (ehemalige?) Black Metal-Band aus Frankreich mein Album des Jahres stellen würde, hätte ich vor ein paar Monaten auch noch nicht gedacht. Aber Shelter ist mit Abstand das beste Shoegaze-Album seit langer Zeit. Auf den Plätzen folgen kitschiger Synth-Pop und zurückgenommene Elektronik, sowie genreübergreifende Filmmusik und Weilheimer Indietronic.



1. Alcest - Shelter
2. Electric Youth - Innerworld
3. The Acid - Liminal
4. Archive - Axiom
5. The Notwist - Close To The Glass
6. Jordan Klassen - Repentance
7. Wooden Arms - Tide
8. Musée Mecanique - From Shores Of Sleep
9. Elbow - The Take Off And Landing Of Everything
10. Owen Pallett - In Conflict

11. Mogwai - Music Industry 3. Fitness Industry 1. EP
12. The Twilight Sad - Nobody Wants To Be Here & Nobody Wants To Leave
13. Desperate Journalist - Desperate Journalist
14. Mode Moderne - Occult Delight
15. Interpol - El Pintor
16. Andrea Schröder - Where The Wild Oceans End
17. Otto A Totland – Pinô
18. Swans – To Be Kind
19. The Foreign Resort - New Frontiers
20. Caribou – Our Love

21. Cloud Boat - Model Of You
22. Pixies - Indie Cindy
23. The Rural Alberta Advantage - Mended With Gold
24. The Pains Of Being Pure At Heart - Days Of Abandon
25. alt-J - This Is All Yours
26. Einar Stray Orchestra - Politricks
27. Sharon Van Etten - Are We There
28. Honig - It's Not A Hummingbird, It's Your Father's Ghost
29. Morrissey - World Peace Is None Of Your Business
30. The Raveonettes - Pe'ahi


Anhören kann man sich einzelne Songs daraus hier:

Golden Circle 2014/ Part 1/ Albums from olly_golightly on 8tracks Radio.

Und wer sich darüber hinaus noch für meine Lieblingssongs des Jahres interessiert - voilà:

Golden Circle 2014/ Part 2/ Songs from olly_golightly on 8tracks Radio.

Für mich stach dieses Jahr kein Album richtig deutlich hervor, so dass die ersten fünf Plätze auch in anderer Reihenfolge hier hätten stehen können. Je nachdem welche dieser Platten gerade lief, war ich mir sicher das beste Album des Jahres gehört zu haben. Also, das sind meine 30 Lieblingsalben 2014:





















01. King Creosote - From Scotland With Love
02. Hello Saferide - The Fox, The Hunter And Hello Saferide
03. The Notwist - Close To The Glass
04. Tom Hickox - War, Peace And Diplomacy
05. Elbow - The Take Off And Landing Of Everything
06. Hundreds - Aftermath
07. Pete Fij & Terry Bickers - Broken Heart Surgery
08. Low Roar - O
09. Jordan Klassen - Repentance
10. You Walk Through Walls - You Walk Through Walls

11. Morrissey - World Peace Is None Of Your Business
12. Solander - Monochrome Memories
13. Fear Of Men - Loom
14. Alt-J - This Is All Yours
15. Spaceman Spiff - Endlich nichts
16. Jonah's Onelinedrawing - You And Me Are Two
17. The Raveonettes - Pe'ahi
18. Honig - It's Not A Hummingbird, It's Your Father's Ghost
19. Damien Rice - My Favourite Faded Fantasy
20. The Hidden Cameras - Age

21. Dillon - The Unknown
22. SixToes - The Morning After
23. Maximo Park - Too Much Information
24. The Pains Of Being Pure At Heart - Days Of Abandon
25. Wooden Arms - Tide
26. Baxter Dury - It's A Pleasure
27. Musée Mécanique - From Shores Of Sleep
28. The Do - Shake Shook Shaken
29. Math And Physics Club - Our Hearts Beat Out Loud
30. Letting Up Despite Great Faults - Neon

Soviele Richter, soviele Meinungen. Hier meine Sicht auf das Musikjahr 2014.

1. The Twilight Sad - Nobody wants to be here and nobody wants to leave; die Schotten veröffentlichten 2014 ihr bislang stärkstes Album und für mich das Album des Jahres 2014.
2. Wild Beasts - Present tense; es begann zufällig, aber "Present tense" wurde das von mir meistgehörte Album 2014. Und es erfreut mich weiterhin bei jedem Durchlauf. Irgendwo fand ich "Art Pop" als Genre Bezeichnung. Passt.
3. Elbow - The take off and landing of everything; Elbow kämpfte sich langsam aber stetig and die Spitze. Es ist beeindruckend, welches hohe Niveau diese Band nun schon über Jahre hält.
4. Hidden Cameras - Age
5. TV On The Radio - Seeds
6. We Were Promised Jetpacks - Unravelling
7. ALT-J - This is all yours
8. St. Vincent - St. Vincent
9. The Afghan Whigs - Do the beast
10. Eels - The cautionary tales of Mark Oliver Everett
11. Tori Amos - Unrepentant geraldines
12. Caribou - Our love
13. My Brightest Diamond - This is my hand
14. Angus & Julia Stone - Angus & Julia Stine
15. Orenda Fink - Blue dream
16. Sharon Van Etten - Are we there
17. First Aid Kit - Stay gold
18. Interpol - El pintor
19. Honig - It's not a hummingbird, it's your father's ghost
20. Morrissey - World peace is none of your business
21. Notwist - Close to the glass
22. Shellac - Dude incredible
23. Asgeir - In the silence
24. Broken Bells - After the disco
25. William Fitzsimmons - Lions
26. Kaiser Chiefs - Education, education, education and war
27. Esben And The Witch - A new nature
28. Erland And The Carnival - Closing time
29. Luke Haines - New York in the 70'ies
30. Weeping Willows - The time has come

The War On Drugs haben hier nicht nur ein Album geschaffen, das den Hörer an frühere Momente erinnern lässt, wofür schon die beiden Vorgänger wie geschaffen waren. Nein, mit "Lost in the dream" lässt sich eine Zukunft vor Augen führen und noch kommende Augenblicke herbeisehnen, die man jetzt noch nicht kennt, aber an die man sich schon bald gern erinnern wird. Zumindest mit etwas Glück.

It’s no surprise that The War On Drugs’ indie distributor, Secretly Canadian, is part of the same label group as Jagjaguwar, home to Bon Iver. Like Justin Vernon before him, with ‘Lost In The Dream’ Adam Granduciel seems to be heading for things far bigger than anyone could ever have expected. This is one War On Drugs that might just succeed.

“An ocean in between the waves”:

If Fall Together Again has proven anything, it’s that Burrows is certainly capable of releasing a coherent yet simple album. It may lean heavily towards singer-songwriter territory at times, but the songs themselves have enough substance to make them memorable. Standout track Watch Me Fall Again stands out head and shoulders above the rest of the album, yet that doesn’t take away from the fact that the whole album is impressive.

Lamb klingen auch 20 Jahre nach ihrer Gründung noch immer erfrischend. Trip Hop mag zwar nicht mehr der neueste Schrei sein, doch Rhodes und Barlow ist es gelungen, mit ihrem sechsten Album an ihre besten Momente anzuknüpfen.

The masterful production of the record really brings the album into its own. It does exactly as it needs to do, creating enough atmosphere to get the message across, but without overdoing it. There is still ambition in the music, and evidently a clear vision of how they wanted this album to come across. It touches the heart, has a fire and makes you relax as Lamb transport you to a parallel universe where troubles evaporate.

Sicher hat Molvær mit "Switch" den Jazz nicht neu erfunden – diesen Job hatte er schon mit seinem Debüt "Khmer" abgehakt. Wie er aber bis heute seinen eigenen Kosmos beständig weiterentwickelt, ihm neue Farben beimischt und so den Stillstand partout negiert, ist bewundernswert. Das gilt auch für sein Spiel, das bei allem Lob über den brillanten Sound seiner Platten oft sträflich vernachlässigt wird. Molvær hat einen eigenen, unverkennbaren Ton, und seine Gabe, zielsicher träumersiche Melodien aus der Luft zu angeln, ist einzigartig. 

This move doesn’t quite see the self-styled “London's No.1 Pop Group” turn into “Cornwall’s No.1 Pop Group” but the Cornish milieu dominates proceedings. There’s even - gasp! - biting social commentary on The Ghost of the Fishing Fleet.

Did someone say concept album? How wrong they were. This is very much a Hit Parade album, so it’s songs about girls and being a bit of a loser in love. Old musical themes are revisited: Spector piano on From Paddington to Penzance, fist-pumpin’ punk pop on Treen Girl, pocketbook electropop on See You At The Seaside, gurlie dickweed indie on Zennor Mermaid.

So business as usual, then. Only instead of getting dumped in London’s leafy western suburbs, it will come as no surprise when our hero Julian Henry advises us that the “girl from Penzance/kicks me in the pants”.
(Did not Chart)

Cornish Pop Songs is a glorious collection of melodic, memorable guitar-based tunes which harks back to the sweet sha-la-la of the indie years but packs a 21st century production punch, all topped by Julian's eager schoolboy-like vocals. You'd never guess he's 55. (...)

Highlights include the quite beautiful Zennor Mermaid (a cousin to Blur's To The End) and the Undertones-like power pop of Treen Girl. It's the perfect summer soundtrack and a brilliant, cohesive album with or without the Cornish connection.
(West Briton)

Es ist ein lustvolles Stöbern und Stochern in akustischen Traditionen, ein halb intellektuelles, halb intuitives Arrangieren von kanonisierten Versatzstücken, die sauber aus dem historischen Kontext herausgearbeitet und neu interpretiert werden. Und genau in dieser übergreifenden Strategie offenbaren NERVOUS NELLIE ihre Klasse. Denn selbst wenn das Gesamtbild manchmal etwas verworren bleibt, gewährt “Where The Nightmare Gets In” einen flüchtigen Eindruck davon, wie gute Musik im noch ungefestigten neuen Jahrtausend klingen könnte – eklektisch, ekstatisch, elegant.

Am Ende hinterlässt “Where The Nightmare Gets In” einen harmonischen Eindruck. Die Band schafft Atmosphäre mit einem Hauch von Mystik. Dabei setzt man ganz auf Minimalismus, der hypnotisiert und fasziniert. Die Musikwelt wird von diesem Beben wohl noch sehr lange etwas spüren. “Where The Nightmare Gets In” erzeugt eine fesselnde Leere, in die man sich immer und immer wieder fallen lassen will – am besten in der U-Bahn, auf dem Weg zum nächsten Glühweinstand, während man sich zwischen den warmen Winterjacken versteckt und die Platte schluchzend ins Herz schließt.
(Terrorverlag)

(....) Besagter Bonus-Track ist “No Sound”, ein treibender Song mit semi-elektronischem Unterbau, der ein wenig an LCD Soundsystem erinnert, dabei aber die typisch schwedische Indie-Schule durchläuft – ein Kickstarter, der ebenso einen pulsierenden Abschluss zu einer hochgradig abwechslungsreichen Platte darstellt. Gleichzeitig wäre es aber auch schwer “Beacons” als Opener ‘abzusetzen’ mit dem feinsinnigen Wave-Rock-Sound, der in seiner nachdenklichen Grundstimmung ein wenig an Arcade Fire erinnert. Gerade Henrik Jonzons lakonische Darbietung in den Strophen rückt die Schweden ganz nahe an Kanada dran.
Und dann ist da noch der leicht kratzige, verwundbare weibliche Gesang in “You’re So Sad”. Der relativ typisch skandinavische Folk-Popper wird aber nicht von irgendeinem lokalen Stimmchen unterstützt, sondern vom exzentrischen britischen Soul-Wunder Paloma Faith – eine Überraschung, denn so fragil und zurückhaltend kennt man die Dame mit dem extravaganten Modegeschmack gar nicht. Im Alleingang punkten Nervous Nellie aber ebenso. Das schwerfällige “Gloves” mit seinem Zuckerguss-Überzug, das stoische “The Violence” mit Rock-Dynamik und das zittrige “Skeletons” zählen zu den weiteren Highlights.
(beatblogger)

Die Aufgabenverteilung war bisher also klar: Caribou, das Einmann-Studio- und Band-Live-Projekt für elektronisch infizierte (weitgehend vokale) Musik, die für den Publikums-Crossover gemacht war; Daphni, das Einmannprojekt mit elektronischer (weitgehend instrumentaler) Musik für den Club-Kontext. Das vierte Caribou-Album, OUR LOVE, nun bestätigt den Anfangsverdacht, den die Schon-lange-vorab-Single, der Soundcloud-Wundertrack „Can’t Do Without You“ (bei Redaktionsschluss mehr als 1,3 Millionen Mal gespielt), angedeutet hatte: Die Caribou- und Daphni-Musiken nähern sich an, finden zuei-nander, die Grenzen verschwimmen, die beiden Alter Egos morphen zusammen zu einem musikalischen Charakter.

Das Endprodukt dieser Metamorphose könnte unter Umständen bei den Menschen, die in der Indie-Disco zu Songs wie „Odessa“ und „Bowls“ verzückt ihre Körper bewegt haben, für leichte Verwirrung sorgen. OUR LOVE ist Musik, die sich vom Indie-Rock entfernt, eine Art Hyper-House, dessen Alleinstellungsmerkmale sich der begnadeten Hand Dan Snaiths verdanken: perlende Analog-Synths, verhaltene Basslines, hiphoppige Beats, Gesangssamples von alten Soul-Platten, die Snaith wer weiß wo aufgetrieben hat, Minimalismus mit funky, souly Vibes, kurze Streichersätze, von Snaith-Freund Owen Pallett arrangiert, Bezüge auf den zeitgenössischen Electronic-Soul, Richtungs- und Stimmungswechsel zur rechten Zeit. Und dieses Gespür für poppige, melancholische Melodien, die wahrscheinlich dafür verantwortlich sind, dass die Caribou-Musik auch außerhalb der Club-, House- und Elektronik-Zirkel gemocht wird.

Man hört dieses Album wie eine perfekte Pop-Platte wieder und wieder. Und es ist eine Pop-Platte – die beste, die man derzeit finden kann. Dazwischen immer wieder dieser elegische, von Effekten verfremdete Falsett-Gesang. Die recht clubbige erste Single „Can’t Do Without You“ deutete es an: Dieses vierte Caribou-Album ist eine schwelgerische Angelegenheit. Tendenziell melancholisch zwar, doch ist es fast unfassbar, wie sehr diese Stücke die Welt umarmen wollen. Shoegaze-Haltung und die Endorphine im Überschwang – hier schließt sich das nicht aus. Für einen Aha-Moment sorgt vor allem der Titeltrack „Our Love“, der plötzlich in eine Bassline mündet, die an die frühen LFO erinnert, dann scheint es so, als entfache Kevin Saunderson mit seinem Inner City-Synthesizer pure Ekstase, bis einem gewahr wird: Hier spielt Owen Pallett, der auch auf einigen anderen Tracks mitwirkt, sein Cello. Der wunderbarste stille Moment ist der beatlose R&B-Song „Second Chance“, gesungen von Jessy Lanza, die sich in Aaliyah-Manier von Synthesizer-Arpeggios begleitet eine zweite Chance herbeiwünscht. Ganz, ganz groß. Oh ja, Our Love ist mehr als nur ein würdiger Nachfolger von Swim.
(Groove)

The music is still fed through the framework of 80’s rock, but is decisively modern and of the time. Ladder is paced at the forefront, his baritone as intoxicating as ever and his dry gallows humour traced across his incisive lyrics. His crack team execute this vision masterfully. There isn’t a scarce trace of ego in these songs. Every buzzsaw guitar solo, drop of feedback, keyboard line and production trip serving the atmosphere the song demands. Whether it’s the morose loss of "Come On Back This Way", the sinister moping horror trickling through "Neon Blue", the nod to flat out metal aggression of "Reputation Amputation" or the old world romanticism at the heart of "To Keep and Be Kept".
Playmates is the strongest record Jack Ladder has written yet. It’s a record that looks deep into human nature and desires and throws them back at you, with a neat glass of whiskey and a knowing nod. Its achieved using tools of a traditional rock band, with the end product both of our time and timeless.
(The AU Review)

True to the Gary Numan mould of pop music there is little room for virtuosity, every guitar or xylophone melody feels perfectly calculated and placed, the simple but effective nature of the melodic lines rendering some of the songs a classic anthemic quality, which is at the same time understated.

This backdrop allows Jack Ladder the space to match his heartbeat to the drum machine, bringing all the passion and life to the songs as he pleads, purrs and croons his way through these ten remarkable tracks.

One of the things that sets Ladder apart from his contemporaries is his lyrics. Slow Boat to China opens with the image “I watch the whale ride the wake / throwing fountains at the sun,” while on what should be the next single To Keep and to Be Kept, a wry sense of humour shows through the deadpan – “and me, I’ve always been a country of one / since we met, border control’s all come undone.”

Reputation Amputation adds diversity to the album’s sound by showing Ladder’s rock'n’roll leanings, his howls adding credence to all those Nick Cave comparisons while an incredibly distorted guitar and almost dance-like beat brings to mind Marilyn Manson’s The Beautiful People.

The delicate Let Me Love You is a standout track and a gloriously understated love song, with Ladder’s vocals mixed to the front, the acoustic instrumentation sounding crisp and natural, not a synth to be found.

If you are not a fan of 1980s pop or are sick of bands with synthesisers and snare reverb – don’t be fooled. This is not a genre record, but a clever and rewarding album that should be making all the Best Australian Releases lists for 2014 in a few months. Highly recommended if you like: music.
(Beat)

So ist "Do To The Beast" die bisherige Krönung des ohnehin hochwertigen Schaffens der Whigs.

Throughout the album, Dulli seems to be treating the band’s own career in the same way he treats an old R&B record: as raw material for his current obsessions. As he nears 50, he’s able not only to play up the rough grain in his voice as he grasps for high notes on “Lost in the Woods”, but also to take in the breadth of his career to date. If his catalog is a car, he’s stripping it of its parts and refashioning something newer, more streetworthy. So Do to the Beast may not always sound like an Afghan Whigs album, but it operates like one, scavenging the darker corners of pop history to create something personal, vital, and urgent.