Neue Platten vorstellen, diskutieren und bewerten.




Samstag, 25. Oktober 2014

The Vaselines - V For Vaselines
Dirk Samstag, 25. Oktober 2014 0 Kommentare



















Eigentlich sind Eugene Kelly und Frances McKee von The Vaselines hauptsächlich dafür bekannt, dass Kurt Cobain sie als seine "favorite songwriters in the whole world" bezeichnete und mit Nirvana häufig coverte ("Son Of A Gun", "Molly's Lips" und "Jesus Doesn't Want Me for a Sunbeam"). Um so erstaunlicher, da sich die Band kurz nach der Veröffentlichung ihres Debütalbums "Dum-Dum" (1989) bereits aufgelöst hatte!

Nach einigen Compilations erschien erst 2010 mit "Sex With An X" das zweite Album der schottischen Alternativerocker. Für "V For Vaselines" ließen sie sich nun nicht ganz so viel Zeit. Aber nach 34 Minuten sind die zehn äußerst eingängigen Songs, die von Kellys und McKees Harmoniegesang  geprägt werden und an Teenage Fanclub ("Single Spies"), Pixies ("One Lost Year"), The Jesus & Mary Chain ("Crazy Lady") und The Ramones ("High Tide Low Tide") erinnern, auch bereits durchgelaufen. Beim Download über iTunes erhält man zusätzlich die Songs "Devil Moon" und "Messy Reflection". 
Michael McGaughrin (1990s), Frank Macdonald (Teenage Fanclub), Stevie Jackson (Belle & Sebastian), Graeme Smillie (Olympic Swimmers), Paul Foley (Mandrake Shepherd) und Scott Patterson (Sons & Daughters) konnten als Gastmusiker für "V For Vaselines" gewonnen werden.   



Frances McKee and Eugene Kelly still play off of each other beautifully. Songs like 'The Lonely LP' and 'One Lost Year' have strong, catchy, almost surfy riffs, and 'Earth is Speeding' has a squealing hot line under the verses. It’s enough to allow the curious easy listening vibe of 'Single Spies' a pass. But then there are lyrics that speak too much of adolescent frustration, peaking on the pub rollick 'Inky Lies', on which the duo unforgivably joins the ranks of bands who have “hey” shouted on their songs.

There are still shades of the familiar cheeky attitude in 'Crazy Lady' and 'Number One Crush', but it’s not really their schtick anymore. If anything, there’s a bit of fatigue in wafting through the lyrics, especially on album closer 'Last Half Hour', whose chorus refers to the "final curtain/end of the show". Then again, Sex with an X’s closing track, “Exit the Vaselines” was similarly suggestive. So who knows what The Vaselines will do next.
(Drowned In Sound)


Still, it’s not enough to deter fans of their usual guileless and effortless approach to song craft: vocal harmonies still predominate, and Eugene and Frances’ breezy interplay still works beautifully. Their ability to create strong, catchy riffs is all present and correct, and the use of different aspects of rock ‘n’ roll similarly prevails: opener “High Tide Low Tide” distinctly shares the same primitive and frantic pop brilliance of The Ramones, while "Last Half Hour"'s Spector-esque bass drum pattern is the album at its most languid and reflective, alongside the introspective, bittersweet “Single Spies”.

While Sex With An X sounded like the band had never been away, and rather a nostalgic counterpart to their 1989 debut Dum Dum, V for Vaselines is more indicative of a band who are decades into their careers, not so much mellowing with age, but sticking to what they know with slightly more focus on the present rather than the past. Granted, there are the sporadic moments where it doesn’t seem like The Vaselines have moved on that much at all – such as the lyrics that so frequently speak of adolescent frustration – and there’s a feeling that they aren’t quite stretching themselves enough here, but truth be told, we wouldn’t have it any other way. It’s a tried and tested formula, but no one really does it in a manner as unfailingly, beautifully hilarious as The Vaselines.
(The Line Of Best Fit)

Donnerstag, 23. Oktober 2014

Inspiral Carpets - Inspiral Carpets
Dirk Donnerstag, 23. Oktober 2014 0 Kommentare



















Liebe Kinder,

erst als Ende der 80er Jahre und Anfang der 90er Jahre mit Bands wie The Charlatans, The Stone Roses oder Happy Mondays aus England eine tanzbare Mischung aus Indierock und Psychdelia kam, zogen wir unsere "Frankie Say..."-T-Shirts aus und ersetzten diese durch solche mit dem Aufdruck "Cool As Fuck". Dazu trugen alle Pilzfrisuren, Baggy Trousers und psychedelisch gemusterte Hemden. Na ja, zumindest alle in Manchester, das damals kurzzeitig in Madchester umbenannt wurde. Das von der Band Inspiral Carpets vertriebene T-Shirt zierte zudem die Zeichnung einer unter Drogen stehenden Kuh. 

Das erste von vier Alben der Inspiral Carpets erreichte Platz 2 der Charts ("Life", 1990), mit "This Is How It Feels" (1990), "Dragging Me Down" (1992) und "I Want You" (1994) erreichten drei ihrer Singles die britischen Top 20. 1995 löste sich die Band auf. 

Von 1983 bis 1989 sang Stephen Holt bei den Inspiral Carpets, ihren Durchbruch feierten sie jedoch mit Tom Hingley als Sänger. Dieser blieb auch bis zu einer kurzfristigen Reunion vor einigen Jahren der Mann hinterm Mikrofon. 2011 teilte er das Ende der Band via Twitter mit, wurde aber von Clint Boon prompt korrigiert: Inspiral Carpets have not split up. It appears that one member has chosen to leave. 
Gut, wenn man einen Plan B in der Hinterhand hat: Nach 24 Jahren holten die verbliebenen Inspiral Carpets ihr Gründungsmitglied Stephen Holt zurück und arbeiteten an ihrem fünften Alben.

Für "Inspiral Carpets" wird das Quintett sicherlich keinen Originalitätspreis überreicht bekommen, jedoch dürfen sich Fans der frühen Veröffentlichungen auf eine Rückkehr zu den damaligen Klängen freuen: Von Bass und Gitarre getriebener Retro-Rock, der direkt aus der Garage (Nein, nicht das Programm Garage Band, sondern tatsächlich die Abstellmöglichkeit fürs Auto, denn dort wurde früher geprobt und musiziert. Mit richtigen Instrumenten.) zu kommen scheint und ständig von psychdelischem Orgel-Gedröhne untermalt wird. Ob nun Hingley singt oder Holt macht eigentlich keinen großen Unterschied, dass seit "Joe" ein Vierteljahrhundert vergangen ist, hört man der vitalen Platte nicht an.
"Spitfire" lautet der Titel der ersten Single, die nicht das Format von "This Is How It Feels" oder "She Comes In The Fall" hat, aber dennoch der beste Song des Albums ist und stilistisch stellvertretend für viele andere steht. "Changes", "You're So Good For Me" oder "Calling Out To You" hätten genau so auch 1990 auf "Life" sein können. Mit "Flying Like A Bird" lassen die Inspiral Carpets auch die sanfteren Töne wieder aufleben und an ihr zweites Album "The Beast Inside" (1991) denken. Während "Forever Here" gerne ein Song der Charlatans sein möchte, sind "Hey Now", "Our Time" und "Human Shield" Kandidaten zum Überspringen.


    
The album makes a storming start with the darkly atmospheric Monochrome, bristling with organ and guitar riffs. The sweetly yearning current single Spitfire (“You and I have future dreams / Where we could be as one”) heads up to the clouds with a soaring chorus. In contrast, You’re So Good For Me, the band’s comeback single from two years ago, seems a rather hesitant expression of love as redemption. A To Z Of My Heart shows a resigned acceptance of the uncertainties of life (“Some things sometimes happen for a reason that we never know why … The future will happen when the time is right”), with Holt reaching down for a deeper register and Boon pulling out all the stops.
One of the best tracks, Calling Out To You, builds up a compelling momentum in its desperate plea against loneliness, but the album’s slowest song Flying Like A Bird is also the weakest (love won’t last as “This bird ain’t got no wings”), with Beach Boys-like vocal harmonies failing to help it take flight. Changes has a catchy tune, a football terrace drum beat and an arresting comparison, “The click-clack cans of Coca-Cola / Sound like a soundtrack from Morricone”, but Hey Now comes across as a somewhat bland filler.
Beginning a bit like Velvet Underground’s I’m Waiting For The Man, Our Time shows a fuzzier side to the band, with echoey instrumentation, while though musically reminiscent of The Charlatans’ classic Weirdo, Forever Here has a defiant attitude of its own: “Nobody ever get in my way / I’m staying around now, won’t go away.” Let You Down’s organ riffs betrays the influence of The Doors, with distorted effects underlining untrustworthy love and Mancunian punk poet John Cooper Clarke speaking the words of a dodgy dealer, “Dr Reliable”. The thudding bass-line of Human Shield gives way to the relief of “When night falls and day breaks / You pick up the pieces and keep them safe” to close the album on a note of consoling love.
(musicOMH)

From the start, with the quick fade in and sharp delivery from Holt on 'Monochrome', everything feels immediate and there, no messing around. Clint Boon's keyboards remain a key part of everything, at once celebratory and a series of near fanfares, but it's also a treat just to hear how Martyn Walsh's bass and Craig Gill's drums are all about making you want to dance – the moves and feelings may be anything but what's new and now, but compared to where too many bands with members in their fifties can be, this actually feels fun and anything but forced. The secret weapon that the band always had, though, is just how sweetly yearning the songs could be at the same time – and Holt's warm voice and slice-of-life lyrics on love, life and memories match with Graham Lambert's guitars in particular to make that work. 'Spitfire' is a great example, Holt on the chorus stretching out his vocals just enough while Lambert's gentle melodies ride the energetic arrangement beautifully. When Boon takes over on the breaks it's a lovely contrast in turn, then when Lambert adds in another melody towards the end it's a killer touch.

The slight downside to the album is that it almost never stops to breathe as it goes, with the slower flow of 'Flying Like A Bird' bringing in the first full change six songs in. It's hardly that nearly everything else completely clones itself song for song, but you can almost pick any song and get the same feeling from it, making it a little hard for individual moments to stand out. But they're there, whether it's Holt's understated intensity on 'You're So Good For Me', a neat lyrical moment like "The click-clack cans of Coca-Cola/Sounds like a soundtrack from Morricone" on 'Changes', the slow burn rumbling rhythm on the closing 'Human Shield' – Walsh really bringing a nasty strong punch to things – or Boon's shimmering lead-in and chorus melody on 'A To Z Of My Heart' and frenetic jamming on 'Forever Here'.
(The Quietus)

Das Platten vor Gericht September Mixtape
Olly Golightly 0 Kommentare



Oldies but goldies - hören worüber wir damals schrieben: Das Platten vor Gericht-Mixtape mit Musik aus unseren September-Vorstellungen.

1. Army Navy – Crushed Like The Car
2. Chorus Grant – O Everyone
3. Die Sterne – Mach mich vom Acker
4. Orenda Fink – Holy Holy
5. The Kooks – Around Town
6. J Mascis – Every Morning
7. Elephant Stone – Three Poisons
8. You Walk Through Walls – Gone In A Day
9. Letting Up Despite Great Faults – Wrapped
10. U2 – Song For Someone
11. Erland And The Carnival – Quiet Love
12. Catfish And The Bottlemen – Sidewinder
13. alt-J – Every Other Freckle
14. Adam Cohen – We Go Home
15. JJ – All White Everything
16. Esben And The Witch – Blood Teachings
17. Einar Stray Orchestra – Politricks
18. Tennis – Never Work For Free
19. Paula & Karol – Someday
20. Moonlight Breakfast – Still
21. The Drums – I Hope Time Doesn’t Change Him
22. Thom Yorke – The Mother Lode



Platten vor Gericht // September 2014 from Platten vor Gericht on 8tracks Radio.


Mittwoch, 22. Oktober 2014

Holly Johnson - Europa
Dirk Mittwoch, 22. Oktober 2014 0 Kommentare

















Liebe Kinder,

nach 1984 trugen wir alle nur noch weiße T-Shirts mit schwarzen Aufschriften wie "Frankie Say War! Hide Yourself", "Frankie Say Relax Don't Do It!" oder "Frankie Say Arm The Unemployed". Ausgelöst hatte diesen Trend eine Kapelle namens Frankie Goes To Hollywood, die mit mit ihren ersten drei Singles "Relax", "Two Tribes" und "The Power Of Love" auf Platz 1 der britischen Charts kam. Das gelang zuvor nur einer Band namens Gerry & The Pacemakers, aber über die müsst Ihr Eure Großeltern ausfragen.

Frankie Goes To Hollywood waren richtige Skandalnudeln, Singles wurden wegen des Artworks verboten, Songs wegen der Texte von der BBC nicht gespielt und Videos nicht im Fernsehen gezeigt. Twerken und nackt auf einer Abrissbirne reiten ist nichts dagegen.
Nach zwei Alben ("Welcome To The Pleasuredome", 1984, "Liverpool", 1986) hatten Frankie aber nichts mehr zu sagen.

Der Sänger der Band, Holly Johnson, veröffentlichte seitdem fünf Soloalben und landete zumindest mit "Blast" (1989) und den Singles "Love Train" und "Americanos" Hits. Zwischendurch versuchte er sich auch als Maler, das Werk "United Kingdom After the Rain" ziert das Cover seiner aktuellen Platte "Europa", die im Gegensatz zu ihren drei Vorgängern auch die britischen Charts erreichte (#63).

"Europa" hat auf seinen 11 Songs zahlreiche prominente Mitstreiter zu bieten, darunter Vangelis, Phil Manzanera (Roxy Music), Frankie Knuckles oder Vini Reilly (Durutti Column). Besser wird es dadurch leider nicht.
"Europa" ist ein öder Mix aus 90er Jahre Dance und Europop ("Follow Your Heart"), House  ("Dancing With No Fear"), 80er Synth-Pop ("Heaven's Eyes") und schwülstigen Balladen ("So Much It Hurts", "The Sun Will Shine Again"). In Unkenntnis von "Hollelujah" (1990), "Dreams That Money Can't Buy" (1991) und "Soulstream" (1999) muss ich mich fragen, wie schlecht diese Alben waren, wenn sie im Gegensatz zu "Europa" die Charts gänzlich verfehlten. Es fällt mir wirklich sehr schwer hier einen Anspieltipp zu nennen - vielleicht den Titelsong?

Vor dem Hören von "Europa" hätte ich niemals gedacht, dass das Cover hier tatsächlich deutlich besser sein könnte als der Inhalt. Nun muss ich leider sagen: Hätte Holly Johnson doch den Pinsel nicht mehr mit dem Mikro getauscht! 

    

His voice has held up well over the years however, and as usual it’s a joy to hear him on form. If it weren’t for his presence, then many of these songs could easily be written off as half-baked synth pop. And there are times unfortunately when that voice is just not enough. The appalling Europop of Hold On Tight is beyond saving, whilst Dancing No With No Fear is by the book and uninspired. Yet despite these moments there are a few highlights. In And Out Of Love is bouncy cheesy pop that just for a moment pays homage to Morris Albert‘s Feelings and Frankie’s The Power Of Love. It’s a little straight up, but with vocal hooks this strong it’s one of the finer moments on the album. So Much It Hurts takes a more emotionally charged look at love and is a startling reminder of just what a fantastically talented vocalist Johnson is. It’s his presence that makes the song soar, because the tin-pot drums and programming threaten to derail it completely.
The title track Europa was apparently written with Vangelis in a studio situated in concrete bunker that had been designed for Hitler. This is reflected in the song’s darker tones and the theatrical zeal of Johnson’s vocals. It’s perhaps as close to the wired intensity of Two Tribes as the album ever dares to get and it provides a much needed break from the lightweight dance tunes. That said, it’s still awash in ’80s signifiers; from the guitar solo tones to the production, it’s all there.

Yet for every high point there’s something abominable or uninspired waiting to balance things out. Eurovision would find Hold On Tight a little bit obvious, the hokey synths of Lonesome Town detract from Johnson’s vocals, and the backing vocal of “leaves in a tea cup” on Heaven’s Eyes borders on parody. Thankfully there are a few moments, like the impassioned You’re In My Dreams Tonight that possess real passion, proving, as if proof were needed, that Holly Johnson is still a quite breathtaking vocalist. This album just doesn’t provide the musical support that he deserves.
(musicOMH)




Dienstag, 21. Oktober 2014

Claudia Brücken - Where Else
Dirk Dienstag, 21. Oktober 2014 0 Kommentare



















Liebe Kinder, 

bitte lasst Euch von dem Onkel und der Tante im Fernsehen, die Supersänger wie sich selbst suchen, nicht erzählen, dass sie in den 80er Jahren die einzigen Deutschen waren, deren Popmusik international wahrgenommen wurde. 
1984 veröffentlichte die Düsseldorfer Band Propaganda die Single - das war so etwas wie ein Klingelton - "Dr. Mabuse". Das dazugehörige Video lief in Deutschland häufig bei "Formel Eins", das war so etwas wie YouTube, nur dass man es pro Woche nur für 45 Minuten zu einem bestimmten Zeitpunkt sehen konnte, die Musikvideos wurden im Gegensatz dazu aber auch gezeigt. "Dr. Mabuse" und die nachfolgenden "Duel" und "p:Machinery" erreichten hohe (wenn auch nicht ganz so hohe wie "You're My Heart You're My Soul" und "99 Luftballons") Platzierungen in den Charts in England, Italien, Frankreich usw. und sind auch heute noch nicht peinlich. 
1990 veröffentlichten Propaganda ihr zweites und letztes Album.

Die Sängerin der Band, Claudia Brücken, war seitdem das ein oder andere Mal als Gastsängerin (u.a bei Jimmy Somerville, Blank & Jones oder Andy Bell) zu hören und veröffentlichte als Bandmitglied (zum Beispiel bei Onetwo, der Band, die sie zusammen mit ihrem Lebensgefährten Paul Humphreys (OMD) gründete) oder solo Platten. Zuletzt: "Where Else".

Auf "Where Else" pluckern die Keyboards softer als bei Saint Etienne oder Dubstar, ist die Gitarre (das Plattencover verrät es bereits) das dominierende Instrument, lassen sich Anklänge an Folk, Electronica, Blues und Synth-Pop heraushören und findet sich mit "Day Is Done" auch eine Coverversion von Nick Drake. 
"Where Else" entstand in Zusammenarbeit mit dem Komponisten und Produzenten John Owen Williams (The Housemartins, The Proclaimers, Petula Clark) im Frühjahr 2014 in dessen Studio in North Kensington, ist anders als erwartet, aber dennoch empfehlenswert. Die Songs "Nevermind" und "Letting Go" entsprechen noch am ehestem dem, was man vielleicht von der ehemaligen Propaganda-Sängerin erwartet hatte. 

Their well-crafted songs are built around strong journey-like narratives which tell tales of shattered trust, reconnection, and optimism rising from adversity, reflecting Brücken’s decision to move away from the synth bank and try out the guitar – an instrument she learned to play during the making of the album – as the central plank of her song-writing. “Walk right in” shimmers with echoes of English folk, while “How do I know” and the funky, guitar-driven “Moon song” are each, in their own way, invitations to intimacy.

The combination of a sharp, contemporary musicality and her preference for story-telling, which also reflects a lifelong admiration for great European artists like Piaf, Dietrich and potent American singer- poets such as Patti Smith and Lou Reed, is fascinating.

Beautifully integrated, delicate layers of sound cradle and support Brücken’s lucid vocals as she explores the complex territory of the troubadour and the chanteuse réaliste. Williams’s skill is such that hints of Velvet Underground darkness blend easily with Abba-esque riffs, creating a bittersweet world in which the emotional climate is never settled for long.
(The Art Of The Torch Singer)


Where Else travels down the blues/folk route and often stops off at some very decent tunes. I Want You is a good opener and Nothing Good Is Ever Easy does show that she still has a nice voice with a well formed song and catchy enough hook.

Whilst recording the album, Claudia learned to play guitar and the influences of that new skill are easy to see not only on the album sleeve but also in the tracks themselves. At times leaning heavily on guitar lines, the album shows a side to her that could well appeal to a new audience. Her time spent working with Paul Humphreys of OMD over a decade ago has also given her a break free from her past.

Day Is Done is recorded with love and respect and is a worthy tribute, and recent single Nevermind tickles a funky guitar line whilst it teases a chorus into the fore. It’s probably fair to say that there are no world beaters on Where Else, but it is a solid enough pop album with several good tracks.

There’s a feeling that this album is the pre-cursor to something rather special, and that’s an exciting prospect. There’s no doubt that Claudia has a lovely voice and also that the songs are well written attempts – as Moon Song also demonstrates – and that she does sound comfortable with a safe pop approach. Letting Go almost threatens to break into something bigger and louder but resists.

An accomplished and well-presented album that re-affirms Claudia Brucken as not only a part of British pop history but also a force that could re-emerge very very soon.
(Louder Than War)




Sonntag, 19. Oktober 2014

Meret Becker - Deins & Done
Dirk Sonntag, 19. Oktober 2014 0 Kommentare


















Im Gegensatz zu ihrem fünf Jahre älteren Bruder Ben fällt Meret Becker nicht durch peinliche-blamable bis höchst bedenkenswerte Aktionen (Ansager der Böhse Onkelz am Hockenheimring, Unterstützung der Hells Angels) auf. Auch musikalisch hat sie mehr zu bieten als "Große Freiheit: Lieder & Geschichten aus St. Pauli" (2005), den letzten Versuch Beckers als Sänger.

Mit "Deins & Done" veröffentlicht die zukünftige Tatort-Kommissarin einen 19 Lieder, Miniaturen, Instrumentals und Zwischenspiele umfassenden Songzyklus, der zwischen Kammerpop, Folk und Country oszilliert. Meret Becker singt darauf, deutsch, englisch, gelegentlich auch gar nicht, greift  zur singenden Säge oder Melodica und präsentiert ein versponnenes, zerbrechliches, verspieltes und märchenhaftes Album. Highlight der Platte ist "Mein Brauttanz", ein an "Stella Maris" erinnerndes Duett mit Blixa Bargeld von den Einstürzenden Neubauten. "Romeo & Juliet", "Grau", "Eternity" und "Snowflakes For Breakfast" würde ich als weitere Anspieltipps nennen. Auf "Donkey Song" und "Trinklied" hätte ich hingegen gut verzichten können.

Meret Becker nennt ihre Musik selbst "Musique en miniature" und beschreibt "Deins & Done" als ein Konzeptalbum über "gescheiterte Liebe", dessen Songs im Verlauf von zwölf Jahren entstanden sind. Somit ist es nicht verwunderlich, dass zusammen mit Buddy Sacher ein ruhiges, zurückhaltendes und melancholisches Album entstanden ist.      

Meret Becker singt ihre deutsch- und englischsprachigen Lieder reduziert, verhuscht-feenhaft. Dass ihre Stücke dabei fast wie Demos klingen, ist ein Kunstgriff, der schon immer ihren Großstadtblues auszeichnete. Sie beherrscht auch die Kunst des gepflegten Duetts, das sie dieses Mal wieder mit dem einstürzenden Neubauten-Sänger Blixa Bargeld anstimmt. Weggefallen sind inzwischen die französischsprachigen und jiddischen Lieder und auch zur Singenden Sänge greift Meret Becker nur noch selten.
"Deins & Done" klingt mehr aus einem Guss als die Vorgängeralben und vor allem countriesker. Sie sagt, dass sie ihre Songs an den Cowboy in uns richtet, der für das Andere steht, den Ausweg, die Utopie, das Abendteuer. Und so ist "Deins & Done" ein Album von einem Outlaw für den Outlaw.
(BR)



Meret Becker live:

15.01.15 Reutlingen, Franz K
16.01.15 München, Lustspielhaus
25.02.15 Osnabrück, Rosenhof
26.02.15 Mannheim, Capitol


Samstag, 18. Oktober 2014

Shellac - Dude incredible
Ingo Samstag, 18. Oktober 2014 0 Kommentare























Steve Albini ist kein Weichspüler. Maßgeblich an der Enstehung von Nirvanas “In utero” beteiligt sagte er damals voraus, dass die Plattenfirma dieses Album wegen seiner Unzugänglichkeit nie veröffentlichten würde. Er irrte sich. Als Produzent von u. .a. The Auteurs’ “After murder park”, Helmets “Meantime”, The Pixies’ “Surfer rosa” und Joanna Newsoms “Ys” scheint er sich ansonsten musikalisch selten zu irren. Seine Ideen lebt er nicht nur am Mischpult sondern auch in der Band Shellac aus. 1992 mit Todd Trainer und Bob Weston in Chicago gegründet steht diese für anspruchsvolle bis angenehm anstrengende Rockmusik. 

Sieben Jahre nach “Excellent Italian greyhound” erschien nun das fünfte Studioalbum der Band (“The futurist” in der Auflage von 779 Exemplaren zähle ich nicht mit). “Dude incredible” verbindet vertrackten Math Rock, kraftvollen Hardcore, erhabenen Post Rock und Alternative. Als Assoziationen notierte ich während der vielen Durchläufe Tool, Henry Rollins, Helmet und wegen “All the surveyors” auch Tenacious D. 

The line of best fit” vergibt 10 von 10 Punkte:
It’s going to be hard for Albini, Weston and Trainer to ever top what we find on Dude Incredible. Worthy of filing alongside and above At Action Park and 1000 Hurts, it’s the sound of one of the great bands at the height of their powers.
Pitchfork.com kommt zu diesem Schluss:
What’s most impressive here, and what ties Shellac to their former peers who are either long gone at this point or grinding through the reunion treadmill, is the level of commitment involved. Albini’s a sweaty mess, Weston’s bass only gains more meat to it over the years, and Todd Trainer remains a drummer whose every hit sounds like it hurts a hundred times more than the last. It’s like they took a look at what they were doing and pulled everything apart, rediscovering the level of discomfort that drives them, and working out why they really need to be doing this in the process. Prior records often contained a track or two that were lost somewhere between inspiration, endurance tests, and technical feats (“Didn't We Deserve a Look at You the Way You Really Are” from Terraform ticks all those boxes), but there’s none of that here. Instead, Shellac go straight for your throat and don't loosen their grip until the bitter end.
Der Titelsong, “Riding bikes” und “All the surveyors” sind die stärksten Tracks auf diesem Anwärter auf den Titel “Rock Album des Jahres”. 

“Dude incredible”:

Freitag, 17. Oktober 2014

Element Of Crime - Lieblingsfarben und Tiere
Dirk Freitag, 17. Oktober 2014 0 Kommentare



















Lieblingsalben und Durchschnittsware.

Seit 1990 verfolge ich den Werdegang von Element Of Crime. In der Vorbereitung auf das Bizarre Festival, das damals auf der Freilichtbühne Loreley stattfand und Künstler wie Ramones, The The, Galaxie 500, Ride, Pale Saints oder Phillip Boa & The Voodooclub im Programm hatte, setzte ich mich erstmals mit der Band um Sven Regener auseinander. Damals hatte die Band bereits 4 Alben veröffentlicht, gesungen wurde jedoch auf Englisch. Nur der Song "Der Mann vom Gericht" deutete bereits an, wohin es später gehen sollte. 

"Damals hinterm Mond" sollte 1991 nicht nur für Element Of Crime eine Neuausrichtung sein, sondern konnte mir mit seinen romantischen und poetischen Texten auch den Zugang für deutschsprachige Musik ermöglichen.  Das Album gehört, zusammen mit "Weißes Papier" (1993) und "Romantik" (2001), weiterhin zu meinen Lieblingsalben. Die Wiederveröffentlichung auf Vinyl in den letzten Jahren hat dazu geführt, dass diese drei Platten auch in diesem Format den Einzug in meine Sammlung gefunden haben. "Die schönen Rosen" (1996) und "Psycho" (1999) werden sicherlich auch noch folgen.

Leider muss ich jedoch auch sagen, dass die letzten Veröffentlichungen von Element Of Crime, nämlich "Mittelpunkt der Welt" (2005) und "Immer da wo du bist bin ich nie" (2009), im Vergleich zu den zuvor genannten Alben nur höchst mittelmäßig waren. 

"Lieblingsfarben und Tiere" setzt diese Tradition fort.  

Zwar gefallen mir der Titelsong, in dem Regener den Begriff "Schwachstromsignal-Übertragungsweg" in seinen Text einbaut, und damit sicherlich hoher Favorit als Preisträger für das längste und ungewöhnlichste Wort in einem Pop-Song sein wird (zumindest bis Markus Berges und Erdmöbel im November "Geschenk" veröffentlichen werden), und "Liebe ist kälter als der Tod" (trotz Saxophon-Massaker) ausgesprochen gut, vieles ist dennoch vorhersehbar, stagnierend und ähnlich (und besser) schön gehört. Zwar spielt Regener wieder häufiger Trompete, was vermutlich alle Fans von Element Of Crime begrüßen werden, aber dafür singt er mittlerweile auch teilweise mit kratzender, rauer Stimme, die hier im Vergleich zur instrumentalen Untermalung auch noch zu weit in den Vordergrund gemischt wurde.      

Keine fünf Sekunden müsste ‘Am Morgen danach’ laufen und man hätte den Song auch schon ohne den Gesang Regeners als Element-of-Crime-Song indentifiziert. Diese gewohnt warmen Klänge aus dem Norden und auf dem Hocker, der offensivste Romantiker, den die Welt je gesehen hat. Alles wie immer. Der nölige Gesang, der sich immer in den letzten Silben so richtig entfaltet. Lebensweisheiten serviert wie ein kühles Astra. Kompromisslos, zielgenau und so gar nicht kryptisch. Diese teils absurden Reimkonstrukte wie in ‘Lieblingsfarben und Tiere’ sind typisch und in jedem einzelnen Song doch wieder einzigartig.

Eine Platte von Element of Crime ist wie ein Hörbuch mit vielen kleinen Kapiteln. Jede Geschichte mit viel Empathie und Hingabe erzählt. ‘Rette mich (vor mir selber)’ ist zum Beispiel einer dieser Songs, der so schön nachvollziehbar ist. Es ist ein Liebeslied, das so niemand sonst schreiben würde: ‘Heimatlos und viele zu Hause, unterbeschäftigt und viel zu viel zu tun, rette mich vor mir selber, Hauptsache Liebe, Hauptsache Du.’ Das sind die Zeilen, die man sich von so einer Platte erwartet und warum sollte Sven Regener uns enttäuschen?
(bedroomdisco)


Allein der Titelsong: Ein Rhythmus wie für Rollatoren gemacht, eine Gitarre, die im Hintergrund jault wie ein getretener Hund, und Sven Regener singt davon, wie man dem kommunikativen Overkill mit Entschleunigung begegnet: „Denk an Lieblingsfarben und Tiere / Dosenravioli und Buch / und einen Bildschirm mit Goldfisch / das ist für heute genug.“ Ansonsten geht es um Autos, die erst anspringen, wenn man dagegentritt, um ein Wiedersehen im Baumarkt und um Liebe, die kälter ist als der Tod. Wenn dann gar nichts mehr hilft gegen die allumfassende Melancholie, dann setzt auch noch Regeners wimmernde Mariachi-Trompete ein.

Nein, Element Of Crime haben sich nicht neu erfunden. Kein Stück. Müssen sie aber auch nicht. Denn wenn es sie noch nicht gäbe, müsste man sie und ihre hingetupfte Schwergewichtigkeit unbedingt erfinden: Eine Band, die einem die Hand hält, wenn man merkt, dass man nicht jünger wird. Eine Band, die einem die Erbärmlichkeit des alltäglichen Lebens bewusst macht, aber die Lakonie, die einem darüber hinweghilft, gleich mitliefert. Eine Band also, mit der man getrost ins Rentenalter gehen kann: „Ein Trottel, der nicht versteht, dass das immer so weitergeht“, singt Regener. Es ist ein Trost. Nicht mehr, aber doch so viel. Fehlt nur noch ein Song über die Schönheit der Palliativmedizin.
(Musikexpress)


Donnerstag, 16. Oktober 2014

The Wytches - Annabel dream reader
Ingo Donnerstag, 16. Oktober 2014 0 Kommentare






















Quer durch viele Musikstile prügeln sich The Wytches. Kristian Bell (Gesang, Gitarre) und Gianni Honey (Schlagzeug) spielten bereits gemeinsam in einer Band in Peterborough. Nach dem Split zog es die beiden nach Brighton. Neben ihrem Studium kümmerten sie sich um eine neue Band. Mit Dan Rumsey (Bass, Gesang) und einem kurzeitig involvierten weiteren Gitarristen gründeten sie schließlich 2011 “The Witches”. Erst die Motivation auch über Suchmaschinen gefunden zu werden führte zur Umbenennung in “The Wytches”. Im Sommer erschien das von Bill Ryder-Jones (The Coral) mitproduzierte Debüt “Annabel dream reader”. Aufgenommen wurde es wie auch “Elephant” der White Stripes in den Londoner Toe Rag Studios. 

Auf diesem verarbeiten die drei Musiker so ziemlich alle musikalischen Einflüsse, welche sie in den letzten Jahren auf sich einprasseln ließen. Im Kern ist das dunkler Indierock mit ein paar Hardcore-Elementen. Aus der Rolle (im positiven Sinn) fallen vor allem die Surf-Gitarren. Der Song “Fragile male” komprimiert fast umfassend die auf “Annabel dream reader” gebotene Bandbreite. Live durften The Wytches passenderweise u. a. Blood Red Shoes, Metz und  die Japandroids unterstützen. Aktuell läuft die Headliner Tour durch die Heimat und Ende des Monats geht es in die USA. 

Finanziert wurde die Tour z. T. durch ein Programm der britischen Regierung (the third Music Export Growth Scheme), welches britischen Bands die “Expansion” ins Ausland ermöglichen soll. Unter den 16 Bands dieser dritten Runde sind u. a. The Wombats, Dry The River, Fink, Hadouken und auch The Wytches erschienen offenbar förderungswürdig. Wenn mit dem Programm nachgewiesen werden soll, dass britische Musik nicht nur für weichgespülten und harmonieverliebten Pop steht, sind The Wytches sicherlich eine gute Wahl. 

“Annabel dream reader” ist erfreulich roh und energiegeladen. Nur der Gesang dürfte etwas weniger angestrengt sein. “Digsaw”, “Fragile male”, “Part time model” und “Summer again” (zur zeitweisen Entspannung) sind meine Anspieltipps.

Annabel Dream Reader is a surprising mix of quasi-grunge and throw-back surf-rock which, while it can at times seem overly angst-ridden, is a relentless tide of energy and conviction. Although this debut LP might have its weaknesses, it might also be a sign of greater things to come.
 Das Paste Magazine empfiehlt und warnt zugleich:
Play this album at full volume, with plenty of dance/thrash room, and little to no glassware nearby.

Das Video zu “Robe for Juda”:


Und das zu “Gravedweller”:

Mittwoch, 15. Oktober 2014

Deacon Blue - A New House
Dirk Mittwoch, 15. Oktober 2014 0 Kommentare




















Fans der schottischen Band Deacon Blue dürfen sich glücklich schätzen, denn  nachdem sie elf Jahre lang - von 2001 ("Homesick") bis 2012 ("The Hipsters") - auf neue Musik von Ricky Ross, Lorraine McIntosh & Co. warten mussten, ging es nun recht flott mit deren insgesamt siebten Platte.

Angeregt durch das gemeinsame Touren gingen Deacon Blue erneut mit Paul Savage von The Delgados ins Studio und nahmen 11 neue Songs auf, die typischer nicht sein könnten. Ruhige, melancholische Klänge, wie beim von Streichern und Harmoniegesang geprägten "Win" oder dem Robbie Williams-Soundalike "Our New Land", sind eher spärlich gesät. Meistens wird energetischer "Sophisticated Pop" geboten, der gelegentlich eine Spur zu viel Soul ("Wild") abbekommen hat. Als Anspieltipps für "A New House" würde ich "Bethlehem Begins", "A New House" und "I Remember Every Single Kiss" empfehlen.  

Wer den Weg der Glasgower Band, die seit 1985 besteht, noch gar nicht gekreuzt hat, dem sei deren Debütalbum "Dignity" aus dem Jahre 1987 ans Herz gelegt oder zur Singles-Compilation "Our Town" (1994) geraten. Deacon Blue  können auf zwei Nummer Eins- und drei Top Ten-Alben sowie zwölf Top 30-Singles im Vereinigten Königreich verweisen. An diese Erfolge wird "A New House" sicherlich nicht anknüpfen können, auf den Plattentellern ihrer Fans dürfte sich vor allem die A-Seite der Platte recht häufig drehen.     

A New House, the follow-up to the Top 20 album The Hipsters, is full of confidence, courage and rekindled passion for this new lease of life that Deacon Blue have.

Far from harking back to past glories, the album is a collection of depth and passion.
The melodic and rhythmic energy of A New House comes together on the lead single and title track, one of many with thoughtful lyrics on the album.

“I remember driving out when we were kids to see a new house being built in the suburbs,” singer Ricky Ross says. “It was as if they were trying to contain the countryside, building roads and houses on it. But you can never quite contain it.”
(Telegraph)


Almost every track on here could be interpreted both as a straightforward love song and as a metaphorical comment upon the nature of Scotland as a nation and its relationship with its closest neighbours.

Ascribing meaning to the reflective, string-laden lyrics of Win, for example (“when tomorrow comes / we’re out of here / gonna pack some things / gonna be our year”) might be putting so many unintended words in his mouth, but it’s undoubtedly a testament to the quality of Ross’ lyricism that these songs allow multiple open-ended but seemingly complete interpretations. Only Our New Land is unequivocal in its meaning.

Musically A New House is as polished as ever, although for a band who once seemed to course with the euphoric lifeblood of the working class Scots character, a symphonic sweep which puts the listener in mind of Elbow and a buoyant folk-rock reminiscent of latter-day Dylan feel slightly second-hand. Yet its heart is unmistakably Deacon Blue, and their many long-time admirers will love it.<
(The Scotsman)

Dienstag, 14. Oktober 2014

Julian Casablancas + The Voidz - Tyranny
Dirk Dienstag, 14. Oktober 2014 0 Kommentare




















Ambitioniert und experimentell soll es wohl sein, das zweite Soloalbum von Julian Casablancas. Irgendwo zwischen "Phrazes For The Young" (2009) und den letzten Alben von The Strokes ("Angles", 2011, "Comedown Machine", 2013) hat sich deren Sänger eine weitere Band angelacht: The Voidz nennen sich Jeramy Gritter (Gitarre), Amir Yaghmai (Gitarre), Jacob Bercovci (Bass, Synthesizer), Jeff Kite (Keyboards) und Alex Carapetis (Schlagzeug). Dass Carapetis vor Jahren einmal bei den Nine Inch Nails trommelte, kann man bei den Industrial-Ausflügen auf "Tyranny" erahnen.

Julian Casablancas und seine Jungs mixen im Verlauf einer vollen Stunde Grunge, Störgeräusche, Breakbeats, Falsettgesang, Garage Rock, Noise-Attacken, Metal, Punk-Rock, fiepsende Keyboards und vieles weitere wild durcheinander und halten das Ganze wohlmöglich für Avantgarde und ganz große Kunst. Schlimmste Phase des Albums ist das Aufeinanderfolgen des brachialen Terror-Songs "M.Utually A.Ssured D.Estruction" und das anschließende "Human Sadness", ein auf knapp 11 Minuten aufgeblasener, sich windende Moloch von einem Song.
"Tyranny" ist abgefuckt, absurd, enervierend, flatterhaft, hyperaktiv, schnoddrig, überladen, unvorhersehbar, verschroben, zerfahren und einigen tatsächlich eine tolle Review wert:

Bei „Take Me In Your Army“ glaubt man, Prince und Sheila E. säßen an einer Lo-Fi-New-Wave-Bastelei. In „M.utually A.ssured D.estruction“ geht es drunter und drüber. Sänger und Band versinken in tyrannischem Trash-Terror. Ähnliches folgt später noch einmal in den Grunge-Adaptionen „Where No Eagles Fly“ und „Business Dog“. Es sind aber andere Stücke, über die man besonders oft reden wird.

In „Human Sadness“ versuchen Julian Casablancas und die Band über die unglaubliche Dauer von elf Minuten das Träumerische der späten Mercury Rev, Störgeräusche, eine Melodie und schräge Gitarrensoli zu einem stimmigen Ganzen zusammenzufügen. Irgendwie gelingt das dann tatsächlich auch. „Father Electricity“ ist mit temperamentvollem Breakbeat ein absoluter Höhepunkt. In „Dare I Care“ hat man den Eindruck, Casablancas habe Gefallen an der Musik von Omar Souleyman gefunden. Experimente, Ausbrüche und Leidenschaftsmomente entdeckt man hier immer wieder.
(Musikexpress)


Schon das eröffnende ‘Take Me In Your Army‘ ist da ein Stück drückender Synthierock, das seine Melodien schief gegen den Strich bürstet und eine verstörende Freude an der Disharmonie hat: die verdammt catchy Uneingängigkeit der nächsten Songs wird also bereits hier etabliert. ‘Where No Eagles Fly‘ will sich nicht entscheiden, ob seine annähernd 4 Minuten Laufzeit lieber ein flapsig groovendes Handreichen, oder ein brettharter Electronicclash darstellen soll – irgendwann lehnt Casablancas den Songs geschickt an die Abfahrt von ‘Vision of Division‘.
Auch ‘Father Electricity‘ wirkt, als würden zwei verschiedene Kompositionen auf einmal gegeneinander Sturm laufen, Melodie und Rhythmus spielen gegeneinander an, Casablancas und seine Voidz malträtieren dazu einen verspult-tropical pumpenden Jungle-Beat, der  nur zu absurd austickendem Moves auf der Tanzfläche rühren könnte. Direkter ist das schon das grandiose ‘Dare I Care‘, eine R&B-Dancehallvergiftung für die Zeit nach ‘Random Access Memories‘ (inklusive patentiertem ‘Room in Fire‘-Science Fiction-Kniddelmotiv) oder das Richtung Flying Lotus im muskulösen Badass-Outfit schielende ‘Xerox‘. (...)
Tyranny‘ ermöglicht Casablancas auf durchaus unerschrockene und mutige Art neue künstlerische Freiräume, die er dann auch absolut rücksichtslos ausfüllt. Man muss gespannt sein, was das für die nächste Strokes-Platte bedeuten wird.
(Heavypop)

Einiges wirkt überfrachtet, aber dann kommt plötzlich eine epische Großtat wie »Nintendo Blood«, schält sich diese einmalig lakonische Stimme durch den Ultrabrutal-Punkrock von »Business Dog«, gelingt Casablancas mit »Human Sadness« erlesener Pop. Den Mut, so etwas überhaupt zu machen, muss man ihm ohnehin zugute halten. Auf einem anderen Label als seiner eigenen Firma Cult Records hätte er diese Musik kaum unterbringen können.<

Tyranny mag in Teilen krawallig sein und die Hörer maximal fordern, am Ende wird die Geduld belohnt: Schicht um Schicht offenbart Casablancas einige seiner besten Songs seit längerer Zeit. Er ist nur einen Schritt vom Großwerk entfernt. Irgendwann wird es ihm noch gelingen.
(Spex)


Montag, 13. Oktober 2014

Mina Tindle - Parades
Dirk Montag, 13. Oktober 2014 0 Kommentare



















"minatindle.com is coming soon" steht aktuell auf der Homepage von Mina Tindle zu lesen. Seit Freitag ist jedoch bereits "Parades", das zweite Album der Französin nach "Taranta" (2012), da.

Die in Paris geborene Mina Tindle lebte eine zeitlang in Brooklyn und lernte dort Musiker von Grizzly Bear und The National, auf deren Album "The Boxer" (2007) sie auch als Gastsängerin zu hören ist, kennen. Diese Bande scheinen noch zu bestehen, denn The National-Gitarrist Bryce Dessner steuerte im Gegenzug nun Arrangements für die Songs "L'Astrakan" und "Taranta" bei. Mit den Produzenten Olivier Marguerit und Craig Silvey (Portishead, Arcade Fire) halfen zwei weitere prominente Namen bei den Aufnahmen von "Parades".

Mina Tindle wechselt auf den 12 Titeln zwischen englischer und französischer Sprache und präsentiert eingängigen, flotten Indiepop mit New Wave-Einschlägen, der gelegentlich melancholischem, balladesken Folk weichen muss. "Parades" könnte Freunden von Émilie Simon, Yann Tiersen, Emiliana Torrini und Regina Spector gefallen. Als erste Single wurde "I Command" ausgewählt:


    

Parades is Mina Tindle's sophomore album. It is made of 12 beautiful and poetic songs, where Shakespeare language subtly meets with Molière's.

Influenced by her Mediterranean origins, Parades is alike Mina Tindle: warm-hearted. It comes right in time to light up these chilled and grey autumn days. It is a touching and well-constructed record that brings varied emotions and invites us to follow Mina Tindle into her beautiful universe.
(stereofox)


Mina Tindle gibt sich nicht damit zufrieden, konventionelle Möglichkeiten auszuloten, sondern sie erforscht unerschrocken Wege, die jenseits alles Dagewesen neue Möglichkeiten aufzeigen, Organisches und Elektronisches miteinander zu verbinden. Dabei sind ihre Stücke so unterschiedlich, dass die Gegensätze zuweilen für den Hörer nicht immer auf Anhieb nachvollzogen werden können: Warum gelingen ihr zum einen großartige Pop-Hymnen mit großartigen Melodiebögen, während andere Tracks als spröde, monotone Klangexperimente enden? Drücken wir es mal so aus: "Parades" ist ein Album, das langsam - Ebene für Ebene - entblättert werden möchte. Es ist kein schlechtes Album, aber eines mit dem Anspruch, mehr bieten zu wollen, als bloße Pop-Unterhaltung.
(gaesteliste)



Sonntag, 12. Oktober 2014

Goat - Commune
Ingo Sonntag, 12. Oktober 2014 0 Kommentare






















Im Wikipedia-Eintrag zum schwedischen Dorf Korpilombolo finden sich nur zwei Sätze:
Korpilombolo is a locality situated in Pajala Municipality, Norrbotten County, Sweden with 529 inhabitants in 2010.
The band Goat claim to be from this town, but they spell the town's name incorrectly on their website.
Also wenn Dorf schon über eine Musikgruppe definiert wird, sollte man sich mit dieser befassen. Angeblich agierte die Gruppe als Dorfkombo in diversen Zusammensetzungen schon über einige Jahrzehnte. Auf Goat wurde ich aber nicht wegen des Wikipedia-Eintrages oder während eines Trips in die schwedische Einöde sondern 2012 wegen des Songs “Run to your mama” aufmerksam.

Dieser stammte vom Debüt “World music” der schwedischen Band. Das Niveau dieses Titel konnte die anderen Songs darauf nicht durchgängig erreichen aber zumindest habe ich es als sehr kurzweilig in Erinnerung. Live sollen die aktuell sieben Mitglieder üblicherweise einen bleibenden Eindruck hinterlassen, was nicht nur an ihren Kostümen sondern auch an der wilden musikalischen Mischung und den auf der Bühne zelebrierten Ritualen liegt. Besonders auf Festivals haben sie sich so zu beliebten Künstlern gemacht. 

Ich höre bei Goat Prog, Indierock, Electro, World Music (vor allem wegen afrikanischer Rhythmen) und viele andere lustige Einflüsse heraus. Das Ergebnis klingt sehr psychedelisch aber dank der treibenden Rhythmen nie verträumt. Das funktionierte schon recht gut auf “World music” aber “Commune” ist noch ein ganzes Stück überzeugender geraten. Da die neun Songs zwar ab und zu etwas anstrengend aber gerade deshalb fesselnd sind, muss ich gleich mehrere starke Titel nennen: “Words”, “Goatchild”, “Goatslaves” und “Hide from the sun”. 

Das Video zu “Hide from the sun”:


Goat’s Commune, the follow-up to their 2012 debut World Music, marks a welcome return from the Swedish band that somehow melds more influences than its lofty predecessor into one enormously satisfying record. […] There are so many interweaving styles and influences at play they'd be, frankly, too laborious to list individually. But among them are love letters to tribal sounds, sampling that's reminiscent of cult horrors, sharp riffing from the 60's, heavier dirges from the 70's, muddy distortion and precise, classical-daubed chord play. Together, Goat manage to make it all sound their own. 

Samstag, 11. Oktober 2014

Allo Darlin' - We Come From The Same Place
Dirk Samstag, 11. Oktober 2014 1 Kommentare




















Neuigkeiten aus dem Hause Allo Darlin'. Mit "We Come From The Same Place" veröffentlicht das englisch-australische Quartett nach "Allo Darlin'" (2010) und "Europe" (2012) sein drittes Album und klingt dabei etwas rauer, roher und weniger lieblich als zuvor. Auf Songs wie "Bright Eyes" oder "Half Heart Necklace" dürfen die Gitarren sogar ein wenig schrammeln. 

Die Sängerin und Songwriterin Elizabeth Morris ist mittlerweile verheiratet, lebt in Italien und im Gegensatz zu früher ging ihr das Komponieren diesmal recht leicht von der Hand:
“So many things have happened since I first wrote the songs that make up this album, it´s difficult to remember back to where it all began. The songs were written very quickly, during a period when I found writing songs very easy, whereas I often find songwriting very difficult. Some of the songs were written so fast I can´t even really remember writing them. The songs were a joy to write, and writing them made me feel better about lots of things.”   

Die 11 Songs von "We Come From The Same Place" bieten aber auch immer noch von Ukulele und Steel Guitar geprägten, luftigen Indiepop, mit dem alle Freunde von Camera Obscura, Lush, Belle & Sebastian und The Go-Betweens glücklich werden können. Platten-Sammler sollten sich auf das limitierte, weiß-blau marmorierte Vinyl stürzen. 



The songs rollercoaster between major and minor keys, acting as a mood-setter for Morris' words which are often complimented by brilliant riffs and bass lines from Paul Rains, Bill Botting and Michael Collins.

Morris' anecdotal vignettes are subtle, as if she's practically sitting next to you and telling you these stories over coffee. The warmth of her delivery draws you in to her hyper-detailed lyrics, but the true hooks run even deeper. Each song is buried with hidden gems in the form of the simplest, most effecting couplet or statement, casually tossed out there carrying universal wisdom. Just when you feel like you've objectively gotten everything you wanted from Morris' stories, she tosses out a line like "I wanted to impress you/ And I think you knew" ("Kings and Queens") or "I'm just tired of being strong" ("Romance and Adventure") and it reels you in even closer than you'd expect. We Come From The Same Place is a lyrical wonderland that keeps listeners exploring more with each listen. Indie-pop or not, it's infectious on many levels.
(exclaim)


The result is an album that uses an unmistakable scrawl to describe new vistas, like a postcard from an old friend. The tour-honed full-band interplay, especially on uptempo songs like the road anthem “Kings and Queens,” brings a frenzy that’s novel for Allo Darlin’. And where 2010′s outstanding debut album amped up its superbly catchy new-love vignettes with lyrical references to Weezer and Johnny Cash, and the richer follow-up, 2010′s Europe, used allusions to the Silver Jews or the Maytals to help jog the narrator’s memory of halcyon days, here the mentions of The Lion King, Joan Didion or Auto-Tune on the radio are mere details: humdrum fabric in the songs’ own vibrant tapestries.

Newly married and newly Italy-based, Morris acknowledges on “Santa Maria Novella” feeling like a “tourist” and the risk of being “corny.” But it has always been her fresh-eyed perspective, combined with her willingness to take the chance of raising eyebrows, that helps her songs hit an emotional sweet spot. That’s still true here — even when she’s gleefully embodying a stalker-ish figure out of hometown lore on “Half Heart Necklace,” a deceptively creepy standout. Meanwhile, the album’s best songs, “Crickets in the Rain” and “History Lessons,” both ruminate on a theme Morris has described as “anti-nostalgia.” To Allo Darlin’, this concept doesn’t mean rejecting the old all together; the billowing title track imagines a shared, communal past, and the defiantly sunny “Bright Eyes” is only a more freewheeling entry in a history of male-female duets that goes back to the first song on the band’s first album.
(wondering sound)


Freitag, 10. Oktober 2014

Erlend Øye - Legao
Dirk Freitag, 10. Oktober 2014 0 Kommentare




















Neulich mit dem neuen iPhone, Siri und Shazam.

Ich: Siri, wie heißt dieser Song?

Siri: Das klingt für mich wie "Fence Me In", ein Outtake vom letzten Album von Damon Albarn.

Ich: Siri, nur halb richtig. Hör noch einmal genau hin.

Siri: Lass mich mal zuhören... Du hörst gerade "Say Goodbye", vom bisher unveröffentlichten Reggae-Projekt von Jens Lekman.

Ich: Siri, das ist hoffentlich nur ein Scherz! Obwohl, das habe ich zunächst auch gedacht. Noch ein Lied, Siri?

Siri: Lass mich mal zuhören... Ich höre zu... Ich bin mir ziemlich sicher, dass das "Bad Guy Now" von Belle & Seb...

Ich: Wag' es nicht das auszusprechen, Siri! Nächstes Lied!

Siri: Das klingt für mich wie "Whistler" von der isländischen Roots-Reggae-Band Hjálmar, oder?

Ich: Ganz nah dran, Siri. Noch ein letzter Versuch? 

Siri: Lass mich mal zuhören... "Who Do You Report To" - von Kings of Convenience, vielleicht.

Ich: Wärmer, sehr viel wärmer. Das ist alles von "Legao", dem zweiten Soloalbum von Erlend Øye.   



Auch auf LEGAO klingt wieder alles anders und vertraut zugleich. Auf jeden Fall haben die Songs in Italien, wo der Norweger seit einiger Zeit wohnt, viel Sonne abbekommen. Auf den leichtfüßigen Reggae-Rhythmen und reduzierten Bläsersätzen der isländischen Band Hjálmar, auf sommerlich-verbummeltem Gitarrengezupfe und nostalgischem Orgeldudeln schwebt Øyes Gesang dahin. Altersweise berichten seine gehauchten Erzählungen von den Geheimnissen des Lebens: „Life is long, and the world is small / Our paths will cross some other time“, singt er.

Es sind die simplen Weisheiten eines Weltenbummlers, verpackt in beglückende Popsongs: Da sind der Aufruf zur Selbstliebe „Save Some Loving“, das geschmeidige „Lies Become Part Of Who You Are“ und der Lovesong „Say Goodbye“, der sich vom leisen Gitarrenstück zum euphorischen Sommerpop aufschwingt. „This bubbling feeling“, das Erlend Øye beim Anblick seiner Liebsten in „Peng Pong“ überkommt: Man hat es auch beim Hören dieser fluffigen Lovesongs, die in Verliebtheit und Liebeskummer die gleiche kribbelig flimmernde Schönheit finden. La dolce vita, vertont für den Großstadtsommer.
(Musikexpress)


Seine zärtelnde Empfindsamkeitsmusik flicht er ein in die schlichten Patterns von Schmuse-Reggae, in UK traditionell Lovers Rock genannt. Aufgenommen wurden die zehn Stücke gemeinsam mit der isländischen Roots-Reggae-Band Hjálmar. Ein Norweger macht Reggae mit Isländern: Darf man das Ergebnis also als »Nordic Reggae« labeln? Nicht wirklich, denn Øye lebt schon seit einiger Zeit in Sizilien. Unabhängig davon taugt Øyes Reggae-Aneignung kaum für ungebrochene Sunshine-Klischees und kommt auch nur scheinbar kontrazyklisch im Herbst auf den Markt. Für Barcardi-laidbackness ist die Musik oft zu spröde, sentimental und reserviert. Überkritisch ließe sich bei der Begleitband Hjálmar eine gewisse Unbeholfenheit feststellen, auf einem Multikulti-Stadtteilfest würde sie jedenfalls nicht unangenehm auffallen.

Øyes unentrinnbar umschmeichelnder, in einprägsamen Sentenzen vorgetragener Gesang behandelt wie immer die ewigen Themen Liebe, Abschied, Sehn- und Eifersucht. Dass er Reggae als vorgefertigte Hintergrundstruktur und nicht als Ausdrucksform benutzt, tut dem Album gut – was wäre schließlich fragwürdiger gewesen als ein »echtes« Reggae-Album? Immer wieder hybridisiert Øye die schunkelnden Riddims, indem er sie mit Softrock-Harmonien, Postrock-Elementen oder einem Hauch Birkenstock-Romantik à la Belle And Sebastian aufmischt. Auch Bläser, Streicher, Rhodes-Piano, Synthies und Highlife-Gitarren sind zu hören. Und das tolle Stück »Bad Guy Now« ruft Erinnerungen an Felt auf und verwischt dabei auf interessante Weise die Grenze zwischen der Glücklich-wenn-ich-traurig-bin-Attitüde britischer Gitarrenbands und einer gewissen Dire-Straits-Stimmung für Erwachsene.

Was Øye an Reggae interessiert, ist weder das Politische (wie einst The Clash) noch das klangästhetische Potenzial, an dem sich Postpunk-Bands wie PIL der die Slits orientierten. Es ist der Pop-Appeal und sonst nichts. Øye folgt damit den Spuren von Boys Georges Culture Club und nicht zuletzt dem großen Green Gartside von Scritti Politti. Der kündigte bei einem legendären Konzert in Berlin vor zwei Jahren einen Song mit folgenden Worten an: »Pop Reggae and postmodernism – a marriage made in heaven or hell? You decide.« In diesem Sinne darf dann beim Durchstöbern der Winterkollektion jeder selbst entscheiden, was von der Ehe zu halten ist, die Erlend Øye zwischen Pop, Reggae und Indie-Innerlichkeit arrangiert hat.
(Spex)

Donnerstag, 9. Oktober 2014

Zola Jesus - Taiga
Ingo Donnerstag, 9. Oktober 2014 1 Kommentare






















Die Taiga ist bekanntlich eine Vegetationszone. Dort wachsen noch Bäume, welche für etwas Abwechslung sorgen. Nördlich der Taiga findet sich die Tundra. Dort gibt es dann noch Flechten, Moose, Gräser und ein paar Zwergsträucher. 

“Taiga” ist auch Nika Roza Danilovas (aka Zola Jesus) fünftes Album. Mit diesem ist Zola Jesus bei dem Label Mute gelandet. Seit 2006 bastelt sie an ihrer Karriere. Das Debüt “The spoils” erschien 2009. In Indiekreisen erfreute sich Zola Jesus eine Weile ein gewissen Beliebtheit, für den großen Durchbruch hat es bislang nicht gereicht. Statt dessen folgt mit “Taiga” nun ein Dammbruch. Hallige Gesänge, einfältige stampfende Beats und poppige Soundwände sorgen für eine Atmosphäre, die man sonst nur im Discozelt der Dorfkirmes vermutet. So einladend wie die billigen Lichteffekte dort ist auch “Taiga”. 

Die Single “Dangerous days”, “Hunger” (eigentlich schlimm, dass ich hier Discostampfer empfehlen muss) und vor allem das relativ reduzierte “Hollow” sind die besseren Songs auf “Taiga”. Der Rest ist Tundra.

Olly vergab für "Stridulum II" und "Conatus" jeweils 8 Punkte. Ich bin gespannt, ob seine Begeisterung anhält.

Vielleicht stimmt er ja tatsächlich eher Sonic Seducer zu:
Zola Jesus alias Nika Roza Danilova hat mit „Taiga“ ein großes Stück musikalische Unabhängigkeit gefunden. Während ihr genialer Durchbruch „Stridulum II“ noch sehr von der Kombination aus siouxsiesker Stimme auf sorgfältig ausgebreitetem Keyboardteppich profitierte, ist sie nun richtig vielseitig. [...] Durch und durch gut.

Das Video zu “Dangerous days”:


Passend zu der düsteren Musik kommt Zola Jesus im düsteren November nach Deutschland:
  • 10.11. Köln
  • 11.11. Berlin
  • 12.11. Hamburg
  • 13.11. Frankfurt

Mittwoch, 8. Oktober 2014

Johnny Marr - Playland
Dirk Mittwoch, 8. Oktober 2014 0 Kommentare



















Nun ist es also doch passiert! 28 Jahre nach der Trennung unserer Lieblingsband The Smiths veröffentlichen deren kreativen Köpfe Johnny Marr und Morrissey erstmals im gleichen Jahr ein Soloalbum und feiern somit ein Wiedersehen vor einer etwas anderen Art des Gerichts.

Nachdem "World Peace Is None Of Your Business" von Morrissey nicht gerade zu den Highlights unter seinen bisherigen 10 Soloalben zu zählen ist und sich mit Alben der Güteklasse von "Viva Hate" (1988), "Vauxhall And I" (1994) oder "You Are The Quarry" (2004) messen lassen muss, hat "Playland" den Vorteil, dass Marrs erstes Soloalbum "The Messenger" (2013) nicht gerade herausragend war. 

Nachdem Johnny Marr jahrelang nur als Gastmusiker (The The, Pet Shop Boys) oder Bandmitglied in der zweiten Reihe (Electronic, Modest Mouse, The Cribs) in Erscheinung getreten war, scheint er sich nun auf seine Solokarriere zu konzentrieren. "Playland" bietet wenig überraschenden, temporeichen Alternative Rock britischer Prägung, der aber Modest Mouse und mit Abstrichen auch The Cribs und Electronic (oder besser: New Order) näher steht als The Smiths. Marrs herausstechendes Gitarrenspiel muss wohl ebenso wenig erwähnt werden wie seine begrenzten Fähigkeiten als Leadsänger. Statt dessen seien "Dynamo", "Candidate" und "The Trap" als Anspieltipps sowie "Playland", "Speak Out Reach Out" und "Boys Get Straight" als Skip-Kandidaten genannt.      

Auch wenn "Playland" vermutlich bei Platten vor Gericht nicht vor "World Peace Is None Of Your Business" wird landen können, so dürfte der Abstand hinsichtlich der Durchschnittswertung enger ausfallen als vor Veröffentlichung beider Alben gedacht.

Dynamo, with its gentle Smiths influence poking its head above the waves, nose-dives into a typical Johnny wall of sound; its energy is the track’s appeal, backed up by a strong flowing melody. Back in the Box is a fast paced, adrenaline fuelled rollercoaster ride, whereas 25 Hours reminds us of Marrs’ variety and talent with a guitar. Johnny is such a decent ‘riff writer’ that bands would fight over the scraps he throws away. Although some may focus on the guitar parts, where this album really shines is the use of drums and bass. Album-titled track Playland uses these instruments to form a perfectly balanced performance that is set apart from the rest, with Johnny shouting his way throughout, wanting to ‘push the button to a higher plane’. This Tension’s gentle guitar sits happily under a leading riff with the drum and bass again taking centre stage to lift the song to new heights. The great thing about this album is there’s so much going on that you don’t notice until much later on; it really is a Playland. It’s one of those rare albums where you enjoy it the first time, but the more you here it, the more it satisfies you for different reasons; it’s a grower and a shower. Although the lyrics can seem somewhat tangled and distant at times, the overall technique and experience on offer here is a wonder to behold, and makes the album a mixed bag of loveliness.
(Renowened For Sound)

Playland offers no such intrigue; it just sounds a lot like The Messenger. Some tracks can be a tad (or should that be trad?) workmanlike and the snarling riffs of the title track would surely snarl some more if they were paired with a more feral frontman. Still, there’s plenty here in the gorgeous, windswept vein of Dynamo and The Trap, both of which especially suit Marr’s slender singing style.
(The Guardian)


Die tanzenden Akkorde zu Beginn der neuen Single sind zwar dreist geklaut bei "Dashboard", dem einstigen Übersong auf dem Modest-Mouse-Album "We were dead before the ship even sank", aber jetzt dreimal geraten wer für das Original verantwortlich ist, und bei sich selbst klauen ist nur halb geklaut, wenn überhaupt. Das eindeutigste Selbstzitat stellt wohl aber "The trap" dar. Das sich mit Hall, flächigen Synthies und der vertrauten Melancholie im Netz der Achtziger-Jahre verfängt und damit sehr "smithstastich" ist. Verzeihlich aber ist das auch angesichts des überragenden "Dynamo". Ein von vorne bis hinten perfekter Indiepoprocksong der alles vereint was Marr so einflussreich und verehrenswert macht. Der Refrain geht hoch und höher als jede dieser Tiefkühlpizzen und das Solo kriegt auch nur dieser eine verdammte Kerl so maximal unorthodox und minimal sperrig hin.

Eine Großtat, der keine wirklich schlechten Tracks mehr auf "Playland" folgen. Trotz allem wirken die martialischeren Momente, etwa die punkenden Strophen von "Boys get straight", wie übrigens auch schon auf "The messenger", etwas bemüht und spielen nicht ganz in der selben Liga wie das übrige Material. Aber die werte Kollegin Depner hat es ja letztes Jahr auch schon geschrieben: Es bleibt sicher nicht sein letzter Versuch.
(Plattentests)

Johnny Marr in Deutschland - im Gegensatz zu Morrissey vermutlich ohne The Smiths-Song:
02.11.14 Köln, Luxor