Neue Platten vorstellen, diskutieren und bewerten.

Dienstag, 2. September 2014

Got A Girl - I Love You But I Must Drive Off This Cliff Now
Dirk Dienstag, 2. September 2014 0 Kommentare

Die erste Vorladung (XIV)

Die Schauspielerin Mary Elizabeth Winstead (Scott Pilgrim vs. the World) hat es, wie u.a. ihre Kolleginnen Jennifer Lawrence und Kirsten Dunst, dieser Tage nicht leicht. Aber wir wollen hier nicht über ihre privaten Fotos sprechen, sondern über Got A Girl, die Band, die sie zusammen mit dem  Produzenten Dan 'The Automator' Nakamura (Kasabian, Miles Kane, Gorillaz) 2012 gegründet hat.

Die Wege von Mary Elizabeth Winstead und Daniel Nakamura kreuzten sich bei den Aufnahmen von "Event 2", dem Album von Deltron 3030, das Nakamura produzierte und auf dem Winstead zwei Songs sang und während der Dreharbeiten von "Scott Pilgrim vs. the World", an dessen Soundtrack Dan The Automator mitarbeitete. Winstead gestand Nakamura, dass sie ein Fan von ihm sei, Nakamura fragte Winstead, ob sie zusammen mit ihm Musik machen wolle. So schnell gründet man eine Band.
Erste musikalische Lebenszeichen von Got A Girl waren 2013 die Songs "You And Me (Board Mix)" und "I'm Down", die beide nicht auf dem Album vertreten sind.
"I Love You But I Must Drive Off This Cliff Now" sollte eigentlich bereits im Januar erscheinen, wurde dann aber auf den Sommer verschoben. Zunächst wurden im Juni und Juli die Singles "Did We Live Too Fast" und "There's A Revolution" veröffentlicht. Auf dem Albumtrack "Put Your Head Down" ist Mike Patton (Faith No More, Mr. Bungle) zu hören.   

Eine Drittel Lana del Rey, zwei Drittel 1960s French Pop (Françoise Hardy, Jane Birkin, Brigitte Bardot). Fertig ist der unaufgeregte, entspannte, mit jazzig-swingenden Einlagen und James Bond-Momenten versehene Lounge-Pop von "I Love You But I Must Drive Off This Cliff Now". Den Retro-Chic ihrer Platte setzen Winstead und Nakamura vom Plattencover bis hin zu den Videos konsequent um. Unglaublich, dass auf den Song "La La La" ein Lied namens "Da Da Da" folgt!

Together, the duo has created something that is elegant, moody, and nostalgic without dwelling too much on the past. Winstead’s sweetly aloof vocals paired with Nakamura’s sweeping and detailed instrumentals come together for a sound that’s cinematic and delightful.
The album opens with chiming bells on “Did We Live Too Fast,” a slinky, sultry song about trying to avoid reality by living through sweet fantasies. Though Winstead’s range does not seem impressive, it’s her vocal control that really garners attention – she can go from breathy to playful to seductive with minimal effort. On the production side, orchestral movements are anchored by Nakamura’s low-key hip hop rhythms. Deep bass beats keep the music from being overly sugary and superficial. On “Things Will Never Be the Same”, hand percussion add to the hollowness of the song with a thundering bass line that anchors Winstead’s whispered singing. “Friday Night” plays on rhythms and instrumentation with a bit more funk, echoing languid weekend disco jams. On “Put Your Head Down,” Winstead’s wistful singing reaches gorgeous heights, paired with a lush orchestral arrangement and a deep-voiced male duet that adds something a bit more sinister on the line Hush my darling, it’s time to dream. The album saunters on elegant heels, gaining momentum in the middle from the upbeat, breezy “There’s A Revolution,” and ending with a certain note of ennui on “Heavenly,” Winstead showing off a soft vibrato paired with wispy light vocals.

There are some nods to ABBA, strangely enough, on this disc: “Close to You” certainly has a very Swedish disco slither to it, and this might be the kind of thing you might have expected to hear at Studio 54 in its heyday. Sort of. Otherwise, though, I Love You But I Must Drive Off This Cliff Now captures the feel of a jazzy nightclub where you might wander through the building with a martini in hand. (As if the cover art wasn’t a hint enough.) Single and opening cut “Did We Live Too Fast” swirls with a feeling of the debonair: “Sipping my vodka tonic ... / I put on my makeup perfect but I let down my hair,” purrs Winstead. If it weren’t for the dancey overtones, you could imagine Nancy Sinatra putting her boots on to this.

“I’ll Never Hold You Back”, meanwhile, lazily rolls along with a trippy beat, and boasts the catchiest of catchy choruses. It drips sadness and melancholy without being overbearing. “Everywhere I Go” has swirling strings and an epic feel with a timpani bashing its way in the background. This is shaken, and not stirred. “There’s a Revolution”, on the other hand, is a handclappingly great tune, sort of the thing the Go! Team might have mined if they’d done some deep crate digging.

The album’s key strength is Winstead’s fine vocals. If you didn’t know who was singing, you might be convinced that the vocalist had a French background. Winstead successfully oozes passion and longing out her lyrics, and the result is rather stunning. If you’re familiar with Windstead’s movie roles, her vocals are going to surprise you.

Indizien und Beweismittel:

Nun sind die werten Richter gefragt...

Montag, 1. September 2014

Army Navy - The Wilderness Inside
Dirk Montag, 1. September 2014 0 Kommentare

Die erste Vorladung (XIII)

Aus Los Angeles stammt das Trio Army Navy, das aus Justin Kennedy (Gesang, Gitarre), Louie Schultz (Gitarre, Gesang) und Douglas Randall (Schlagzeug, Gesang) besteht.

Seit 2008 veröffentlichen Army Navy auf ihrem eigenen Label The Fever Zone Records Platten. "The Wilderness Inside" ist nach "Army Navy" (2008) und "The Last Place" (2011) Album Nummer drei. Bereits im letzten Jahr erschien mit "Crushed Like The Car" eine erste Single, der noch "World's End" und "The Mistakes" folgen sollten.

Zwischen melancholischem College Rock und packendem Power Pop bewegt sich die zehn Titel auf "The Wilderness Inside". Der Höhepunkt dürfte sicherlich die rockige Single "Crushed Like The Car" sein, die aus den meist sanften, melodiösen Midtempop-Songs herausragt. Davon hätte es gern mehr geben dürfen!
Freunde von Nada Surf, Fountains Of Wayne oder Teenage Fanclub sollten Army Navy trotz des doofen Bandnamens eine Chance geben.
Das unten zu hörende Cover von "Only You" (Yazoo) hat es leider nicht auf das Album, sondern nur auf die B-Seite der Single "World's End" geschafft.

The Wilderness Inside gets off to an understated start with “In Waves.” A bit moodier and darker in tone, it fits well within the tone of the album. Things pick up during the chorus but never quite grab you. The production is subdued as well – you almost get the sense of being underwater due to the way the sound has a stifled feel to it which makes the title more apt. The next song “The Mistakes” is more of a power pop tune with lovelorn lyrics. Kennedy’s slightly sweet, slightly sad vocals make for a bittersweet confection that gels with the music.

“Crushed Like The Car” was the first single released from The Wilderness Inside, and for good reason. Pulsing guitar and drums punctuate each opening note, only to be met with vocals and minimal instrumentation for the impending bridge. Kennedy’s confusion and longing eventually devolve into a chaotic guitar solo that leads to even more cathartic confessions. “Crushed Like The Car” is one of the highlights of this album. Another standout includes the breezy ode to vinyl “Spinning On The Record.” For all of us life-long music fans this track will strike a nerve and make you feel both very young and quite old at the same time.
Army Navy have made a really good album – it’s somewhat forgettable though. You may find yourself listening to it and realizing that it’s come and gone without noticing. I wish there was something that stood out in either tone or sound, but the album tends to run together. This is an album for those who appreciate the power pop genre, and of course, for previous fans of Army Navy.
(The Firenote)

Any of these ten songs could be the song of your summer, whether it’s ultimately one of dreamy happiness (“In Waves”) or a bright but brief love (“World’s End”). The harmonies and melodies are irresistable and sunny, even when the subject matter turns gloomy as on album standout “Crushed Like A Car.”
Power-pop bands are sometimes critizied as being too same-sounding, hitting the same tired notes, or failing to move forward or progress. Army Navy avoid this pitfall by expanding the scope of their influences. While there are the obvious hints of Matthew Sweet and The Raspberries to be found without looking too hard, there are also traces of ’80s New Wave, outlaw country and even a little folk. The band incorporates all these elements seemlessly into their music. The album isn’t some warmed up AM Gold collection, it’s something new and fresh.

Army Navy make music that sounds like the best times of your life. It’s fun, it’s energetic, it sticks with you and it’s so well crafted it can (and almost demands) repeat listens. Like a favorite memory of that one perfect day, (you know the one), it invites you back again and again and never disappoints.

Indizien und Beweismittel:

Nun sind die werten Richter gefragt...

Neue Gerichtstermine: September/Oktober


Blonde Redhead – Barragán
Esben And The Witch – A New Nature
Interpol – El Pintor
Ryan Adams – Ryan Adams

Tricky – Adrian Thaws

Flowers – What You Want To, It’s What You Should Do
Karen O – Crush Songs
Tennis – Ritual In Repeat

Kraftklub – In Schwarz
Love Inks – Exi
Einar Stray Orchestra – Politricks

My Brightest Diamond – This Is My Hand

Deacon Blue – A New House
Generationals – Alix

Alt-J – This Is All Yours
Erasure – The Violet Flame
Jens Friebe – Nackte Angst zieh dich an wir gehen aus
Perfume Genius – Too Bright

Julian Casablancas + The Voidz – Tyranny
Markéta Irglová – Muna
Laetitia Sadier – Something Shines

Martin Carr – The Breaks
Dirk Darmstaedter – Before We Leave
The Drums – Encyclopedia
The History Of Apple Pie – Feel Something
Inspiral Carpets – Inspiral Carpets
Christopher Owens – A New Testament

Weezer – Everything Will Be Alright In The End


Olöf Arnalds – Palme
Caribou – Our Love
Hozier – Hozier
Holly Johnson – Europa
Juli – Insel
Johnny Marr – Playland
Erlend Oye – Legao
The Rural Alberta Advantage – Mended With Gold
The Vaselines – V For Vaselines
Jessie Ware – Tough Love
We Were Promised Jetpacks – Unravelling
Zola Jesus – Taiga

Allo Darlin’ – We Come From The Same Place

Claudia Brücken – Where Else...
Kele – Trick

Foxygen – ...And Star Power
Stars – No One Is Lost

Andy Burrows – Fall Together Again
The Primitives – Spin-O-Rama
The Ting Tings – Super Critical
Farin Urlaub – Faszination Weltraum

Love Inks – EXI

The Flaming Lips – With A Little Help From My Fwends

Sonntag, 31. August 2014

Merchandise - After The End
Dirk Sonntag, 31. August 2014 0 Kommentare

Die erste Vorladung (XII)

Zur 2008 in Tampa, Florida, als Trio gegründeten Band gehören mittlerweile Carson Cox, Dave Vassalotti, Patrick Brady, Elsner Nino und Chris Horn.

In der Punk- und Postpunk-Szene machten sich Merchandise mit ihren ersten Platten und Tapes, die bei kleinen unabhängigen Labeln erschienen waren, bereits einen Namen. 2012 sprangen zur Veröffentlichung von "Children Of Desire" auch Pitchfork, NME & Co. auf die Band an. 
Mittlerweile stehen Merchandise bei 4AD unter Vertrag und veröffentlichen mit "After The End" ihr viertes, von Gareth Jones (Depeche Mode, Interpol, Nick Cave and the Bad Seeds) abgemischtes Album. Diesem gingen die Singles "Little Killer", "Enemy" und "Green Lady" voraus.  

"After The End" ist als Titel passend gewählt, denn Merchandise verabschieden sich vom Postpunk und wandeln sich zur Pop-Band. Zur Pop-Band im Sinne von The Cure, R.E.M. oder Echo & The Bunnymen (man kann aber im Titelsong oder "Green Lady" auch Simple Minds und Tears For Fears heraus hören). Genannt werden müssen auch The Smiths, denn mit Morrissey wird der Gesang von Carson Cox gern und oft verglichen.
"After The End" hätte vermutlich genau so auch 1989 erscheinen können und dürfte Freunden des damaligen New Wave / Alternative Rock / Indiepop gut gefallen.

The lead guitarist wrote four songs for ‘After The End’. He twangs patiently around Cox’s vocals on the undulating ‘True Monument’. ‘Life Outside The Mirror’ is even slower, Vassalotti’s structure and Cox’s broken vocals (“Are you ready to give it all away?”) trapping you inside it. This time, the solo is acoustic. It’s surprising, and just as awesome as when his foot’s jammed on the cosmic pedal.

The B-side delivers the two biggest shocks. Punks will hate ‘Telephone’ and ‘Little Killer’. The former bounces around Brady's bassline like one long radio-ready chorus. ‘Little Killer’’s melody is indelible, boasting a Cure-like timelessness. Their peers and touring buddies Parquet Courts and Milk Music wouldn’t dream of attempting anything like it.

With a funereal organ, ‘Looking Glass Waltz’ starts a comedown that lasts until they channel The La’s on wispy finale ‘Exile And Ego’. In between, the title track drags desperate bleakness out for seven minutes. Following the earlier hooks with three wallowing ballads is a masterstroke. 'After The End' is full of them. Merchandise's 4AD debut is an extrovert, indie-pop album from a punk band that can't sit still. It's clever, brave and seamless enough to become a classic.

Die Single “Enemy” klingt allerdings nicht nach Aufbruch sondern eher nach Resignation: “All your points and blame, it just makes me feel the same.” Die halligen Akustikgitarre verschwimmen mit Cox’ Phrasierungen, die wohl der Grund dafür sind, weshalb man sich den Frontmann unweigerlich als Vegetarier mit kantigem Gesicht und Haartolle vorstellt. .

Insgesamt klingen Merchandise wie aus einer anderen Zeit und wohlvertraut, wobei die Smiths/80er/New-Wave Schublade auch nicht ganz zu passen scheint. Da ist auch noch “True Monument”, die Hymne in allerfeinster Stone-Roses-Romantik oder “Little Killer”, der Hit der Platte. Hier macht sich der neu angeheuerte Drummer bezahlt, während Cox zwischen einprägsamer Hook und schwummerig abgemischten Zwischenparts hin und her springt. Hymne, Hit, fehlt jetzt noch der gelöste Lovesong. Den liefern Merchandise mit “Telephone” und dieser steht Carly Rae Jepsens “Call Me Maybe” in Ohrwurmqualitäten sowie textlich in nichts nach. Auch wenn sich die anfangs erfrischende Basslinie irgendwann totspielt, das verzeiht man dank Carson Cox’ Charme komplett. Doch trotz dieser kleinen Pop-Ausbrüche dominieren doch Schwermut, Nachdenklichkeit und romantisches “Wir gegen den Rest der Welt” die Platte, was in “Looking Glass Waltz” auf den Punkt gebracht wird: “Choose to be nothing at all and I’ll be nothing with you.” Wer bei diesen Zeilen zum schwerfälligen Walzer nicht ins schwelgen gerät, der hat sich wohl noch nie abends alleine in Melancholie gesuhlt.

“Nostalgia is just a looking glass / its for us to distord and mold” heißt es dann weiter, was mehr als ironisch anmutet in Anbetracht der Tatsache, dass Merchandise so offensichtlich von den Smiths, The Cure und anderen alten Helden zehren. Das neue Leben nach dem abgeschlossenen Kapitel ist in erster Line textlich zu finden. Vielleicht ist es aber gerade diese Nostalgie, die der Platte ihre zeitlose Schönheit verleiht.
(Radio Q)

Indizien und Beweismittel:

29.11.14 Frankfurt, Nachtleben
30.11.14 München, Feierwerk
01.12.14 Stuttgart, Zwölfzehn
02.12.14 Köln, Club Bahnhof Ehrenfeld
03.12.14 Hamburg, Hafenklang

Nun sind die werten Richter gefragt...

Samstag, 30. August 2014

Federal Lights - We Were Found In The Fog
Dirk Samstag, 30. August 2014 0 Kommentare

Die erste Vorladung (XI)

2010 gründete Jean-Guy Roy in Winnipeg die Band zunächst als Soloprojekt. Mittlerweile wurden Federal Lights durch seine Frau Lori sowie Robert Mitchell und Chris Gaudry zu einem Quartett erweitert.

Der Singer/Songwriter Jean-Guy Roy nahm 2011 zusammen mit Cam Loeppky (Weakerthans, Imaginary Cities, Cannon Bros) ein erste EP ("Carbon") auf, 2012 standen Festivalauftritte und Tourneen, u.a. im Vorprogramm von Imaginary Cities, Rah Rah und Great Lake Swimmers, auf dem Programm, 2013 wurde die Band vom in Toronto beheimateten Aporia Records unter Vertrag genommen und begann mit den Arbeiten am Debütalbum, das im letzten August veröffentlicht wurde. "We Were Found In The Fog" entstand in Zusammenarbeit mit Loeppky sowie dem Produzenten Rusty Matyas (Imaginary Cities) und findet nun mit etwas Verzögerung nun auch den Weg nach Deutschland.  

Emotionaler Folkrock, der seine besten Momente hat, wenn sich zu Jean-Guys Stimme die von seiner Frau Lori gesellt. Am Besten nachzuhören in der tollen Handclap-Indiepop-Single "I See Love". Freunde von ruhigem Folk kommen bei "Reservation Girl" auf ihre Kosten, Richtung Americana geht es mit "Skyline" und rockigere Töne erklingen auf "FLS".  
Wenn für ein Mixtape noch feine Songs im Umfeld so unterschiedlicher Künstler wie Arcade Fire, Rah Rah, Wilco oder Dan Mangan gesucht werden, so kann man auf "We Were Found In The Fog" gut fündig werden.

Glowing guitars, shimmering vocals and a slew of sparkling sonic accents that come together to form an incandescent experience that's both rousing and soothing all at once.
(CBC Radio 3)

So gesehen ist das Album der Kanadier in unseren Augen zweigeteilt. Sie steht auf der einen Seite durch hymnischen Stadionrock für brillante Festival-Momente. Wir können es uns beim Opener “Sharks” oder “I See Love” wunderbar vorstellen, wie sie mit diesem Sound größere Publikums-Mengen auf einem Festival verzaubern können. Kommt dazu eine spätsommerliche Stimmung hinzu, haben Federal Lights an dieser Stelle alles richtig gemacht.

Und dann sind dort noch Tracks wie der Titelsong des Albums oder der Titel “I Don`t Mind”, die eine Mischung aus sehr ruhigem Country und dann doch irgendwie Pop-Americana Einschlägen präsentieren. Die Songs leben vor allen Dingen – egal aus welcher Stimmung heraus sie entstanden sind – von den großen stimmungsvollen Momenten.

Das Werk wirkt gerade durch diese Zweiteilung sehr homogen und jeder Schritt innerhalb der Songs erscheint uns als Zuhörern logisch. Es vor allen Dingen eben gerade diese Mischung der Stimmungen, die das Werk so liebevoll, interessant werden lassen.

Indizien und Beweismittel:

04.09. Hamburg, Molotow Exil
06.09. Köln, Die Wohngemeinschaft
07.09. Lingen, Alter Schlachthof (mit Marcus Wiebusch)
08.09. Düsseldorf, Zakk Bar
10.09. Trier, VillaWuller
11.09. Wiesbaden, Schlachthof
12.09. Dresden, Scheune
14.09. Berlin, Ramones Museum
15.09. Hannover, Mephisto
16.09. Münster, Gleis 22

Nun sind die werten Richter gefragt...

Freitag, 29. August 2014

King Creosote - From Scotland With Love
Dirk Freitag, 29. August 2014 0 Kommentare

Die erste Vorladung (X)

Der schottische Singer/Songwriter Kenny Anderson nennt sich als Musiker King Creosote.

Kaum zu glauben, aber laut Wikipedia hat King Creosote seit 1995 bereits über 40 Platten (inklusive CD-Rs) veröffentlicht, hier aber noch nicht vor Gericht gestanden!
"From Scotland With Love" untermalt als Soundtrack den gleichnamigen Dokumentarfilm der Regisseurin Virginia Health, der nur aus Archivmaterial besteht. Die 11 Titel des Albums wurde von David McAulay und Paul Savage von The Delgados produziert. Als Gäste wirkten Louis Abbott und Kevin Brolly (Admiral Farlow), Pete Harvey und Kate Miguda (Meursault) und Emma Pollock (The Delgados) mit.

Das in meinen Augen bisher beste Folkpop-Album des Jahres trägt den Titel "Changing Places" und stammt von Prince Of Assyria. Selbstverständlich konnte der Prinz nur von einem waschechten König übertroffen werden! King Creosote lässt einen Kinderchor erklingen, das Orchester groß aufspielen und gibt dazu den Crooner oder trägt melancholische, kleine Folksongs auf bezaubernde, schlichte Art und Weise vor. Selten hat der Begriff "großes Kino" so gut gepasst wie hier! 
Freunden von Sufjan Stevens, The Delgados, Gorky's Zygotic Mynci und Belle & Sebastian dringend empfohlen.

The album opens with Something To Believe In. Let the Beatles comparisons roll in, with its heartbreaking chord change and trembling, gorgeous falsetto in the chorus. The next track, Cargill, sounds like Keane with more fierceness, and the ghost of The Cranberries lingers about. Miserable Strangers carries the brit-pop stylings of What’s The Story, Morning Glory?, with its pop-punk chord progression, xylophone and strings lending majestic flair while backing vocals lend said Oasis vibe. Originally named Fighting And Shafting, the gem For One Night Only breaks up the rest of the album’s decidedly mellow flavor with a much needed kick of adrenalin. Featuring fast percussion, driving guitars, and evoking Broken Social Scene’s song Of Stars And Sons (also used as backing for a cinematic night-on-the-town in the 2006 film Half Nelson), Anderson croons punk with ease.

Bluebell, Cocklebell, 123 begins with a choir of children singing dark material in the way old nursery rhymes are subject to be about. One Floor Down is best heard as an an old dance number, and Crystal 8s is a short instrumental in the songs. All the songs are very pretty, and Anderson’s voice is so sweet that it may struggle to sell harder, rougher emotions, but for a project laced with nostalgia and the gentle touch, this works to his advantage.

The one low point on the album is Yargs, a song more appropriate for a movie Bar Mitzvah than anything culturally specific to the Highlands. The flutes and windpipes are well done, a lovely electric guitar is plucked at the end, but the song could probably have worked better as an instrumental than with any vocals. As it is, it doesn’t quite gel. This isn’t so much the fault of the artist or the material, but because it sounds like polka, which supports the main criticism about polka: no matter how good the polka, it’s still polka.
(Music OMH)

The music-hall canter of ‘Largs’ mingles naturally with the stirringly delicate, string-assisted ‘Miserable Strangers’, both offering a reminder of just how remarkably expressive KC’s voice can be.

With lyrical viewpoints and musical references more diverse than ever, this set is his finest solo release to date.
(Clash Music)

Although the subject matter is small the music itself is widescreen; with lush production and a string section section featuring in many songs. This lends the music a textured aspect befitting its cinematic purpose, and marks a continuation of King Creosote's journey from dishevelled lo-fi troubadour towards a more polished entity.

For many artists this trajectory would be lamentable, yet it's good to hear Anderson's tracks given room to breathe. Some of the arrangements here are almost baroque, such as the majestic 'One Floor Down', one of many tracks on the album to recall Sufjan Stevens, another would be solipsistic songwriter who tackled grander themes in his music.

This project that plays perfectly to his strengths. Never has a life spent on the breadline in Scotland seemed so romantic. The heartbreak and toil inherent in Scottish history have been rendered beautifully by someone who obviously has a strong attachment to the country. This wouldn't work without a Scotsman at the helm. From Scotland with Love stands testimony to the increasing genius of Anderson and his craft.
(Droned In Sound)

Indizien und Beweismittel:

Nun sind die werten Richter gefragt...

Donnerstag, 28. August 2014

Phillip Boa & The Voodooclub - Bleach House
Dirk Donnerstag, 28. August 2014 0 Kommentare

Zur Veröffentlichung seines aktuellen Albums hat Phillip Boa  etwas über die Zukunft des Albums zu sagen...

In Zeiten, in denen immer mehr Manager bei Radio, TV und Plattenfirmen davon reden, dass das Format "Album/LP" veraltet bzw. überholt ist und ein Ende dieser Formate prophezeien und fordern.

Meine Meinung: Ein Album atmet eine Zeit, einen Raum, ist ein Dokument, ist die Summe vieler kleiner liebevoller Arbeitsschritte und Ideenaustausch vieler kreativer, andersdenkender Menschen, von Studios, Songschreibern, Musikern über Engineers, Producern, Designern, Fotografen bis hin zu Presswerken, Labels und Vertrieben, Geschäften. Alles Menschen, die Musik lieben. Die das nicht nur für Geld tun, sondern aus Idealismus. Nur noch kleine, unabhängige Vertriebe und Labels wissen noch diesen komplexen, einmaligen Prozess zu realisieren und zu schätzen. Ein Album ist die letzte Bastion der musikalisch Andersdenkenden, der letzten Zweifler, ein ästhetisches, komplexes, zeitloses, schillerndes Konstrukt."Bleach House" und seine liebevoll gestalteten Details sind ein Statement gegen eine Tendenz. (...)

"Bleach House" ist romantisch, laut und atmet komplex, in jeder Beziehung, total expressiv, elegant und naiv in seiner Summe, ähnlich wie diese Worte.

Ich LIEBE Alben; und ich liebe es, Alben zu machen, möchte, dass es mehr ist, als nur die Musik: Liebevoll verpackte Formate; hiermit mal ein Dankeschön an meine Fotografen und Designer Olaf und Jochen, danke auch schon mal an Cargo für die schwierige Realisation.

... und "Bleach House" praktischer Weise gleich in zahlreichen Versionen unter die wartenden Fans gebracht. Jedoch wird es Boas Anhänger mit der Qual der Wahl nicht gerade leicht gemacht, denn nur wer zu den schnellsten 200 gehörte, bekam seine Platte in pink farbenem Vinyl geliefert, der CD Digipack wartet hingegen noch mit 3 Bonus Tracks auf, die jedoch noch von 8 weiteren zusätzlichen Liedern und allerlei Extras in der schicken Limited Collector's Edition übertroffen werden.     

Musikalisch bietet "Bleach House" einen Querschnitt durch das Schaffen von Phillip Boa und seinem Voodooclub und legt dabei sein Hauptaugenmerk auf eine härtere und punk-rockige Gangart im Stile von "Primitive Man" (von "Hair", 1989). Auf der Haben-Seite können hier "The One Who Howls At The Moon", "Down With The Protocols" und "Icons Of Anarchy" verbucht werden, "Beatsey Youth" und "Snake Plissken" hätten sich eher als Bonus Tracks geeignet.

Der Opener "Kill The Future" und "Chronicles Of The Neartbroken", eines der Highlights, würden sich auch nahtlos auf "Aristocracie" (1986) und "Copperfield" (1988) einfügen. Die elektronischen Beats von der Single "Standing Blinded On The Rooftops" und "Baby Please Go Home" lassen an "Boaphenia"-Zeiten (1993) denken, der für Boas Refrains so typische weibliche Gesang stammt nicht mehr von Pia Lund, sondern wird von einer nicht näher vorgestellten Dame, die offenbar "Blade Runner"-Fan ist und sich den Namen Pris gegeben hat, übernommen. Große Unterschiede macht dies nicht, da sie ähnlich klingt und auf dem Titelstück so schön schräg singt wie Pia auf den ersten Alben. 

"Bleach House" wurde produziert von David Vella in den Temple Studios auf Malta, abgemischt von Dougal Lott (Ray Davies, Marina And The Diamonds, Bombay Bicycle Club) in den Londoner Konk Studios und gemastert von Fred Kevorkian (The White Stripes, The National) in den New Yorker Avatar Studios. 

Bereits der treibende Opener „Kill The Future“ lässt keinen Zweifel daran, dass man es mit einem BOA-Output zu tun hat. Die Gitarren zeigen sich aufgekratzt und auch die Rhythmusfraktion lässt sich nicht lumpen. In diesem Sinne schließt sich auch das bassbetonte „The One Who Howls At The Moon“ an, ehe der Titeltrack „Bleach House“ geheimnisvoll übernimmt. Schließlich entwickeln sich auch hier die typischen gemischtgeschlechtlichen Vocals, bevor „Standing Blinded On The Rooftops“ die musikalische Reise dezent unterkühlt fortsetzt. So kennen und lieben die Fans die Mucke des Wahl-Maltesers, der einmal mehr zu einer textlichen Erkundungsreise einlädt. Mit ebenso bandtypischen wie zeitlosen und tanzbaren Sounds empfängt „Baby Please Go Home“ den geneigten Hörer, während „Beatsey Youth“ vergleichsweise harte Klänge anschlägt, um dann mit „Are You The One From Heaven“ aber gleich was fürs Herz hinterherzuschicken. „Snake Plissken“ macht unterdessen wieder ordentlich Druck und „The Fear That Falls“ erinnert an verträumte Tage in den Eighties. Derweil serviert „Ueberblendung“ erneut Futter für den Dancefloor, bevor „Chronicles For The Heartbroken“ zärtlichen Gesang zu einem filigranen Arrangement mit dem minimalistischen Dialog von Langaxt und Schlagwerk verbindet. Zweifellos einer der Höhepunkte der Platte, die ihre Fortsetzung im knackigen „Down With The Protocols“ findet. Ein wenig American Punk findet währenddessen beim zornigen „Icons of Anarchy“ Verwendung, ehe die Bonus Tracks „6AM In A Capital“, „Capping“ und „Ancedonia“ Raum für Spielereien bieten.

Doch seiner Heimat bleibt Boa trotzdem treu, wenn er in „Beatsey Youth“ „we are from Dortmund and we are proud of it“ singt. Boa ist ein Spezialist für subtile Textzeilen mit fast Dali-Esken Anklängen, die in ihrer Poesie und Melancholie einem Morrisey in nichts nachstehen. Fast liebliche Melodien wie „Are You The One From Heaven“ werden trotzdem nicht kitschig, wenn Boa und seine weibliche Gesangspartnerin mit eingängigen Refrains darüber flirren. Schon der nächste Song „Snake Plissken“ (Titel des legendären John Carpenter Films „Die Klapperschlange” mit Kurt Russel) nimmt wieder ordentlich Fahrt auf, wenn Pillip Boa und Oli Klemm mit ihren treibenden Gitarren über den Song donnern.
So bleibt das Album stets abwechslungsreich. Von Punk über Alternative bis Romantik ist alles dabei.
(Fast Forward Magazine)

Phillip Boa & The Voodooclub auf Tour:

05.11.14 Marburg, Kulturladen KFZ
06.11.14 Mainz, KUZ
07.11.14 Magdeburg, Factory
08.11.14 Dresden, Alter Schachthof
13.11.14 Nürnberg, Hirsch
14.11.14 Karlsruhe, Substage
15.11.14 Köln, Essigfabrik
28.11.14 Bremen, Kulturzentrum Lagerhaus
29.11.14 Hamburg, Markthalle
04.12.14 Göttingen, Musa-Saal
05.12.14 Erfurt, Gewerkschaftshaus
06.12.14 Berlin, Huxleys Neue Welt
07.03.15 München, Strom

Mittwoch, 27. August 2014

Honig - It's Not A Hummingbird, It's Your Father's Ghost
Dirk Mittwoch, 27. August 2014 0 Kommentare

Eigentlich ist der 07. Dezember der Tag des Honigs, denn dies ist der Gedenktag des heiligen Ambrosius, dem Schutzpatron der Städte Mailand und Bologna, der Krämer, Imker, Wachszieher und Lebkuchenbäcker, der Bienen, Haustiere und des Lernens. Die Attribute des heiligen Ambrosius sind Bienenkorb, Buch und Geißel.

Für einige von uns war aber bereits am letzten Freitag der Tag des Honigs, denn am 22. August erschien nach "Treehouse" (2009) und "Empty Orchestra" (2012) das dritte Album von Honig, zu denen mittlerweile neben Stefan Honig auch Martin Hannaford, Marcel Schmitz, Felix Hornung und Julia Kotowski (Entertainment For The Braindead) zählen. Die Heiligsprechung von Stefan Honig steht noch aus, dürfte nach "It's Not A Hummingbird, It's Your Father's Ghost" aber nicht mehr all zu lange auf sich warten lassen. Die Attribute von Stefan Honig sind die Gitalele (eine Kleinstgitarre in Ukulelengröße), komplexe, ausgefeilte Arrangements (Banjo, Glockenspiel, Flügelhorn, Cello, Geige, Harfe usw.) und introvertierter / extrovertierter Indiefolk zwischen Bon Iver ("Leave Me Now") / Mumford & Sons ("Golden Circle").   

Denn das Album ist ganz und gar nicht gewöhnlich. Schon das kurze und solo vorgetragene Albumintro "Leave me now" klingt nach großem Sehnsuchtsfolk. Nach internationaler Karriere. Nach bombastischem Sound für die große Bühne. Hier ist bereits alles drin, was Honig ausmacht: einprägsame Melodien, gefühlvoller Gesang, liebevoll ausgetüftelte Arrangements. Ein Versprechen, das auch die meisten der zehn folgenden Songs mühelos halten können. "Dear liar" mit seiner farbenfrohen Mandolinen-Hook setzt direkt die nächsten Nadelstiche. Das folgende "Lemon law" ist der verspielteste Song der ganzen Platte, ein Stop-and-Go-Ritt mit Chorgesang und raffinierten Akzentuierungen. Im Laufe der Platte setzt die Band Flügelhorn, Rhodes, Glockenspiel, Cello und Violine ein. Und warum sich Addi 800 (u.a. Björk und Sigur Rós), der für den Mix verantwortlich ist, in die Stimme des Sängers verliebt hat, wird besonders gut in den ruhigeren Stücken wie "Feathers" und "Overboard" nachvollziehbar, in denen Honig seine persönlichen Texte mal kneipenheiser, mal lammzahm vorträgt. Glaubwürdig ist das, kraft- und bedeutungsvoll. Trostspendend. Und grundsympathisch.

Nicht alle Stücke halten das ganz hohe Niveau. "Peaches" und "A boy" zum Beispiel sind zu unentschlossen und zu unausgereift, um als Glanzpunkte durchzugehen. Doch der positive Gesamteindruck überwiegt eindeutig. Hier läuft zwar nicht das beste deutsche Album des Jahres, aber allemal ein bemerkenswertes. Mit "Golden circle", einer eindringlich vorgetragenen Uptempo-Hymne auf die Kraft der Musik, ist sogar ein veritabler Hit vertreten, der sowohl Mumford-&-Sons-Anhänger als auch genrefremde Hörer überzeugen wird.

Honig auf Tour:
30.09.2014 Jena, Café Wagner
01.10.2014 Leipzig, Werk 2
02.10.2014 Dresden, Beatpol
03.10.2014 Berlin, Privatclub
04.10.2014 Husum, Speicher
07.10.2014 Stuttgart, 1210
08.10.2014 Frankfurt, Ponyhof
09.10.2014 Nürnberg, Club Stereo
10.10.2014 Freiburg, Waldsee
11.10.2014 Konstanz, Kulturladen
12.10.2014 CH-Bern, Rössli Reitschule
14.10.2014 AUT-Wien, Chelsea
15.10.2014 München, Ampere
16.10.2014 Köln, Gebäude 9
17.10.2014 Essen, Zeche Carl
18.10.2014 Münster, Gleis 22
19.10.2014 Hamburg, Knust

Andrew Jackson Jihad - Christmas island

Andrew Jackson Jihad ist eine Folk-Punk Band um Sean Bonnette und Ben Gallaty aus Phoenix, Arizona. Diese wurde vor zehn Jahren gegründet und mit “Christmas island” erschien kürzlich das fünfte Album der Band. Zwölf Titel mit unter 35 Minuten Spieldauer sagen etwas über die Schlagzahl der Platte aus. Bitterböse Texte, Songstrukturen und die Dauer der Songs sind die deutlichsten Punk-Verweise. Die über weite Strecken akustische Instrumentierung lässt im Kontrast dazu  häufig eine Folk-/ Americana-Atmosphäre entstehen. In der Schnittmenge ergibt das dann wohl Indierock. Die ruhigeren Passagen erinnern auch mal an Conor Oberst, während ein flotter Song wie “Deathlessness” auch von den Violent Femmes stammen könnte. Besonders wird Andrew Jackson Jihad aber eindeutig durch die hörenswerten Lyrics. 

Produziert wurde “Christmas island” von John Congleton, der nicht nur selbst bei The Paper Chase musikalisch aktiv war sondern dessen Liste der bisherigen Arbeiten mit Namen wie Shearwater, Swans, Modest Mouse, David Byrne, St. Vincent, John Grant, Jens Lekman u. v. a. m. beeindruckt.

Christmas Island shoots you down and makes loathing the same thing as self-loathing. But it’s also inspiring to listen to. That’s what happens when you kick ass while getting yours kicked.
Christmas Island is undoubtedly the slowest burner in AJJ's catalogue, seemingly lacking the fervent energy and raw musical creativity of the past. Given time, you'll find its strengths lie elsewhere and you'll be more than willing to change to accommodate them. Long time fans are going to lap this up while newcomers will likely be wondering where this band has been all their lives.
Meine Favoriten auf “Christmas island” sind “Do, Re and me”, “Coffin dance”, “Getting naked, playing with guns”, “I wanna rock out in my dreams” und “Deathlessness”. 

Das Video zu “Temple grandin too”:

Andrew Jackson Jihad Tour:
  • 09.10. Münster
  • 14.10. Berlin
  • 16.10. Stuttgart
  • 19.10. Freiburg
  • 20.10. Köln

Dienstag, 26. August 2014

Dry The River - Alarms in the heart
Ingo Dienstag, 26. August 2014 0 Kommentare

Da schrillten bei mir ein paar Alarmglocken, als ich von einem neuen Dry The River hörte. Denn der Song “New ceremony” Debüts “Shallow bed” aus dem Jahr 2012 klang mir noch in den Ohren. Schon der Opener und zugleich Titeltrack des Nachfolgers sowie das rockige “Hidden hand” machen klar, dass der Fluss der Melodien und Harmonien der Londoner Band in den letzten zwei Jahren nicht ausgetrocknet ist, auch wenn sich die Aufnahmen anscheinend nicht einfach gestalteten. Mit stellenweisen markanten Gitarren und kaum enden wollenden Refrains und Harmonien begeistert mich Dry The River erneut. Der dritte Song “Roman candle” beginnt etwas träge aber spätestens als The Delgados’ Emma Pollock in den Gesang miteinstimmt schwingt sich auch dieser Titel zu einem Favoriten auf. Verwöhnt durch das Wohlgefühl der meisten der Songs gelingt es trotzdem noch “Gethesemane” und “Everlasting love” noch herauszustechen. 

Wurde das erste Album von Peter Katis (u. a. auch The National, Interpol, The Twilight Sad, Jónsi und Fanfarlo) produziert kamen nun gleich mehrere Männer zum Zuge: Charlie Hugall (Florence and The Machine, Ed Sheeran, Kaiser Chiefs), Paul Savage (The Twilight Sad, Arab Strap, Mogwai, Franz Ferdinand) und Peter Miles. Bei den Streicherarrangements durfte sich Valgeir Sigurðsson (Sigur Rós, Björk, Moddi) einbringen. 

Im Vergleich zu “Shallow bed” kommt dem Rock-Anteil gegenüber Folk mehr Bedeutung zu. Einige balladeske Ruhephasen sorgen für Ausgleich. Die aktuellen Titel wirken einen Tick bestimmter und direkter als die des Debüts. Freunde britischer Melodieverliebtheit dürften an “Alarms in the heart” Freude finden.
The whole album nudges Dry The River slightly closer to a more conventional indie rock sound, where some might have hoped that they would take the opportunity to explore some of their more interesting aspects – the harmonizing beauty of a song like ‘Shaker Hymns’ had so much space in which to expand, and yet Alarms In The Heart seems like more of a constriction.

That said, it is still a solid album with some very good songs, and Liddle’s songwriting remains excellent.

Da ich kein in Deutschland mühelos abspielbares aktuelles Video finden konnte gibt es noch einmal “New ceremony”:

Montag, 25. August 2014

Gemma Ray - Milk For Your Motors
Dirk Montag, 25. August 2014 0 Kommentare

Die guten Nachricht zuerst: Auf "Milk For Your Motors" wird wieder gesungen! Nach dem (größtenteils) instrumentalen "Down Baby Down" ist auf Gemma Rays sechsten Album wieder ihre Stimme zu hören. Wäre ja auch zu schade gewesen...

Auf 13 Songs in einer knappen Dreiviertelstunde wandert Gemma Ray zusammen mit einigen illustren Gästen - das deutsche Filmorchester Babelsberg, Alan Vega (Suicide), Toby Dammit (Iggy Pop), Deke Leonard (The Man Band), Howe Gelb (Giant Sand) und Fiona Brice (John Grant, Placebo) - durch cineastischen Retro-Pop, der mit Spuren von Blues, Soul und Rock'n'Roll behaftet ist und auch schon vor fünf oder sechs Jahrzehnten durchs Radio hätten wehen oder in einem Film von David Lynch Verwendung hätte finden können.

Albumhighlights sind die äußerst eingängigen "Shake Baby Shake" und "Buckle Up" sowie das düstere "Desoto". Nicht zu vergessen "Motorbike", das neben einer Fuzz-Gitarre und einer bedrohlich pluckernden Drum-Machine auch noch den Gastauftritt von Alan Vega zu bieten hat, und das Soundtrack-artige und von Streichern getragene "Rubbing Out Your Name".   

Wir würden nun zu den schlechten Nachrichten kommen - wenn es denn welche gäbe. Denn "Milk For Your Motors" ist das bisher stärkste Album von Gemma Ray!

Das geht bereits beim Opener, dem bluesigen Pop-Walzer „The Wheel“, los und setzt sich nahtlos bei Stücken wie „Shake Baby Shake“ und „The Right Thing Did Me Wrong“ fort. Gemma Ray beweist auch diesmal wieder ein glückliches Händchen, wenn es darum geht, wunderbar dramatische Popsongs zu kreieren, die immer auch eine gewisse mystische und dezent undurchdringliche Aura umgibt.

Sie hat, unter anderem bei Lee Hazlewood, genau studiert, wie die „dunkle“ Seite des Pop funktioniert. Entsprechend süchtig machen Nummern wie „Buckle Up“ oder das in einen angemessenen Retrosound gekleidete „When I Kissed You“, eine wunderbar bittersüße Ode an die ewige Liebe.

Gemma Ray landet soundtechnisch mit Milk For Your Motors ziemlich genau zwischen Down Baby Down und ihrem 2012 veröffentlichten Album Island Fire. Keine schlechte Ausgangsposition, um von dort aus ein paar kleine Ausflüge in Richtung Country („Waving At Mirrors“) oder gepflegter Melancholie („Desoto“) zu unternehmen.

Thematically, all the songs on Milk And Motors would seem to either depict the commencement of relationships or their conclusion, while on occasion almost acting as the vessels of premonition for future events, such is the strength of Rays’ songwriting. The album starts with a the hard, mean, rock breaking blues ‘The Wheel’, which perhaps depicts the trials and tribulations required keep a relationship on course, while acknowledging that one day it will, for whatever reason, eventually end. The relentless grind of the main riff gives way to a beautiful piano interlude that brings some light into this foreboding blues. The mood lightens for the next three Ray compositions – the sexual, self proclaimed ‘volcano pop’ that is ‘Shake Baby Shake’, the jaunty Shadow Morton style bubblegum pop of ‘Buckle Up’ and the 50s guitar flavoured romantic reminiscences of ‘When I Kissed You’.

The highly propulsive ‘The Right Thing Did Me Wrong’ blends the exotic sounds of Les Baxter with 60s popular song, providing a glamorous backdrop for Ray’s cheerful lament. Side One of the album (yes, Milk For Your Motors is thankfully available as a vinyl LP) concludes with a heartfelt but hushed celebration of domesticity, featuring some gorgeous guitar work from Ray.

Side Two of Milk For Your Motors is an altogether darker affair, arguably the darkest songs Ray has yet recorded. ‘Desoto’ is a stunning essay of despondency, underpinned by Ray’s twanging guitar steadily building to an ominous piano outro. Wry black humour dominates Ray’s ‘Waving At Mirrors’, a sick tale of a fatal accident that could be read as a fabulous putdown of our narcissism-possessed society, which musically carries faint echoes of soulful gospel.

The tense and theatrical ‘Motorbike’ takes the Shangri-Las’ ‘The Leader Of The Pack’ on a trip to hell, with a vital cameo from Suicide’s front man, Alan Vega. The result is the best song Alan Vega and Martin Rev never wrote; the faultless intermingling of doomed girl group romantic pop and avant-garde ‘punk’. As with many of the other songs on Milk For Your Motors, the sweet fragility of Ray’s emotional vocal delivery compliments perfectly the hard-edged material she has written. And when Vega lets rip with a ‘Frankie Teardrop’-style scream a minute before the end of the song, an Evil Knievel lift-off is achieved.

‘Out In The Rain’ is a powerful ballad of rejection that would not have been out of place in The Doors songbook, while ‘Rubbing Out Your Name’ swells with sadness buttressed by a beautiful John Barry–style string arrangement. The record closes with a return to the light, with the redemptive strains of the joyful Velvets inflected ‘Old Love’.
(Louder Than War)

Gemma Ray in Deutschland:

19.09.14 Magdeburg, Volksbad Buckau
08.10.14 Berlin, C-Club
09.10.14 Wetzlar, Franzis
11.10.14 Stuttgart, 1210
13.10.14 München, Milla
14.10.14 Hannover, Lux

Sonntag, 24. August 2014

The New Pornographers - Brill Bruisers
Dirk Sonntag, 24. August 2014 0 Kommentare

So klingt es also, wenn The New Pornographers, das kanadische Indierock-Kollektiv um A.C. Newman, Dan Bejar und Neko Case, ein schillerndes Partypop-Album abliefern! Der "Brill Bruisers"-Schriftzug auf dem Plattencover leuchtet eben so bunt wie das Album, über das Newman, aus dessen Feder 10 der 13 Songs stammen, sagt: 
"a celebration record... After periods of difficulty, I am at a place where nothing in my life is dragging me down and the music reflects that."

Es gibt herrlichen Girl/Boy-Gesang ("Fantasy Fools"), eingängige Refrains ("War On The East Coast"), verschachtelten Harmoniegesang ("Brill Bruisers"), prägnanten Power-Pop ohne ruppige Ecken und knarzende Kanten ("Born With A Sound"), dafür mit viel Synthie-Geplugger wie Grandaddy vor vielen ("Marching Orders") und Stars in den letzten Jahren ("Wide Eyes", "Champions Of Red Wine") und daher leider auch den ein oder anderen seichten Leerlauf wie "Backstairs" oder "Hi-Rise".

Auf BRILL BRUISERS tritt die Band um die Songwriter Neko Case, Carl Newman und Dan Bejar (alias Destroyer) sofort mit dem Titelstück den Beweis an: Da werfen sie sich mit vollem Elan in Form von hymnisch unterlegten „Bo-ba-bababa-bo“-Gesängen ins Getümmel, dass man sich fragt, was für Aufputschmittel hier wohl im Spiel waren.

„War On The East Coast“, aus Bejars Feder, jagt los wie ein Windhund, die „Marching Orders“, von denen Neko Case singt, kommen als Hommage an den Vierviertel-Takt daher, und in „Born With A Sound“ reflektieren Bejar und Case im Duett hübsch darüber, wie das ist mit der Musik im Kopf und dem Songwriting. Live dürften die erfrischend überkandidelten Stücke sicher ein rechter Spaß werden.

Most importantly, Brill Bruisers is very good, informed by the baroque-pop ornamentation of Together, but with a return to the concision, melodicism and dynamism of the band’s first three records. It opens with the title track, which pretty much sets the record’s stall out – it’s sunny, it’s snappy, Newman’s voice is cradled in ornate “baba-ba-ba” backing vocals from the ladies, there’s a cool middle-eight, there’s that curious Pornos frisson of passionate delivery meeting lyrics that are basically incompressible (something that seems to work better for the band when a song has a bit more pizzazz to it).

Perhaps because of the restlessly shifting complexity of the vocal arrangements and short track lengths, there’s a certain flow to the album – a pleasing homogeneity even – that means it can be hard to even credit the fact there are 13 songs on there. The feel approaches that one continuous movement, or lots of little ones, a bubble bath of lustrous sound. That’s not to say moments don’t stand out: ‘Dancefloor Domine’ is twee pop of the most ruthlessly catchy order, ‘Backstairs’s eerie “there is another west” chorus is a grade-A ear worm, ‘Champions of Red Wine’ proffers Challengers -style introspection without the clunky naval gazing. But it’s much harder to spot the joins now. Where before Bejar kind of sounded like the mad scientist who’d crashed everyone else’s party, now his songs now comes liberally doused in Calder, and are in any case as close to Newman’s sensibilities as he’s ever likely to get – the fuzz bomb pop of ‘War on the East Coast’ is probably the most tuneful thing he’ll ever do without an actual voice transplant, while the excellent ‘Born with a Sound’ segues seamlessly from Caulder’s lovely ‘Another Drug Deal of the Heart’.

At the risk of banging on about it, Brill Bruisers – like most albums – isn’t as good as Mass Romantic. But its qualities are manifold, and it is a delight to note that after some 15 years together, the New Pornographers seems to have stopped being a supergroup and turned into a band.
(Drowned In Sound)  

The New Pornographers in Deutschland:

05.12.14 Köln, Gebäude 9

Samstag, 23. August 2014

Elektrik Würms - Musik, die schwer zu twerk
Ingo Samstag, 23. August 2014 1 Kommentare

Sind Euch die Flamings Lips zu eingefahren, zu langweilig und zu konventionell? Dann greift zu “Musik, die schwer zu twerk”, der EP der Elektrik Würms. Vermutlich verdankt das Album seinen Titel zu einem guten Anteil Miley Cyrus. Wer hätte gedacht, dass man den Namen der jungen Dame und “verdanken” mal in einem Satz gebrauchen kann. 

Die Elektrik Würms sind ein Projekt der beiden Flaming Lips-Musiker Wayne Coyne und Steven Drozd. Unterstützung fanden sie in Nashville in Form der Band Linear Downfall. Deren psychedelischer Rock sowie Prog-Rock, Electro und ein massiver Experimental Anteil bilden die Eckpfeiler dieser wilden musikalischen Wundertüte. 

Die erste (und vermutlich einzige) Single des Albums ist mit dem Yes-Cover “Heart of the sunrise” auch gleich der konventionellste Track des Albums. Angetan bin ich von der treibenden und spannenden Stimmung des Songs “Living” und von “Transform!!!”.
Electric Würms are a band with the creative enthusiasm of bold young upstarts and the kind of practiced restraint that comes with decades of experience, a mix that helps the band separate itself, even if just a little bit, from the Flaming Lips. This allows Musik, Die Schwer Zu Twerk to be an album that caters to the sensibilities of the Lips'-voracious fan base without doing so exclusively, providing an entryway for old-school prog lovers to check out how weird the guys from that little band that did that jelly song have gotten over the last couple of decades.

“Musik, die schwer zu twerk” ist ein Trip und eine willkommene Abwechslung für alle, die neben Post-Rock nach weiteren Ausbrüchen aus vorhersehbaren Indierock-Mustern suchen. 

Das Video zum Opener “I could only see clouds”:

Im Herbst wird mit “With a little help from my fwends” ein Flaming Lips Album mit Cover-Versionen von Beatles-Songs erscheinen. Und da darf dann auch tatsächlich Miley Cyrus mitsingen und die Elektrik Würms interpretieren den Titel “Fixing a hole”:

Ich bin gespannt, wie die Beiträge von Maynard James Keenan, J Mascis, Moby, Phantogram und MGMT klingen werden.

Freitag, 22. August 2014

Highasakite - Silent Treatment
Dirk Freitag, 22. August 2014 0 Kommentare

Die erste Vorladung (IX)

Die Strickware auf dem Plattencover lässt es schon vermuten: Highasakite  kommen aus Norwegen. Das Quintett besteht aus Ingrid Helene Håvik (Gesang, Zither, Steeldrum), Trond Bersu (Schlagzeug), Øystein Skar (Synthesizer), Marte Eberson (Synthesizer) und Kristoffer Lo (Gitarre, Basstrompete).

Ein Treffen von Ingrid Helene Håvik und Trond Bersu im Trondheim Jazz Conservatory legte den Grundstein für Highasakite. 2012 veröffentlichte die Band mit "All That Floats Will Rain" ihr Debütalbum, das bis auf Platz 16 der norwegischen Charts kletterte. 
Letztes Jahr erschien mit "Since Last Wednesday" eine erste Auskopplung aus ihrem zweiten Album "Silent Treatment", das von Kåre Chr. Vestrheim produziert wurde, in Norwegen die Spitzenposition der Charts erreichte und nun auch international veröffentlicht wird.

Von Jazz ist trotz der Wurzeln der Band nichts zu hören. Stattdessen gibt es frischen bis vertrackten, von Synthie-Klängen dominierten Indiepop zwischen Little Dragon, Björk, The Knife, The Sundays und Cocteau Twins. Der Gesang von Sängerin Ingrid Helene Håvik ist äußerst prägnant und bisweilen ziemlich exaltiert, nur die Steeldrum (besonders ausgeprägt ausgerechnet in einem Song namens "Darth Vader" zu hören) sollte ihr jemand einfach wegnehmen. "Silent Treatment" würde auch ohne die Tribal Percussions gut funktionieren, wie es das folkige "My Only Crime" beweist. "Iran" klingt wie eine seltsame Mischung aus Weltmusik und Pop, ungefähr als träfen Emmelie de Forest, die dänsche ESC-Siegerin aus dem letzten Jahr, auf Le Mystere de Voix Bulgares (Das Geheimnis der bulgarischen Stimmen) und vor den Aufnahmen von "The Man On The Ferry" wurde wohl zu oft Enyas "Orinoco Flow" gehört.    
Wesentlich besser sie die Highlights des Albums, also "Hiroshima", "Lover, Where Do You Live?", "I, The Hand Granade" und die Single "Since Last Wednesday".

“The night has a thousand eyes”, Ingrid Helene Håvik intones on ‘Since Last Wednesday’, and that images captures a lot of what Highasakite are about. There is a rippling mystery to their best stuff, a bleak and nameless grandeur that draws you in. Their palette of drums, synths, guitars and orchestral flourishes allows for great variation and sweeping crescendos, either supporting Håvik or completely overpowering her, as the situation dictates. When it comes together, it completely justifies their decision to incorporate the supremely daggy flugelhorn – sorry, flugabone, whatever the hell that is.

Håvik follows in the grand tradition of impressively verbose Scandinavians such as Howlin’ Pelle Almquivst, Nina Persson, and uh, the guy from Bomfunk MCs. Like her forebears, though, she undercuts herself with the occasional howler, which while completely understandable from a non-native speaker, tends to break the carefully-woven spell: ‘I, A Hand Grenade’, for instance, goes where you’d expect it to (weapons, terrorists, etc) and then, lamentably, a bit further still. ‘Darth Vader’, on the other hand, is an extended run of metaphors involving Darth Vader, St George, killer bees, and no logic whatsoever. Ok, so it’s pretty endearing in a Norwegian accent, but still. The song itself shoots for a busy, percussive energy, but the band can’t seem to drag the energy out of themselves to do the song justice.

It’s back in a slower, more stately mode that they hit their straps: luckily, that’s where they stay for most of Silent Treatment.
(faster louder)

The notion of awkward turns of phrase is minor though, as tracks like the standout 'Since Last Wednesday' are rapturous highlights. It's as if Pintandwefall were covering Bloc Party's 'I Still Remember' - it's got that rugged Norse accent beaming through urban metro-sprawl, replete with uplifting, twinkling guitars and anthemic hooks. It's desperately traumatic - "He would never buy a weapon and bring it to our home, no/ he would never be foolish and lie about it now/ but no one has seen or heard from him since last Wednesday." Amongst the reluctant despair, the stoic denial, Håvik insinuates a dread, a dire, ghastly alarm. In her standard way, it's cryptic, but there's interpretations of suicide and/or criminal activity to be gleaned. Regardless of the meaning, it's a booming triumph of a track.

We've been waiting a long time for Highasakite's full-length. It would be easy for a record baggaged with so many expectations to falter and flail in it's own try-hardedness, but the band avoid that. There's an occasional human misstep reminding us that these aren't robots churning pristine pop, and that they can concoct foibles, but there's no reason we can't just sweep those issues under the rug. It's easy to overlook any small faults, as the rest of the record is so damn glorious - from the energising barrage of 'I, The Hand Grenade' to the gutsy emotive pill that is 'My Only Crime', Silent Treatment is an onslaught of charm and lose-yourself wilderpop. Pack some sarnies, thermal socks and a flagon of soup, and go for a hike in their illustrious world - just remember to let people know where you've gone... you might be there a while.
(The 405)

Indizien und Beweismittel:

01.09.14 Hamburg, Prinzenbar
02.09.14 Köln, Studio 672
03.09.14 München, Ampere
04.09.14 Dresden, Beatpol
05.09.14 Berlin, First We Take Berlin
07.09.14 Berlin, Berlin Festival

Nun sind die werten Richter gefragt...

Donnerstag, 21. August 2014

The Ramona Flowers - Dismantle And Rebuild
Dirk Donnerstag, 21. August 2014 0 Kommentare

Die erste Vorladung (VIII)

Hinter der in Bristol residierenden Band The Ramona Flowers stecken Steve Bird (Gesang), Sam James (Gitarre), Wayne Jones (Bass), Dave Betts (Keyboards, Gitarre) und Ed Gallmore (Schlagzeug). 

Die Band benannte sich nach einem Charakter aus dem Film "Scott Pilgrim vs The World" und nahm ihr Debütalbum unter Anleitung von Andy Barlow von Lamb  in den Distillery Studios in Bath auf. Dem Album, das den selben Titel trägt wie die erste EP aus dem Jahre 2012, gingen zudem die Singles "Brighter", "Lust And Lies" und "Tokyo" voraus, mittlerweile wurde auch "Vultures" ausgekoppelt.

The Ramona Flowers spielen Indierock mit elektronischen Hilfsmitteln, so dass sie sich in eine Reihe mit Bastille, The Killers, Hard-Fi oder, wer die Band noch kennt, Mansun stellen dürfen. 
Hinzu kommt mit Steve Bird ein Sänger, der über das Pathos von Bono, das Falsett von Thom Yorke und das - nennen wir es - "Geschmeidige" von Brandon Flowers verfügt. 
Das jazzige "So Many Colours" muss leider unter Totalausfall verbucht werden.

Yet, while they play the type of made-for-arenas rock-electronica that Muse and Radiohead have made careers out of (the stadium-sized, prickly guitars of opener 'Tokyo' recall the former; singer Steve Bird's delicate falsetto on the title-track tries for the latter), there's something a little too ‘phone advert’ about it all to properly excite. The Bristol group recently toured with Bastille and it's these sanitised "indie" peers (Imagine Dragons, The 1975 et al) that 'Dismantle And Rebuild' sits most comfortably alongside. They'll probably be massive, then.

Album opener Tokyo recalls ’90s outfit Mansun; a distorted electronic intro sounding like a malfunctioning hoverbike from Star Wars lurches into earshot before a stop/start electronica based effort furnished with atmospheric guitar strokes create a captivating effort bearing dark undertones. Another single Brighter follows, a cut that features a simple yet effectively soaring chorus that heads off to arena filling stadium rock; all very uplifting stuff.

The title track changes direction, a dubstep like beat and unusual percussion form the verses whilst a reverberating chorus aims for the skies before guitar touches and more varied electronica contributions see the track to its conclusion. The subtly gorgeous Lust And Lies features falsetto vocals amongst upbeat guitar strums with another ridiculously simple chorus of “how right you are” defying its own simplicity alongside warm chord progression to provide a moment of sheer beauty.

World Won’t Wait is another stop/start cut featuring strings and a powerful, emotion charged chorus. Modern World’s slow twanging bass line and high pitched vocals create a pleasant exterior as a sweetly sung chorus then helps mask a darker underbelly of intrigue as Bird’s complaints of “I can’t make sense” hint at mental instability. Skeleton Key lurches along before synths take over alongside a swooning chorus although a questionable chord change sounds misplaced.

Latest single Vultures opens to an unaccompanied stuttering guitar line before another Mansun like track emerges, its synth backed chorus aiming for anthem like status amongst loud/quiet interchanges. The album then becomes a little muddled; firstly, Friend Of The Madness switches between string synths and bouncy guitar pluckings to a repeated message of “shiver and shake, foundations break”.

The jazz inflected So Many Colours is different again, ultimately failing to go anywhere during its confused structure and is rather awful in comparison to the rest of the album. Like A Feather (featuring Lou Rhodes) changes direction again, its subtle beauty probably better placed in a different collection as the album closes to a sound that could be a completely different band.
(Music OMH)

Indizien und Beweismittel:

28.11.14 Köln, Gebäude 9
29.11.14 Hamburg, Mojo
30.11.14 Berlin, Heimathafen
13.12.14 Leipzig, Tauchenthal
14.12.14 Darmstadt, Centralstation

Nun sind die werten Richter gefragt...