Jacob Bellens - My convictions

Es ist bemerkenswert, wie sich einige Alben trotz der großen Anzahl an parallelen Veröffentlichung Aufmerksamkeit verschaffen. In diesem Fall fiel mir nicht zuerst das Cover auf sondern ich klickte das Video an um mir einen ersten Eindruck zu verschaffen:

Der Song fesselte mich aus hoffentlich nachvollziehbaren Gründen schlagartig. Anschließend verglich ich das Albumcover mit den Pressebilder und freute mich darüber, dass das Cover den Künstler tatsächlich gut trifft. 

Es handelt sich um den Dänen Jacob Bellens, den man als Sänger der Bands Murder und I Got You On Tape kennen könnte. Mit “My convictions” erschien nun nach “The daisy age” aus dem Jahr 2012 sein zweites Soloalbum… und ich finde es ganz wundervoll. Bellens musiziert schon über 13 Jahre und in dieser Zeit hat er sich eine Gelassenheit angeeignet, welche in jeder Note der zehn aktuellen Songs mitschwingt. Er hat Geschichten zu erzählen, aber er jammert nicht. Als Singer/Songwriter setzt er seine Songideen zwischen Indiepop, Kammerpop und Lo-Fi souverän um. 

Besonders toll finde ich den Opener “Fireworks” und den Titelsong. Der Rest des Album ist pures Wohlgefallen mit Harfen, Glockenspiel und vielen kleinen Einfällen. 

Damon And Naomi - Fortune

Damon (Krukowski) und Naomi (Yang) sind die beiden anderen von Galaxie 500. Nachdem uns Dean Wareham im letzten Jahr mit seinem ersten Soloalbum und der EP "Emancipated Hearts" erfreute, ziehen nun Damon And Naomi nach einigen Jahren der Veröffentlichungs-Abstinenz - ihre siebtes und bis dahin letztes Album "False Beats and True Hearts" erschien 2011 - nach.

"Fortune" ist mit seinen 11 Songs jedoch weniger ein neues Album des Duos, als ein Soundtrack zu einem halbstündigen Stummfilm von Naomi Yang. So ist das Ganze leider etwas kurz und mitunter skizzenhaft geraten. Songs brechen verfrüht ab "The Seeker") oder erscheinen nicht mehr zu sein als eine instrumentale Früh-Version eines Songs ("Reflections", "Towards Tomorrow"). Viel mehr als akustische Gitarren, Piano-Klänge, dezentes Schlagwerk und gehauchte Gesänge gibt es bei diesem intimen Folk, der seine besten Momente in "Sky Memories" und "The Northern Light" hat, nicht zu hören. Dennoch darf man, vor allem wenn Naomi ans Mikrofon tritt, den ein oder anderen schönen Galaxie 500-Moment erleben ("Time Won't Own Me"). 

The music is characteristically quiet and introspective but, as with much of their work with Kurihara, more lush and enveloping than the spacious Galaxie 500 sound. Using little more than acoustic guitar, keyboards and Krukowski’s jazz-tinged drumming, they have crafted arrangements for these 11 pieces that sound remarkably full-bodied. And it would appear that the natural constraints of the soundtrack form have worked to their advantage. The songs are concise and focused, hitting their melodic or lyrical marks and then quickly moving to the next scene without getting weighted down by repetition or digression.
The film, which stars Norman von Holtzendorff, centers on a man coping with the death of his father, a successful portrait painter, and the conflicted artistic and personal legacy he has left behind. This is deeply intimate material for Yang, who had recently lost her own artist father and was left to sort through a storage space of his artwork and what she refers to in her director’s statement as "the aftermath of his very flawed parenting." This unavoidably gives both film and soundtrack an elegiac tone, with many of the album’s lyrics reflecting on the various burdens of mourning and memory.
As has long been their practice, the duo swap lead vocal duties back and forth and join together in casual harmonies, but given the project’s backdrop perhaps it is unsurprising that those songs sung primarily by Yang—"It’s Over", "The North Light"—are the most immediately striking. The critical quibbles that have followed Damon & Naomi throughout their career can still be applied: Their hushed voices remain pretty, but not dazzling, and their cozy music never strays much beyond the comfort zone that they firmly established a couple of decades ago. Especially when taken in conjunction with Yang’s film, however, Fortune packs a subtle yet undeniable emotive force whose impact can linger long after the projector has gone dark.

My favorite song would have to be “Sky Memories” but describing that one would be like describing them all. Just about every song shares the same production from a technical stand point, and being the songs are mostly the same tempo, that would make any other album sleep inducing, but in the grand scheme of things it makes Fortune sounds as if you are listening to Damon & Naomi in a candle lit, intimate live setting yet, not raw or live sounding. With all the songs sounding similar, by-numbers production, underwhelming song lengths, and over all short running time, it sounds as if I’m describing a boring, forgettable album, but Fortune defies those synonyms and gives the listener a beautiful, personal, listening experience. It might be glorified background music for an early morning road trip, but sometimes we need just that to remind us how beautiful the simple things in life can be.
(Bearded Gentlemen Music)

Peace - Happy People

Wer dachte, dass Douglas Castle, Dom Boyce sowie die Brüder Harry und Samuel Koisser nicht schlimmer daneben greifen könnten als bei ihrem Bandnamen (Peace) und dem Titel des ersten Albums ("In Love"), der erlebte seinen ersten Schock bei der Ankündigung von Platte Nummer zwei ("Happy People") und blickt vermutlich immer noch entsetzt auf das dazugehörige Plattencover.

In England werden Peace hoch gehandelt und noch höher gelobt. Das Debütalbum erreichte Platz 16 der Charts, "Happy People" kam sogar auf Rang 12, erhielt vom NME 8/10 Punkten und von The Independent gar die höchste Wertung. Auf englischen Festivals im letzten Jahr standen die vier Jungs erst nach Künstlern wie The Hives oder Foster The People auf der Bühne und die anstehenden Konzerte in ihrer Heimat sind nahezu ausverkauft, in Newcastle oder Manchester sogar jeweils an drei Abenden in Folge.

"Happy People", erneut von Jim Abbiss (Arctic Monkeys, Kasabian, Adele) produziert, orientiert sich musikalisch an den Hochzeiten von Madchester ("Gen Strange", "Money") und Britpop ("Happy People", "I'm A Girl"), geht aber leider nur als gut gemeinte Imitation durch. Als bestes Beispiel sei der Happy Mondays-Abklatsch "World Pleasure" genannt. Das ist letztendlich leider mehr Northside als The Stone Roses und eher Menswear als Blur.  

The album's opener “O You” is something of a false start, bouncing along in a kind inoffensive, Shed Seven type of a way, with a superabundance of strings. Thankfully, this four minutes of 'meh' then makes way for a series of impeccable pop songs. “Gen Strange” encapsulate the strange mix of optimism, disaffection, euphoria and self-loathing that make this album what it is. The track is a collage of unnerving guitar riffs and lyrics about the uncomfortable paranoia of the digital age spliced with the nostalgic, euphoric sound of the Brit-Pop anthem – and there's a sing-along chorus on an Ocean Colour Scene scale. “Lost On Me” is another big hitter, with a Gargbage-esque blend of aggressive guitars and effervescent pop melodies.

All this retrospection can get a bit tropey, though. “Perfect Skin” is, lyrically at least, a classic slacker anthem. It's a song about the archetypal “looser”: guy is disenchanted with his own body, feels generally deficient and wants a girl to fix his issues. “Money” is, again, perhaps not an inventive theme for social critique, but The Stone Roses style bass and will still make you start walking like Ian Brown.

“Happy People” is where peace start to mark their own distinctly millennial territory. Guitars and vocals smudged by echo and reverb shroud lyrics which describe depression as feeling like a “bad computer, slow to load”. “I'm a Girl” is a guide to navigating troubled masculinities - “if you're not macho then try to be funny” - with Harry Koisser defiantly yelling that he doesn't “feel like a man”. It might also be the only song in pop history to be set in Digbeth, home to Birmingham's illustrious coach station. 

This LP feels so Britpop because it packages its angst and its agenda in a layer of exuberance and fun. But it's the strange mix of disconnection, anxiety and gender trouble that makes this album a record made by Gen Y, for Gen Y.
(The Line Of Best Fit)

With their foppish hair and dandyish charisma, Birmingham band Peace are regularly heralded as descendants of Britpop. With the exception of its brilliantly baggy rhythm section and Mansunish moments, however, Happy People lacks the swagger of its predecessors. Musically and ideologically, its intentions are a little conflicting: there’s a willingness to throw away a curious, cool groove into a generic anthemic abyss, and its world-conquering optimism is often negated by tales of fragility and doubt. It does however, offer counsel to their crowd: from the body-conscious Perfect Skin to the rejection of male stereotypes in I’m a Girl, this album caters to their teen audience, and its more rudimental lyrics may well work when smothered in live distortion. It’s an album that hints at greatness – such as World Pleasure, a seductive, serpentine thrill – but ultimately seems confused by its looming self-conciousness.
(The Guardian)

Neue Gerichtstermine: März / April


Aloa Input – Mars/+
Árstíðir – Hvel
Camouflage – Greyscale
Cold War Kids – Hold My Home
Gemma Hayes – Bones + Longing
Pinkshinyultrablast – Everything Else Matters
The Slow Show – White Water

Madonna – Rebel Heart

Alcoholic Faith Mission – Orbitor
Bilderbuch – Nelken & Schillinge
Björk – Vulnicura
Will Butler – Policy
Soko – My Dreams Dictate My Reality
Swervedriver – I Wasn’t Born To Lose You
Twin Shadow - Eclipse

Adna – Run, Lucifer
Ólafur Arnalds – The Chopin Project
Courtney Barnett – Sometimes I Sit And Think, And Sometimes I Just Sit
The Cribs – For All My Sisters
Dagobert – Afrika
The Elwins – Play For Keeps
Laura Marling – Short Movie
Scott Matthew – This Here Defeat

Balthazar – Thin Walls
Darkness Falls – Dance And Cry
Death Cab For Cutie – Kintsugi
The Go! Team – The Scene Between
Love A – Jagd und Hund
Lower Dens – Escape From Evil
Karin Park – Apocalypse Pop
The Prodigy – The Day Is My Enemy
Rah Rah – Vessels
Ron Sexsmith – Carousel One
The Soft Moon – Deeper
Sufjan Stevens – Carrie & Lowell


Nadine Shah – Fast Food

Lord Huron – Strange Trails
Marina And The Diamonds – Froot
The Lilac Time – No Sad Songs
Waxahatchee – Ivy Tripp
The Wombats – Glitterbug

Matt & Kim – New Glow

Calexico – Edge Of The Sun
Stornoway – Bonxie
Villagers – Darling Arithmetic

Benjamin Clementine – At Least For Now
Rocky Votolato – Hospital Handshakes
Vierkanttretlager – Krieg & Krieg

Passion Pit – Kindred
San Fermin – Jackrabbit

Mew – +-

Blur – The Magic Whip

Hanne Kolstø - Forever maybe

Damen mit ø (III)

Für die dritte Dame dieser Reihe geht es zurück nach Norwegen. Ebenso wie Susanne Sundfør war sie in der Vergangenheit bereits für den Spellemannprisen nominiert, der auch als "norwegischer Grammy" bezeichnet wird. Hanne Kolstø veröffentlicht seit 2011 im Jahrestakt Solo Alben. In ihrer Heimat erschien "Forever maybe" bereits Ende 2014. Bereits seit 2009 war sie in verschieden musikalischen Formationen u. a. als Thelma and Cylde aktiv.

Letztes Jahr erschien in Deutschland Kolstøs “Stillness and panic”, welches mir durch einige dunkle Stimmungen stellweise zu gefallen wusste. Das Plattencover gab diese Grundstimmung gut wieder. Im direkten Vergleich fallen direkt die bunten Farben auf dem aktuellen “Forever maybe” auf. Für mich stehen diese für die Zuwendung zu erhebendem Synthpop auf diesem vierten Soloalbum. Leider klingt “Forever maybe” für mich dadurch wesentlich belangloser als der Vorgänger und in etwas so verbindlich wie der Albumtitel.

“Synnecrosis”, “The urge to repeat” und “All is contagious” sind in meinen Ohren die besseren Songs auf “Forever maybe”. Bezeichnenderweise ist der Hidden Track “Ways with sound” von Captain Knows Nothing der überraschendste und beste Titel auf diesem ansonsten spannungsarmen Album. 

The appraisal:
You see; this is most definitely a pop album, you merely have to listen to the relentless synth beds and idiotically catchy bass-lines to see that. Yet Kolstø is not a traditional pop artist; at least not by the standards of today, and it is this friction that drives the album. You sense a healthy respect for acts like late-80’s Madonna (‘Oh Father‘ springs to mind) but not a deference. Kolstø is going to do pop her way. Bending the sound to her will and creating something fresh in the process. A song like ‘Synnecrosis’ resolutely beating to its own drum even if it’s one borrowed from Annie Lennox and played within a malfunctioning clock. 
Das Video zu “We don’t see ourselves”:

Im April wird Hanne Kolstø in diesen deutschen Orten auftreten:
  • 08.04. Köln
  • 10.04. Berlin
  • 11.04. Münster
  • 13.04. Köln
  • 14.04. München
  • 16.04. Heidelberg
  • 17.04. Nürnberg

Eivør - Bridges

Damen mit ø (II)

Die zweite Dame dieser Reihe stammt von den Färöer Inseln. Zum Studium zog es sie nach Reykjavik und aktuell lebt sie in Kopenhagen. Musikalisch blieb Eivør Pálsdóttiraber definitiv in ihrer Heimat verwurzelt. Obwohl sie erst Anfang 30 ist, blickt die Musikerin bereits auf eine ansehnliche Karriere zurück. Mit 13 gewann sie einen Gesangswettbewerb im färöischen TV, zwei Jahre später schloss sie sich der Band Clickhaze an. Wer sich deren Song "Indigo brow" anhört kann nachvollziehen, wie Eivør zu dem Beinamen "färöische Björk" kam. 
Mit der berühmten Isländerin lässt sich neuestes Album “Bridges” allerdings kaum vergleichen. Eher ist es das entspannte Gegenmodell zur quirligen Björk. Stellenweise fühle ich mich eher an Nina Persson erinnert. “Bridges” bietet poppige Singer/Songwriter Perlen mit Folktronic. Damit schließt es an das 2012er Werk “Room” an. 

Die Songs für “Bridges” hat Eivør auf Tour geschrieben. So stammt der Opener “Remember me” aus ihrer Zusammenarbeit mit Gavin Bryars für den sie in dessen Kammeroper “Marilyn forever” die Marilyn Monroe gab. Laut Promotext handeln die Titel “von mentalen Verbindungen zwischen Menschen oder Orten, zwischen der Heimat und der Ferne”. Eivør weiß zu bezaubern und ihre vielseitige Stimme in Szene zu setzen. Musikalisch kann “Bridges” ansonsten einen Tick zu gleichtönig wirken. 

Mir gefallen besonders “Faithful friend”, der Titelsong , “Tides” und “On my way to somewhere”. 

Das Video zum Opener “Remember me”:

Eivør nimmt sich viel Zeit für Konzerte in Deutschland und sie hat sich eine sehr außergewöhnlich logische Reiseroute zurechtgelegt:
  • 06.03. Flensburg
  • 07.03. Worpswede
  • 08.03. Hamburg
  • 10.03. Hannover
  • 11.03. Berlin
  • 12.03. Halle (Saale)
  • 13.03. Jena
  • 14.03. Dresden
  • 16.03. Nürnberg
  • 17.03. Frankfurt
  • 18.03. Köln
  • 19.03. Karlsruhe
  • 20.03. Freudenberg
  • 21.03. Stuttgart
  • 22.03. München

Susanne Sundfør - Ten love songs

Damen mit ø (I)

Der Vokal "ø" kommt in der norwegischen, dänischen, farörischen und altisländischen Sprache vor. In dieser Reihe von Gerichstverfahren dient er als kleinster gemeinsamer Nenner von Künstlerinnen, welche aus einigen der entsprechenden Länder stammen und ein "ø" im Namen tragen.

Susanne Sundfør ist eine beliebte Gastsängerin: Den Titelsong von Nils Petter Molværs “Baboon moon” veredelte sie mit ihrem Gesang. Für M83 steuerte Sundfør 2013 Vocals zum Titelsong des “Oblivion”-Soundtracks bei. Mit Röyksopp verbindet sie die gemeinsame norwegische Heimat sowie musikalische Kollaborationen in Form des Songs “Running to the sea” und des Depeche Mode Covers “Ice machine”. 

Neben solchen Zusammenarbeiten kann Sundfør seit 2007 auf nunmehr bereits sechs veröffentlichte Alben zurückblicken. Vielleicht wollten sich Anthony Gonzalez (M83) und den beiden Herren von Röyksopp revanchieren, auf jeden Fall unterstützten sie Sundfør bei den Aufnahmen zu ihrem aktuellen Werk. Eigentlich sollte dieses Gewalt thematisieren. Daraus wurden nun einmal “Ten love songs”. Ähnlich groß ist auch die Spannbreite der Titel darauf: Allein wegen der Länge von zehn Minuten muss der Kammerpopsong “Memorial” erwähnt werden. “Trust me” stellt die Stimme der Sängerin wohltuend in den Mittelpunkt. Recht mitreißend sind die elektronik-/dancelastigen “Accelerate”, “Delirious” und vor allem “Insects” geraten. 

The Guardian:
Ten Love Songs shows a command of artpop, chilly synthpop, and that simultaneously joyous and desperate disco that seems to seep out of Scandinavia in an unending flood: it’s both appealingly direct yet perfectly thought-through.

Meines Erachtens hätte Sundførs Stimme durchaus noch mehr Platz eingeräumt werden können, aber auch so ist “Ten love songs” ein hörenswertes Album. 

“Delirious” live im TV:

Susanne Sundfør live auf deutschen Bühnen:
  • 12.03. Köln
  • 16.03. Hamburg
  • 17.03. Berlin

Public Service Broadcasting - The Race For Space

Erstmals Notiz genommen habe ich von Public Service Broadcasting im Mai letzten Jahres im Vorprogramm eines Konzertes der Manic Street Preachers. Die beiden Musiker aus London, die sich J. Willgoose, Esq. und Wrigglesworth nennen, standen hinter einer Phalanx elektronischer Geräte und griffen gelegentlich auch zu Gitarre oder Banjo. Begrüßung des Publikums und Ansagen erfolgten nach Knopfdruck durch eine Computer-Stimme, gesungen wurde auch nicht, dafür wurde ihre Mischung aus Krautrock, Electronica, Ambient und Postrock mit Sprach-Samples, die aus alten Filmen, Dokumentationen, Propaganda-Material oder Nachrichtensendungen stammten, unterlegt. Passend dazu wurden die Songs durch die entsprechenden Ausschnitte, die auf einen stilisierten, riesigen TV-Apparat projiziert wurden, visuell unterstützt. 

Im Rahmen eines halbstündigen Live-Auftrittes war dies sehr unterhaltsam und kurzweilig, aber ich hatte Zweifel, ob das Konzept auch über einen längeren Zeitraum und ohne optische Unterstützung, also bei einem Tonträger, funktionieren würde. Tut es.

"The Race For Space" ist nach "Inform-Educate-Entertain" (2013) das zweite Album des Duos. Auf diesem forschen Public Service Broadcasting thematisch dem Wettrüsten zwischen den Großmächten USA und UDSSR zwischen den Jahren 1957 und 1972 nach und nutzen, unter Beibehaltung ihres Masterplans, Quellen aus dieser Epoche. Das Plattenhülle ziert wahlweise ein Highlight der amerikanischen (Mondlandung) bzw. russischen (Sputnik) Raumfahrt-Geschichte.

Eröffnet wird das Album von John F. Kennedys "We choose to go to the moon"-Rede und umkreist daraufhin die Planeten Pink Floyd ("E.V.A.") und Kraftwerk ("The Other Side"), zündet seinen Mogwai-Antrieb ("Go") und gerät in einen Moby-Kometenhagel.
"Valentina", vielleicht der schwächste Song der Platte, wird vom ätherischen Gesang der Smoke Fairies umsäuselt und "Gagarin", eine tanzbare Mixtur aus Big Beat sowie der Titelmelodie von "Magnum", wurde zur ersten Single erkoren. Im dazugehörigen Video tragen unsere beiden Helden stilgerecht Raumanzüge:

The joy here is in how the duo marry theme and function. It sounds trite, but you could honestly take the samples out and there’d still be an emotional story to tell. There’s JFK’s voice ghosting over an angelic choir nestling just on the right side of Monty Python, there’s the beeping signal of the pioneering “Russian moon” built into the loping, housy rhythm of ‘Sputnik’; there’s ‘E.V.A’s’ portrayal of Alexey Leonov’s first spacewalk through quietly disorientating switches in timing and mood, breaking from excitement and speed to a gentle drifting. ‘Fire in the Cockpit’ abandons strong rhythms in favour of faint cellos and static supporting news reports presented without editing, underlining the stark tragedy of the Apollo One deaths, while ‘Go’ rejoices in the sheer speed and excitement of the first manned moon landings, confident and playful, and ‘Gagarin’ marks the first man to ever leave the planet with some seriously celebratory funk. In a showing of real confidence ‘Valentina’ drops the archive gimmick altogether to give the first woman in space a voice away from the propagandising Soviet media via the ethereal voices of ‘dream pop’ duo Smoke Fairies.

Best of all is ‘The Other Side’, which uses radio transmissions from NASA’s mission control to trace Apollo 8’s journey as the first manned craft to orbit the moon. A Kraftwerk-inspired electronic bed swells and jitters before dropping away as the crew pass out of radio contact. It’s cinematic and beautiful and, genuinely, when it bounds back into life and that rickety shuttle, constructed by a race who’d only discovered the aeroplane fifty years before, achieves lunar orbit while a calm voice informs them “there’s a cheer in the room” it will make you actually cry – history and melody and wonder hitting you all at once in a moment of complete joy and release. Just wonderful.
(Drowned In Sound)

Public Service Broadcasting live:
19. Mai München, Strom
22. Mai Berlin, Privatclub
23. Mai Köln, Blue Shell
19. Juni Hurricane Festival, Scheeßel
20. Juni Southside Festival, Neuhausen

Sizarr - Nurture

Das hoch gelobte Debütalbum der drei Jungs aus der Pfälzer Provinz konnte auch die Richter bei Platten vor Gericht überzeugen: "Psycho Boy Happy" landete 2012 auf einem guten 14. Platz. Die damaligen Sieger, alt-J, ließen bereits letztes Jahr ihr "schwieriges zweites Album" folgen und konnten die Qualität sowie den Erfolg bestätigen (Platz 4 mit leicht schwächerem Punktedurchschnitt: 8,125 statt zuvor 8,500). Wird dies Sizarr nun auch gelingen?

Für "Nurture" arbeiteten Fabian Altstötter (Gesang, Gitarre), Philipp Hülsenbeck (Synthesizer) und Marc Übel (Schlagzeug) erneut mit dem Produzenten Mark Ganter (Casper, Tocotronic) zusammen und schoben ihren Synthie-Pop noch einmal deutlich in Richtung 80er Jahre. 

"Clam" könnte auch als eine vergessene Single von Duran Duran durchgehen und "Timesick" dürfte nicht nur Tina Weymouth und Chris Frantz, der Rhythmus-Gruppe der Talking Heads gefallen, sondern auch den Fans dieser Band, die deren poppiges Spätwerk ("Little Creatures") zu schätzen wissen. Stimmlich ist Fabian Altstötter auf diesem Stück auch recht nah an David Byrne gerückt, präsentiert sich aber auf Albumlänge einerseits gewohnt soulig, andererseits deutlich wandlungsfähiger.  
Das melancholische "Baggage Man", das mit "Einsamkeit" und "Zweisamkeit" erstmals bei Sizarr zwei deutsche Begriffe an exponierte Stelle setzt, schafft in seiner Coda den Wechsel hin zu einem optimistischen, an Red Box erinnernden Ah-li-ayo-Singsang (oder so ähnlich). "Scooter Accident" zeigt Sizarrs Mut zum Experiment, schließlich lassen sie den Song zur Hälfte abrupt abbrechen, um nach einer stillen Minute wieder an Tempo aufzunehmen, und "Untitled" konzentriert sich allein auf Gesang und Piano, umspült von Wellenrauschen. 

Auch wenn das Plattencover bestenfalls als nicht besonders gelungen bezeichnet werden kann und gegen Ende ein bis zwei Songs das hohe Niveau des restlichen Albums nicht halten können ("Slightly", "You And I"), muss man sich wirklich keine Gedanken, um ein gutes Abschneiden von "Nurture" bei Platten vor Gericht (oder anderswo) machen.          

Während das Debüt noch gut zum damals heißesten Scheiß - vor allem Alt-J und Django Django - gepasst hat, geht es nun doch einen großen Schritt zurück in die 80er. Als pränatale musikalische Spurensucher pendeln Sizarr nun zwischen großen, wavigen Pophymnen (etwa "Clam" oder "I May Have Lied to You") und verwundbaren E-Piano-Elegien für junge Liebende ("Untitled") und werden dabei zu Epigonen der Indie-Heroen von vor 30 Jahren.
Melodien und Harmonien lehnen sich da gerne an The Cures "Disintegration" und allgemein an The Smiths an, mit einem Auge schielt auch noch The Police hinter den sanften Synthiebergen hervor. Sänger Fabian Altstötter klingt dazu noch nach einem gutem Mix aus Jonathan Meiburg (Shearwater) und Zach Condon (Beirut). Gute Voraussetzungen schon mal. Dann sind auch noch nahezu sämtliche Refrains auf Indie-Hit getrimmt und die Tanzbarkeit - mal wild, mal mild - wird zum höchsten Gut erhoben. Auch deshalb fühlt sich "Nurture" nach gutem altem Freund an, schon nach wenigen Durchgängen ist man vollends damit vertraut.
Überhaupt dieser Titel, "Nurture". Ausgehend von der Erziehung geht's lyrisch dann doch wieder einmal um die großen Fragen der Existenz, dem Konflikt mit der "nature" inklusive. Alles schlüssig. Gestelzt kommt dabei nur der zwanghaft anmutende Versuch rüber, "Einsamkeit" und "Zweisamkeit" in den englischen Wortschatz zu integrieren, die sind eben noch längst keine "angst", "gemutlichkeit" und "weltschmerz".
(the gap)

Das wichtigste Organ ihrer Band Sizarr ist die melancholiegetränkte Stimme des 23-jährigen Sängers Fabian Altstötter. Sie ist auf „Nurture“, dem zweiten, angenehm düsteren Opus, wichtiger denn je. Sie wartet mit einem Paradox auf, indem sie gleichzeitig Coolness und soulige Hitzen abstrahlt. Auf „Baggage Man“ mäandert sie zwischen den großen Gefühlen, die Einsamkeit und Zweisamkeit auslösen. „Oh Einsamkeit, my interior‘s wasted land, my hips and lips lie idle, for yours to replan“, lechzt der Protagonist nach einem Gegenüber. Ist es dann da, regnet es Zweifel. „Oh Zweisamkeit, how many more repeats until I learn the differences between desire and need?“, singt Altstötter mit attraktiv brüchiger, heller Stimme. Ja, Sehnsucht war immer schon ein großes Sujet in der Popmusik. (...)
Sizarr tönen noch internationaler als auf ihrem Debüt. Mit ihren impressionistisch gesetzten Baßläufen, ihren stets verspielten Gitarrenklängen und den munteren Rhythmen, die ein kluges Gegengewicht zum existenziell schweren Gesang Altstötters bilden, könnten sie genauso gut aus Sheffield oder Birmingham kommen.
(Die Presse)

Sizarr unterwegs:
26.03. Stuttgart, Universum
27.03. Freiburg, Schmitz Katze
08.04. Bremen, Lagerhaus
09.04. Hamburg, Übel & Gefährlich
10.04. Köln, Gebäude 9
11.04. München, Strom
12.04. Nürnberg, Club Stereo
13.04. Frankfurt, Zoom
15.04. Dresden, Scheune
16.04. Leipzig, UT Connewitz
17.04. Berlin, Lido
22.-24.05. Mannheim, Maifeld Derby

Dan Deacon - Gliss Riffer

Dan Deacon ist der Mann, dem ich mein bestes Konzert 2010 zu verdanken habe. Triefend nass verließ ich nach seiner Perfomance das Spiegelzelt auf dem Haldern Pop Festival und war einfach nur geflasht. Deacon baut seine Soundmaschinen mitten im Publikum auf und wenn er sie anschmeißt und die Knöpfchen dreht kann man nicht anders, als das komplette Konzert durchzutanzen.

Auf Grund dessen ist das Erlebnis, eine Platte von ihm aufzulegen auch nur halb so schön. Zumindest bin ich nicht schweißgebadet, wenn der letzte Song verklungen ist. Nichtsdestotrotz erhielt sein 2009er Album Bromst im Nachklang des Konzerts 8 Punkte von mir. Der Nachfolger America fand hier bei uns gar nicht statt, hätte aber noch gute 7 Punkte von mir einstreichen dürfen. Mit Gliss Riffer erschien die Tage sein neues Album und es

ist einerseits Deacons Rückbesinnung auf einfachere, direktere Songstrukturen und weniger Brimborium als auf dem anspruchsvollen Vorgänger "America". Andererseits experimentiert der 33-Jährige hier so verspielt wie nie mit seiner eigenen Stimme. Ja, auch die weiblichen Stimmen sind allesamt von Deacon eingesungen und einmal durch den Fleischwolf gedreht, bis wie im Opener "Feel the lightning" ein kleiner Hit mit einem Augenzwinkern zu Bands wie Purity Ring dabei herausspringt. (plattentests.de)

Dan Deacon - Feel The Lightning (Official Video) von domino

Am ehesten erinnern die Produktionen an die Ruhelosigkeit und den unbedingten Experimentierwillen von Animal Collective oder Matmos. So klingen etwa »Sheathed Wings« oder »When I Was Done« nach der ganzen Welt, die durch ein billiges Fisher-Price-Keyboard gejagt wird. In »Meme Generator« treffen dann hyperventilierende Samples auf Mickey Mouse und Casiotone auf Kunst. Deacon entledigt sich ein Stück weit seines bisherigen Aufmerksamkeitsdefizitsyndroms und fühlt sich spürbar weniger der Avantgarde verpflichtet, was der Hörbarkeit entschieden guttut. (intro.de)

Dan Deacon - Learning To Relax (Official Audio) von domino

Konzerte sind vorerst leider nicht in Sicht. Ende Mai/Anfang Juni bespielt Dan Deacon diverse Festivals in Spanien, Frankreich, Portugal und den Niederlanden.

Charlie Winston - Curio city

Charlie Winston hat eine einprägsame Stimme, ist vielseitig und kann sehr gefällige Songs schreiben. Das macht ihn und seine Musik offensichtlich für den Einsatz in Werbung, TV und Soundtracks interessant. Einen guten Teil seines Erfolgs verdankt Winston diesen Kanälen. 

Seinen bislang größten Hit “Like a hobo” aus dem Jahr 2009 sollten viele Menschen noch im Ohr haben. Das Album “Hobo” zum Hit schaffte den Sprung in die Charts vieler europäischer Länder und ich wäre nicht überrascht gewesen, wenn er solche Erfolge im Zweijahrestakt wiederholt hätte. 

Doch wirklich nachhaltig ist Winstons Popularität bislang nur in Frankreich. Dort erschien 2011 der Nachfolger “Running still” und auch sein viertes Album “Curio city” scheint wieder vor allem in französischsprachigen Ländern gut anzukommen. Eine Weile lebte Winston in Paris, inzwischen lebt er wieder in seiner englischen Heimat.

“Curio city” ist erneut ein vielseitiges Album aber es wirkt auf mich noch glatter als “Hobo”. Die Songs “Wilderness”, das starke “Another trigger” und “Lately” haben Hitpotential. Ansonsten ist “Curio city” Untermalung für gute Laune und gefälliges Futter für Werbung, TV, Soundtracks… und Frankreich. 

Das Video zu “Lately”:
Charlie Winston | LATELY from Ellis Bahl on Vimeo.

Dem Terrorverlag gefällt "Lately" nicht, ansonsten stimme ich dessen Einschätzung weitgehend zu:
Die festen Arrangements beißen sich mit den Sekunden, in denen CHARLIE WINSTONS Stimme frei und luftig daherkommt, so als renne man aneinander vorbei. Auch finden sich mit “Lately” und “Evening Comes” zwei schwache Stücke, die einen anderen aktuellen Konflikt des Musikers offenbaren: Schnell ist man ohne Spannungsaufbau beim Höhepunkt. Mit simplen Melodien schreitet er flink nach oben, ohne einer mitreißenden Melodie entgegenzustreben. So rasant dieser Höhepunkt erreicht ist, so schlagartig ist er auch schon wieder vergessen. 
Charlie Winston auf Tour:
  • 29.04. Berlin
  • 02.05. München
  • 03.05. Köln
  • 05.05. Hamburg

Noel Gallagher's High Flying Birds - Chasing Yesterday

10 Fakten zum neuen Album von Noel Gallagher:

1. Zumindest mit dem Albumtitel ist Noel Gallagher bereits jetzt nicht mehr zufrieden. Auf die Schnelle hat er diesen, denn dass so ein Album einen Titel benötigt, ist schließlich sehr überraschend, einer Textzeile aus dem Song "While The Song Remains The Same" entliehen und würde nun "Ballad Of The Mighty I" bevorzugen. Zunächst hatte er noch gescherzt das Album würde "Dark Side Of The Room" oder "Wheat Is Murder" heißen. Zumindest steht er diesmal nicht auf der Schulter von Riesen.

2. Apropos "Ballad Of The Mighty I": Der Song wurde nicht nur als zweite Single ausgewählt und beschließt das Album, auf ihm ist auch Johnny Marr (The Smiths) an der Gitarre zu hören. Noel Gallagher wollte dessen Mitwirken bereits auf "AKA... What A Life!", nun hat es endlich funktioniert.

3. Da Dave Sardy, Wegbegleiter und Produzent seit 2005 ("Oasis' "Don't Believe The Truth") nicht zur Verfügung stand, übernahm Noel Gallagher diesen Job auf "Chasing Yesterday" selbst. Und viele Instrumente spielte er selbst ein: "The guitar, the bass, various keyboards, the tambourine, the washboard, the electric kazoo, the triangle, the wineglasses, the electric kettle and you know the bathtub with the thing in it. That didn't make the final cut, but I tried it."

4. Die Aufnahmen von "Chasing Yesterday" waren bereits im Juli 2014 abgeschlossen. Aufgrund der Tourneepläne und der Oasis-Wiederveröffentlichung wurde das Album aber bis jetzt zurück gehalten. "In The Heat Of The Moment" war der letzte Song der für das Album aufgenommen wurde und "The Mexican" schaffte es zuletzt doch noch aufs Album, obwohl es in der ursprünglichen Trackliste dafür nicht vorgesehen war.

Noels’ new record sails through at an even pace, like a convertible cruising down a desert highway at about 80 miles per hour. It never quite gives you an adrenaline rush, but it has no interest in slowing down either. Tracks like the gritty/driving “The Mexican” demonstrate this, as it jams the crunchy guitar and cowbell until you bob your head so much it falls off.
“The Dying of the Light” is one of the most striking songs I’ve ever heard from Gallagher, Oasis included. It’s a little haunting, a little atmospheric, with melodies falling perfectly into place as they start stacking and congealing.
A new addition to the sound is the placement of a few smooth saxophone solos, which are set to some 1970’s psychadelic jams in “The Right Stuff” and “Riverman”. Other tracks are filled with guitar solos, interesting tones, instantly-recognizeable melodies, and prominent groovy beats.
If you’re looking for some of that early Oasis-y rock sound, you’ll find it in the fist-pumping “Lock all the Doors”, which definitely maybe harkens back to the familiar sound of 1994’s Definitely Maybe.
It seems that Noel Gallagher has reached a point in his songwriting career where he can just crank out tunes at a level that most artists never quite achieve. Obviously, you need to enjoy (or at least tolerate) the Brit-Alternative genre in order to appreciate his work, but this new collection is full of really well-written songs. It might take a few more listens to evaluate properly, but Gallagher may have just outdone himself. In the few years he has been solo, he certainly has outdone much of the Oasis body of work.
(the five 10)

5. Da der Veröffentlichungskalender mittlerweile recht weit auseinander gezogen ist, werden die 10 Songs (43:52 Minuten) zwischen dem 25. Februar (Japan) und dem 06. März (Australien / Neuseeland) über Noels eigenes Label Sour Mash Records veröffentlicht werden. Angeblich standen 50 bis 60 Titel zur Auswahl.

6. Fans und Sammler können zwischen Download, CD (Standard / Deluxe mit leicht variierendem Cover) und LP auswählen und dadurch die Trackliste mit den B- Seiten der beiden Singles ("Do The Damage", "Revolution Song"), dem bereits 2011/12 live präsentierte "Freaky Teeth" und einen Remix von "In The Heat Of The Moment" erweitern. Auf der japanischen Ausgabe befindet sich zudem noch "Leavy My Guitar Alone".

7. "In The Heat Of The Moment" und "Ballad Of The Mighty I" wurden bereits im November bzw. Januar als Singles veröffentlicht. Noel Gallagher bezeichnet jedoch "Riverman" ("It's got saxaphone solos on it. Don't think of Spandau Ballet. You're going to love it.") als seinen liebsten Song auf dem Album. Mit "Do The Damage" wurde auch die hoch gelobte B-Seite der ersten Single mit einem Video versehen: 

8. Dass Noel Gallagher nicht viel von Videodrehs hält, ist kein großes Geheimnis. Im Video zu "Ballad Of The Mighty I" wird dies herrlich dargestellt: Noel muss das tun, was er am häufigsten bemängelt, nämlich durch die Gegend laufen, für ein Selfie mit dem Regisseur herhalten, sich von diesem Liam nennen lassen und hören, dass Chris Martin sogar für 10 Takes bereit stand.  

Last year, longtime associate and occasional hype-man Mark Coyle predicted that 'Chasing Yesterday' would be a “seismic” release. As it turns out, that’s only three quarters true. You can guess from the title, for example, that ‘Riverman’ is going to plough a distinctly Wellerian furrow, though you have to admire Gallagher’s chutzpah in sticking a Dick Parry-style sax solo (now there’s a Liam-baiting phrase if ever we heard one) on the end of it. ‘The Right Stuff’ features even more skronking, adding a further layer of jazzy noir to a stew of psych, soul and blues that could’ve been cooked up by Primal Scream. The Johnny Marr-featuring ‘Ballad Of The Mighty I’, meanwhile, might self-plagiarise from 2011’s excellent ‘AKA... What A Life!’, but as evidenced by ‘Lock All The Doors’ – which does much the same thing with Oasis' 1995 classic ‘Morning Glory’ – the trick is to crib from the right places, whether they’re his own songs or somebody else’s. 

Which brings us back to our original question: what do we expect from Noel Gallagher? Too much, probably, like all the other ’90s Britrock titans who’ve never been adequately replaced. 'Chasing Yesterday' has its flaws, but they’re far outnumbered by moments where it succeeds in catching up with its titular quarry. The past will never be a foreign country to Noel Gallagher, but from this vantage point, tomorrow is looking pretty rosy.

9. Noel Gallagher muss als Solokünstler weiterhin auf eine Nummer Eins-Single warten: Bisher waren neben einem enttäuschenden 11. Rang ("If I Had A Gun...") die Plätze 2 ("The Death Of You And Me", "AKA... What A Life!" und "Everybody's On The Run") und 3 ("Dream On") für ihn reserviert. Und wie charteten "In The Heat Of The Moment" und "Ballad Of The Mighty I"? Klar, auf der 2 und 3.
Wir sprechen hier selbstverständlich von den Indie Charts. In den regulären Hitlisten reichte es nur für die Plätze 26 und 75.

10. Noel Gallagher's High Flying Birds werden "Chasing Yesterday" in den kommenden Monaten auch in Deutschland live präsentieren:
16.03.15 Berlin, Max-Schmeling-Halle
19.03.15 Düsseldorf, Mitsubishi Electric Hall
19. / 21.06.15 Hurricane Festival, Scheeßel / Southside Festival, Neuhausen

Nite Fields - Depersonalisation

Müsste man für die australische Band Nite Fields ein passendes Label finden, so wäre Rough Trade Records eine gute Wahl. Sollte man das Quartett zeitlich versuchen einzuordnen, würden vielleicht viele auf Mitte bis Ende der 80er Jahre tippen, um den unterkühlten und monotonen Klang von Post-Punk, das Schrammelige und den Jangle-Pop der C-86-Bands und die verträumten, verhallten Anfänge des Shoegaze mit einzubeziehen.

Chris Campion, Liza Harvey, Danny Venzin und Michael Whitney bilden zusammen die Band Nite Fields, die aus Brisbane stammt, aber mittlerweile in Sydney residiert, und mit "Depersonalisation" nun ihr erstes Album veröffentlicht hat. Freunde düsterer, schwermütiger und sphärischer Klänge zwischen Joy Division, The Cure, The House Of Love, The Jesus And Mary Chain und The Church können das Album (9 Songs in 34 Minuten, denen man die erste Single "Vacation" durchaus noch hätte hinzufügen können) über Bandcamp als Download (8 €), CD im Digi-Pack (18 €) und LP (30 €, jeweils inkl. Versandkosten) beziehen. 

Als Anspieltipps seien das akustisch-melancholische "Like A Drone" und das poppig-eingängige "You I Never Knew" genannt. Nicht umsonst wurde dieser Song neben "Prescription" als Single ausgesucht.
Nach dem Hören von "Depersonalisation" dreht man das Cover besser um 180 Grad, denn hier behält eindeutig das Schwarze die Oberhand.

The sweeping synths and deep bass on intro track “Depersonalised” give way to the ringing opening guitar line of “Fill The Void”, where depressed vocals and driving bass lines make for an obvious initial comparison to Joy Division, though the reverb-soaked guitar chords and beautiful melodic instrumental work that build throughout the song takes it in an entirely different and satisfying new direction. “You I Never Knew” is a bittersweet pop song with parallel guitar lines dancing around a relentless military beat, while “Come Down” carves an achingly beautiful melody out of wall-of-noise reverb, cutting guitar, and heavy rhythmic drumming, showing off the band’s masterful combination of dark ambiance and memorable pop song writing.

Like Joy Division, most of the songs are driven on by drums and bass. But where Nite Fields differentiate themselves is through their understanding of melody and harmony, with repeating swirling guitar riffs and icy reverb, over hypnagogic monotone vocals. There are a few surprises on this release, like the clean-sounding traditional goth rock of “Prescription” or the psych-acoustic folk of “Like A Drone”, but generally the revels in a consistent and melancholy shoegaze. Rarely do you hear this type of music sounding so detailed and clear, but Nite Fields have avoided the propensity of similarly-inspired indie bands to bury their intricacies in fuzz,. It’s a wonderful mix of high-quality mixing, nostalgic influences, honest lyricism, and emotional vocals, making for an inspiring debut.
(life is noise)

“Fill the Void” is the first time we hear a human voice, and we barely place its latency as it hugs the backdrop of a distant bass guitar. Somewhere between Nick Cave and Morrissey, vocalist Danny Venzin doesn't quite sing, rather, he mourns with an alluring grace that haunts. It's difficult to pinpoint individual instruments due to the reverb and a lo-fi quality. As a result, “Fill the Void” is just that: an abyss so vast that sounds bounce back and forth before getting lost in an amorphous cloud of energy and noise.

Most of the album plays out like this; each track resembling a psych-rock, dream-pop outro of sorts. “Come Down” is another track that casts moody shadows as it nestles between similarly reverberated tracks, but alternatively, more upbeat ones, like “Pay For Strangers.” This short, but sweet, song is timid, yet warmer than previous tunes. Despite an awkward tempo hiccup between an ambient guitar and a more structured bass drum around the first minute, the track resolves in a refreshing glow that counters the melancholic, broody songs that came before.

“You I Never Knew” is the single from Depersonalisation, and it should be. It's the song with the most structure and probably the clearest vocals, making it perfect for new listeners to grasp onto. A moderately tempo-ed drumset keeps the track lively, while the bassline and the guitar swirl around droning vocals that sing of “missed connections.”

Depersonalisation is an album that's less about music and more about an ambiance. In this way, it can be a tad boring and hard to grasp; a sort of “background music” that isn't exactly dismissable, but not always memorable or enticing either. However, to give credit where credit is due, Depersonalisation is an ethereal piece of work that floats somewhere overhead, regurgitating a mood and painting an atmosphere, leaving the listener a shade darker with each listen.
(in your speakers)

Keine Zähne im Maul aber La Paloma pfeifen - Die Biellmann-Pirouette

“Die Band hier heißt Keine Zähne im Maul aber La Paloma pfeifen – ich glaube, davor hab ich Angst!”
“Hm... schick das mal dem Joerg, der findet das bestimmt gut. Der findet so Punkzeugs immer gut.“

Und so landete die “Die Biellmann-Pirouette“ schließlich auf meinen Schreibtisch. Was für ein Glück.

Musikalisch bewegen sich KZIMALPP auf mal mehr, mal weniger melodiösen Post-Punk-Pfaden zwischen schrammeligen Gitarren und sparsamer aber umso effizienterer Elektronik. Das klingt mal nach The Fall, Oma Hans oder Trend, mal nach den wenigen guten Momenten von Olli Schulz, ist musikalisch aber immer kantig genug, um auch ausgekochte Schubladen zur Verzweiflung zu bringen. Dabei hat das schlagzeugerlose Trio den ein oder anderen mindestens mittelgroßen Hit im Gepäck: Das kettcarige “60 Watt Sonne“ zum Beispiel oder das fast schon episch arrangierte “Dem Teufel Geld“. Oder “Halbe Stadt von unten“ oder “Du so als würdest Du noch schlafen“ oder oder oder. Textlich punkten die zwölf Songs des Albums durch eine sympathische Sperrigkeit, die sich angenehm vom ermüdenden Feinschliff anderer Bands abhebt. KZIMALPP sind clever aber nicht zu verkopft und wissen, wie viel man erzählen kann, ohne am Ende als Idiot dazustehen.  

“Keine Zähne im Maul Aber La Paloma Pfeifen“ sind genau das, worauf man als nicht ganz verblödeter punk- und biersozialisierter Enddreißiger bis Mittvierziger gewartet hat, wenn einem Turbostatt irgendwie zu süß und hip sind (man die natürlich trotzdem super findet, Ihr wisst was ich meine), man aber trotzdem nicht immer nur die gleichen alten Platten hören will.   

“Die Biellmann-Pirouette“ schließt, bis auf die etwas detailverliebtere Produktion, an den Vorgänger “Postsexuell“ an, den man alleine schon für den Überhit “Leb so, dass es alle wissen wollen“ im Plattenregal stehen haben sollte. 

Nun erscheint mit die „Die Biellmann-Pirouette“ das zweite Album der Norddeutschen – gewohnt sperrig und mit der ein oder anderen eher anstrengenden Wendung. Für Musikjournalisten ist solch ein Album eigentlich eine Zumutung. Ein Genre-Mix, den man kaum in Worte fassen kann, ohne sich damit zu blamieren. Dazu kommen Texte, bei denen man nie weiß, ob sie nun bitterernst gemeint sind oder der Schalk im Nacken der Musiker doch die Oberhand gewonnen hat.

Versucht man die Musik doch irgendwie in Worte zu fassen, müssen Begriffe wie Postrock, Punkrock und Wave fallen. Der Rezensent sollte auf die Elektro-Sounds hinweisen, die tatsächlich zu einer Art Trademark werden. Genau wie die rotzige Stimme von Sänger und Gitarrist Jochen Gäde, der gesanglich immer wieder von Schlagzeuger Steffen Frahm unterstützt wird. Dass die Band zu allem Überfluss auch noch ein Händchen für feine Melodien hat, beweist sie bei „Das sind auch nur Existenzen“ und „Halbe Stadt von unten“. Hier sollte man dann auch Bassist Lars Stuhlmacher mit Namen nennen, schließlich lebt der Song zum Großteil von dem knarzigen Bass-Sound während der Strophe.

Am Ende schaffen es Keine Zähne im Maul aber La Paloma pfeifen das Niveau des Debütalbums zu halten. Der ganz große Moment fehlt zwar (noch), aber ein Werk wie dieses erschließt sich eben nicht nach dem dritten Hördurchgang.

21.03. Kiel – Hansa 48 (Record Release Party)
02.04. Flensburg – Kühlhaus
15.04. Bonn – Bla
16.04. Wiesbaden – Kulturpalast
17.04. Trier – ExHaus
06.05. Mannheim – Zum Teufel
07.05. Nürnberg – Stereo
08.05. Darmstadt – Künstlerkeller
14.05. Erfurt – Cafe Tikolor
15.05. Stuttgart – Goldmarks
16.05. Karlsruhe – Kohi
24.06. Kiel – Freilichtbühne Krusenkoppel

The Subways - The Subways

Subway ist seit Ende 2010 die Fastfoodkette mit den weltweit meisten Restaurants. Allein in Deutschland gibt es 592 Filialen. Während die Mitarbeiter Sandwitches, Wraps oder Salate zubereiten, wird der Laden selbstverständlich ausschließlich mit der Musik von The Subways beschallt. Nachdem deren letztes Album "Money And Celebrity" bereits vier Jahre zurück liegt, können es die Sandwichmacher vermutlich nicht mehr hören und sind dankbar für neue Hits im Stile von "Oh Yeah" oder "Rock & Roll Queen".

Nun sind The Subways eben The Subways und nicht gerade für große Neuerungen und bewegende Innovationen in ihrem Mix aus Indie-, Garage- und Punk-Rock bekannt. Selbst für den Albumtitel ist ihnen diesmal nicht viel eingefallen. Aber oftmals wird der Bandname als Albumtitel gewählt, wenn eine Neufindung oder Rückkehr zu den Wurzeln angezeigt werden soll. Im Falle von Billy Lunn (Gesang, Gitarre), Josh Morgan (Schlagzeug) und Charlotte Cooper (Bass, Gesang) heißt dies, dass sie selbst als Produzenten fungieren und so rockig, dynamisch und rau klingen wie zuletzt auf ihrem Debütalbum "Young And Eternity" (2006).

Fans der Band werden nicht nur "My Heart Is Pumping To A Brand New Beat" begeistert mitgrölen, wirklich brandneu ist hier aber nichts. Die Mitarbeiter von Subway werden es bestätigen können und vermutlich "Because Of You (Negative Love)", den einzigen zurückgenommenen, akustischen Song der Platte wieder und wieder laufen lassen. 

Die Anzahl der Schnellrestaurants der Kette Subway sinkt in Deutschland übrigens seit 2010 beträchtlich. Das soll an internen Streitigkeiten der Franchisenehmer mit dem Unternehmen liegen, könnte aber auch in der Musikauswahl begründet sein. 

Ansonsten stehen die Zeichen aber klar auf Rock. Schon der Opener "My heart is pumping to a brand new beat" tritt das Gaspedal durch. Lunn schrubbt One-Note-Riffs herunter, kratzt und bellt, während Bassistin Charlotte Cooper die "Ooh-ooh"s beisteuert. Auf diesem Terrain lassen die Briten traditionell nichts anbrennen, und auch im folgenden "I'm in love and it's burning in my soul" bestellen sie gekonnt den Acker – selbst wenn die Strophen hier gegenüber dem von Cooper gesungenen Refrain deutlich abfallen.

Ähnlich beschwingt geht es weiter: "Taking all the blame" grüßt als nette Ohrwurm-Single von nebenan in bester "Alright"-Tradition. Den größeren Effekt erzielt jedoch das geradeheraus rockende "Dirty muddy paws" mit staubtrockenem Garagen-Beat und gut geölten Gitarren. Dass viele der folgenden Songs irgendwie ähnlich klingen, mag für anspruchsvolle Hörer ein Problem darstellen. Nüchtern betrachtet sind "Good times" oder das eintönige Geschepper von "We get around" auch weniger gut als etwa der knackige, eingängige Zweiminüter "Just like Jude". Nüchtern betrachtet wirkt auch Lunns Hochspannungs-Gekreische an mancher Stelle deplatziert. Die nüchterne Herangehensweise kann man sich allerdings durchaus schenken, denn ein Album wie "The Subways" lebt weniger von Abwechslung und virtuosen Arrangements als von seiner Stimmung. Und selten war es so erfrischend, einer Band beim Abgehen zuzuhören. Welche Last auch immer zuletzt auf ihren Schultern gelegen haben, sie wurde offenbar im Gitarrenmeer versenkt. Das bedeutet allerdings keineswegs, dass wir uns nicht auch mal über ein etwas reiferes Werk freuen würden. 

The Subways in Deutschland:
17.02.15 Dresden, Alter Schlachthof
20.02.15 Berlin, Huxleys
21.02.15 Erfurt, Stadtgarten
22.02.15 Nürnberg, Hirsch
02.03.15 München, Tonhalle
10.03.15 Köln, Stollwerck