The result feels like an album that was concealed behind the backings of Bulat’s childhood photos—tracks like “My Angel,” where mystery and romance mingle over squelchy synths + drum-machine, with a soaring string arrangement by Drew Jurecka (Dua Lipa, Alvvays), or “Laughter”— which was mixed, like all tracks on the record, by legendary engineer Tucker Martine (Beth Orton, Neko Case, The National)— that takes a quiet domestic scene and sees it build to a deafening sublime. “Disco Polo” is a track Bulat’s been threatening to make forever—a folk-song named for a genre of trashy Polish dance music that was beloved of her father—whereas “Baby,” which took years to finish, makes an elegant dance number out of an oh-too-familiar predicament: “Baby, baby, baby,” Basia sings, “I don’t learn!” At some moments there are shades of Serge Gainsbourg and Brigitte Bardot’s “Bonnie and Clyde” or Charles Aznavour’s “Emmenez-Moi”; at others it’s the silicon-shiny sweetness of The Cardigans’ “Lovefool” or Air’s Moon Safari.

(Front View Magazine)

Aber nicht nur die Vergangenheit ist nicht so glorreich, wie es schien, vor allem die Gegenwart sieht nicht gut aus: Berlin ist auch nicht mehr das, was es mal war („Bye Bye Berlin“), Depression greift um sich („Niedrig“), und in der Zukunft warten nur der Tod und sogar der jüngste Tag, der „nur einen Wimpernschlag entfernt“ ist („Ein Rockstar stirbt zum zweiten Mal“). Doch: Wir sind hier nicht im Selbstmordkommando, Dirk!

Es gibt auch seltsam steifen Humor und Schüttelreime („Tanz“ auf „Romanz-e“ auf „Ambulanz“), die ein wenig Erleichterung verschaffen. Und es gibt den Song, der den Kopf musikalisch und inhaltlich nicht hängen lässt. „Denn sie wissen, was sie tun“ ist laut und kämpferisch und hat einen dermaßen überzeugenden Ton-Steine-Scherben-Vibe, dass man drei Minuten und 19 Sekunden doch tatsächlich glauben möchte, dass Küsse helfen gegen die, die „völlig selbstverständlich Fiesheit als Identität“ leben und „immer mehr“ werden. Die Hoffnung, dass uns vielleicht doch noch GOLDEN YEARS bevorstehen, stirbt also zuletzt.

(musikexpress)

Ernste Themen und Grübeleien auf dem Album einer Band, die dennoch gerne mit ihrem eigenen Humor kokettiert. Das schön rauschig-knisternde "Mein Unfreiwillig Asoziales Jahr" bringt mit seinem albernen Titel zumindest kurz Heiterkeit, auch wenn das lyrische Ich hier eher in Agonie erstarrt und sorgenvoll in die Zukunft blickt. Es sind kleine Mini-Dramen, die sich abspielen, so kämpft "Ein Rockstar Stirbt Zum Zweiten Mal" mit Bedeutungsverlust. "Es ist nur ein Wimpernschlag bis zum Jüngsten Tag": Die Hölle öffnet ihre Pforten, doch der Rockstar landet nur im Hospital. Ein überraschend harter Rocksong, besonders in Anbetracht der letzten Alben, die eine Transformation Richtung Pop durchliefen.

Weniger Arrangement, dafür kompromisslos nach vorne, das dürfte Fans der Hamburg Years durchaus gefallen. Eine Phase, in der Tocotronic ihren Idolen Dinosaur Jr. und Hardcore-Punk-Bands nacheiferten. Auch "Bye Bye Berlin", eine leicht sarkastische Anklage der Berliner Kahlschlag-Politik, flirtet wieder mehr mit dem Lo-Fi-Pastiche der frühen Tage. (…)

Es fühlt sich an, als ob Tocotronic mit "Golden Years" eine Trilogie über Leben, Tod und Unendlichkeit beenden. Eine Zeit, die uns allen viel Kraft, Mut und Hoffnung kostete, aber auch daran erinnerte, was Menschlichkeit bedeutet. So ist mit "Golden Years" vielleicht die Zeit gemeint, die wir miteinander und nicht mehr gegeneinander verbringen.

(laut)

Songs wie „Can’t Say No“ blicken erwachsener auf selbstzerstörerische Impulse. Statt unrefektiert in die Mitte des Geschehens zu tauchen. Heute gibt Murphy gute Ratschläge, nicht denselben Scheiß wie er selbst zu machen: „We do everything we can to create some noise / And we don‘t care if it‘s trash that fills the void.“

Ein 180-Grad-Wandel, aber logisch, wenn man mehr Zeit zum Nachdenken hat. Trotzdem bewahrt OH! THE OCEAN noch die jugendliche Spannung, die die Wombats erst so populär gemacht hat und zeichnet romantisierte Bilder vom jugendlichen Leichtsinn. Eine neue Ära für die Band aus Liverpool, die das Vergangene nicht verleugnet.

(musikexpress)

(…) das inzwischen Mittsechziger-Mädchen aus Chiswick ist immer noch fest in den 80er-Jahren verankert, singt gegen fiese Gitarren und Keyboard-Teppiche an – aber nennt in gleichem Maße unwiderstehliche Melodien ihr Eigen.

Ihr Überhit „Kids In America“ feiert eine Auferstehung in „Scorpio“, Sigue Sigue Sputnik wird in – ja, ausgerechnet – „Rocket To The Moon“ kopiert, und „Trail Of Destruction“ ist der Hit, den wir von Kylie erwartet hätten. Also: alles richtig gemacht.

(Rolling Stone)

Mit düsterem Post-Punk machte sich die Sängerin bereits einen Namen. Ihr wildwucherndes Albumdebüt ummantelt diesen noch mit einem diffusen, aber sehr stilsicheren Gothic-Pop – brillant produziert von Dan Carey. Zwischen nüchtern geschildertem Familien-Ungemach und lyrisch anspruchsvoll ausbuchstabierten Alltagskatastrophen findet Heartworms Musik auf einem Schlachtfeld statt. „Just To Ask A Dance“ beginnt wie eine Kriegserklärung, in „Warplane“ wird erbarmungslos der Abschuss eines Piloten geschildert. Eine Rundschau musikalisch zelebrierter Züchtigungen.

(Rolling Stone)

Gesanglich wandelbar von flötend bezirzend bei „Just To Ask A Dance“ über das beschwörende „Extraordinary“ hin zum storytellenden Titeltrack, erweist sich Heartworms als wortgewandte Künstlerin, deren Organ sich der Atmosphäre des Songs perfekt annimmt. So entführt das genannte „Just To Ask A Dance“ in selige 80er Jahre Synthiepop Zeiten, industrielle Beats treffen auf einen Poprhythmus, den sich Jojo Orme zum Untertan macht.

Nervös vollgepumpt, den Post-Punk zelebrierend, schleicht „Jacked“ durch Großstadtnächte, packt unbedarfte Nachtwandler am Kragen und schreit ihnen das Unbehagen ins Gesicht, rast mit mörderischer Geschwindigkeit über leere Straßen und meidet doch das immerwährende künstliche Licht der Nacht.

(MusikBlog)

Was in der römischen Zeit Pollice verso war ist heute das "Du hast / ihr habt Pop nicht verstanden" Urteil unseres Pop und Jazz-Richters. Unter diesen Vorzeichen ist es mutig von Sivert Høyem, sein neues Album "Dancing headlights" als "Pop" zu bezeichnen. 

Vor ziemlich genau einem Jahr erschien "On an island". Die Abgeschiedenheit des Aufnahmeortes konservierend, punktete es durch Intimität und verzichtete dabei auf die stimmungsvolle "Gewalt", welche das Vorgängeralbum "Lioness" und Madrugadas "Chimes at midnight" entfalteten. 

Für "Dancing in the headlights" nutzte Høyem seine bestens eingespielte Tourband, um acht Songs z. T. live einzuspielen. Das Ergebnis ist vielseitig und kurzweilig. Aber ist es poppig? Für Sivert Høyem und vor allem für seine Solo-Alben ist "Dancing headlights" ein vergleichsweise gefälliges und damit vielleicht sogar poppiges Album. Doch Høyems Tiefe und seine Baritonstimme sorgen für die Schwermut, die seine Fans lieben, obwohl es eher nach a-ha als nach Nick Cave klingt. Es handelt sich bereits um sein siebtes Soloalbum. Damit hat er mehr Platten unter seinem Namen veröffentlicht als mit Madrugada. Sollten sich die Fanlager unterscheiden, wird er mit "Dancing headlights" beiden gerecht. "Hurdle" ist für mich der Hit der Platte. 

Am 05. März wird Sivert Høyem im Rahmen seiner aktuellen Tour in Hamburg auftreten. 

"Love vs. The World":

"Dancing headlights":

Immer mit einer gewissen Melancholie, etwas Tragik und einer "Am Ende wird alles gut"-Zuversicht, die einem Musik eben manchmal vermitteln muss, wenn alles drumherum nicht nach solcher aussieht. Dafür ist Høyem da. Emotionalität in vielen Facetten. Sei es im eröffnenden, großformatigen Midtempo-Rock-Titelstück oder der ersten Single "Love vs. the world", versehen mit unverschämt eingängigen Melodiebögen. Es ist diese Schmissigkeit, die bereits "Majesty", "The kids are on high street" oder "Hands up, I love you" auszeichnete und hier mindestens gut reproduziert wird. Die Stärke von "Dancing headlights" liegt in der Abwechslung.

(Plattentests)

„Disappointment Machine“ von ARLISTON nimmt uns musikalisch ganz tief mit ins Tal der Tränen ausgelöst durch Trennung, Selbstzweifel und Einsamkeit. Wunderbar schmerzlich transportiert über die reduzierte, atmosphärische Musik und traurig-schön erzählt durch die nachdenkliche und melancholische Stimme von JACK RATCLIFFE. Das Album ist sicherlich keine Musik, um gute Laune zu bekommen, eher was für die nachdenklichen Momente des Lebens. ARLISTON kann man somit den selbsternannten Titel als ‚Sad Song Specialists‘ bescheinigen. Hoffen wir nur, dass die beiden Jungs sich bald auf andere musikalische Stimmungen ‚spezialisieren‘, für andauernde Trauer sind sie doch etwas jung.

(Musikreviews)