Es wäre leicht, Devaneys Gesang mit dem Pathos von Ian Curtis oder dem Nachbeben von David Sylvian zu vergleichen, aber das würde dem nicht gerecht. Denn hier singt jemand, der gelernt hat, seine Trauer zu formen, nicht zu verstecken.

Besonders deutlich wird das im Herzstück des Albums, „Now That You’re Gone“, das aus einer persönlichen Erfahrung rund um Krankheit und Verlust hervorging. Die Emotionalität ist nicht inszeniert, sie liegt offen da, verletzlich, ungeschützt.

Produzent Nick Millhiser (LCD Soundsystem, Holy Ghost!) beweist einmal mehr ein feines Gespür dafür, wie viel Raum Traurigkeit eigentlich braucht. Statt bloßer Retro-Glätte wirkt das Album wie ein aufrichtiger Versuch, elektronischer Musik neues Leben einzuhauchen, durchzogen von genau der richtigen Dosis Shoegaze-Schwärze.

Sehr eindrucksvoll gelingt das auf „I’m Not Ready for the Change“, das mit zersplitterten Beats und flirrenden Synths die Unaufhaltsamkeit des Wandels vertont.

Wer hier auf Synthpop der seichten Sorte hofft, wird überrascht sein: „Dance Called Memory“ ist ein intimes, atmosphärisch dichtes Werk, das Verletzlichkeit nicht kaschiert, sondern kultiviert.

(MusikBlog)

Nichts ist falsch an diesem Album. Es gibt keinen einzigen schwachen Song, Rob Goodwin führt stilsicher durch die musikalischen Kleinode, das Zusammenspiel mit dem Mann am Piano funktioniert organisch und pointiert. Zwei Könner im musikalischen Gespräch. Bei jedem Hördurchgang allerdings bleibt ein unterschwelliger, aber durchaus penetranter Zweifel hängen: Kann es sein, dass die ganze Chose dann doch ein Stück unter den Möglichkeiten geblieben ist? Dass die emotionale Wucht von The Slow Show, wenngleich auch nie klanglich ausufernd und mehrheitlich im ausgebremsten Segment unterwegs, doch die bessere Welt im Goodwin-Universum darstellt? Während die bislang fünf Alben der Band ausnahmslos eine regelmäßige Sehnsucht nach einer Wiederentdeckung auslösen, könnte "Peekaboo" auf Dauer eher der schleichenden Vernachlässigung anheimfallen.

(Plattentests)

Und wie prächtig ist dieses ungewöhnliche Album geworden – gewiss eines der berührendsten, euphorisierendsten Singer-Songwriter-Werke des Jahres. Die 17 Lieder oszillieren zwischen reduziert-akustisch (GOT-JFK) und ausufernd-opulent (Wedding In Brooklyn), beziehen Bläser, Streicher und Chöre ein, streifen Piano-Pop, Soft-Rock, Blue-Eyed-Soul, Latin, Easy-Listening und Lounge-Music, Balladen-Folk, sogar House. Und Lekman singt mit seiner weichen Stimme so gut wie noch nie – oft begleitet von Matilda Sargren, deren soulige Vocals er entdeckte, als er mit einem Jugendorchester aus der Nachbarschaft spielte, in der er bei Göteborg aufgewachsen ist.

(Bedroomdisco)

Musikalisch hat das neue Album alles zu bieten, was auch auf dem Debüt schon zu finden war – insbesondere die verschiedenen Aspekte des Indie-Rock, mit dem Laura Lee selber aufgewachsen ist. Songwriterisch und kompositorisch indes werden neue Maßstäbe gesetzt. Indem Laura Lee etwa nach eigener Aussage das Songwriting ganz stark vom Rhythmus bzw. Schlagzeug her dachte, kommen in Songs wie „Body Options“ oder „Ordinary People“ unerbittliche Krautrock-Einflüsse zum Tragen. Die Idee – jedenfalls partiell – in Songs wie dem Opener „Grand Total Of Nothing“ oder eben „Unsolicited Advice“ mit Sprechgesängen (deutlich jenseits aller Hip-Hop-Ansätze) zu agieren, verleiht der Angelegenheit eine zuweilen geradezu hypnotische Note. Auf der anderen Seite sind dann ambitioniert komponierte Power-Pop Rausschmeißer wie der Titeltrack, Indie-Rocker wie „Zu viel“ oder Glam-Rocker wie „So Cool“ zu finden. Das abschließende „Heartbreak“ kommt gar im Gewand eines aufwändig arrangierten und metikulös strukturierten Retro-Pop-Songs mit 60s Flair daher.

(Gästeliste)

Auf den acht neuen Tracks tun Múm das, was sie besonders gut können, sie driften mühelos von einer Idee zur nächsten, scheinen sich zu zerfransen und kommen am Ende manchmal bei einem richtiggehenden Popsong an, einem melancholischen Herzerwärmer wie „Miss You Dance“ oder einer Etüde wie „Avignon“ (mit Piano und Streichern).

In „Our Love Is Distorting“ kommt dann auch Feedback zum Einsatz, in homöopathischen Dosen wohlgemerkt. Múm schaffen es, über die komplette HISTORY OF SILENCE eine Balance zu finden zwischen Kontemplation, Wohlklang und digitaler Verzerrung.

(musikexpress)

As before, there is a temptation to play spot the influences. NewDad, to their credit, have never been shy about their debt to the 1980s and 1990s, and Altar references the entire A-Z of late-20th-century alternative icons, from Cocteau Twins to Sisters of Mercy via The Cure and Pixies.

Crucially, though, NewDad bring something new – something Irish – to the formula. There is a keening mournfulness to Dawson’s voice that means at moments it’s like listening to Sinéad O’Connor fronting The Breeders. Stormy basslines push ever forward, tightly cranked with purpose, but Dawson sounds like the saddest person in the universe, and that juxtaposition between guitar abandonment and turbocharged ennui is hugely affecting. (…)

That isn’t to say Altar is a downer. At full throttle it re-creates the energy of a heaving indie disco: Heavyweight starts with a gauzy Sonic Youth riff; Pretty has the twitchy quality of jangling postpunk guitar; and a slamming Pixies energy ripples through the single Roobosh, with its descending riff and rising bass.

These highs and lows reach a thunderous crescendo on Something’s Broken, a stormy epic that suggests a Taylor Swift power ballad filtered through old-school indie angst. It is breathtakingly bittersweet, an autumnal chugger that confirms NewDad as alt pop’s irresistible new godfathers of glum.

(The Irish Times)

This band just keeps on expanding on their vast array of influences and it’s exactly the reason why they’ve been getting so much well-deserved praise. While Bleeds may not have the monstrous impact of Rat Saw God, it’s a truly glorious follow-up with just as many moments of brilliance. The inclusion of the indie folk and subtle crusty noise rock influences just further enhances what this band can do. At this point, they’ve released two classic albums in a row, and the crazy thing is, they’re still such a young band. Wednesday is truly special in the way that they can take genres that a lot of bands make boring and turn them into a sound that is truly unique, completely their own, and most importantly, engaging to listeners. Bleeds is yet another fantastic addition to a discography that just keeps getting better.

(Sputnik Music)

Double Infinity wagt sich musikalisch dagegen ins Offene. Die Songs arbeiten stark mit Wiederholungen und Riffs, als hätte man die Sessions im letzten Moment noch arrangiert. Das wirkt, als würde man an der warmen Westküste – mit oder ohne Substanzen – auf den Pazifik hinausschauen, in die endlose Weite, wo nach einer Weile weniger der ganze Kosmos erscheint als die eigenen Ängste und Wünsche. Die repetitive Form senkt den Puls, der Ozean ist die Leinwand. (…)

Auch die Songs selbst mäandern eher, als dass sie den strengen Formen von Country und Folk folgen. Dieser Flow ist nicht ganz neu für Big Thief, zeigt sich auf Double Infinity aber deutlicher denn je. Wie präzise die Band tatsächlich ist, und dass die Mitglieder auf der besten Musikschule der US, der Berklee in Boston, waren, hört man im langsamen No Fear. Im zerdehnten Tempo und im für einmal ungeraden Metrum hört man noch besser, wie gut sie aufeinander hören und gemeinsam in einem Raum spielen. 

Gegen Ende des Albums finden Big Thief musikalisch wieder heraus aus der schönen ozeanischen Verpeiltheit. Geradezu beschwingt wiederholt Lenker in Happy With You den Titel als Mantra über einen geschwinden Groove und nette Harmonien. 

(Zeit)