Neue Platten vorstellen, diskutieren und bewerten.




Mittwoch, 23. April 2014

Marcus Wiebusch - Konfetti
Dirk Mittwoch, 23. April 2014 0 Kommentare



















Nach 23 Jahren mit …But Alive und Kettcar veröffentlicht Marcus Wiebusch mit "Konfetti" dieser Tage sein erstes Soloalbum. Und eigentlich erwartet man keine großen Unterschiede zu einer regulären Veröffentlichung von Kettcar, oder?

Doch Wiebusch macht hier plötzlich auf Caspar und bedient sich des gleich mehrmals des Sprechgesangs ("Der Tag wird kommen", "Jede Zeit hat ihre Pest"). Er lässt sich sogar auf elektronische Experimente und Beats ein ("Haders Gonna Hate"), schichtet eine Soundebene auf die andere und erreicht durch den Einsatz von Pauken, Trompeten, Mandoline usw. eine unerwartete Opulenz, deren Dramatik und Pathos mitunter deutliche Ausschläge auf dem Woodkid-o-meter erzeugen ("Der Tag wird kommen", "Wir waren eine Gang"). Mit eben diesem "Der Tag wird kommen" hat er ein über 7-minütiges, wortgewaltiges Epos mit an Bord, dass sich mit dem Thema Fußball und Homophonie auseinandersetzt und ein wenig von Thomas Hitzlspergers Coming Out überholt wurde. Aber auch sonst spart Wiebusch nicht an Gesellschaftskritik und ist weniger befindlichkeitsfixiert.
Fans von Kettcar bekommen es mit "Nur einmal rächen", "Der Fernsehturm liebt den Mond" und "Springen" am leichtesten gemacht.

Konfetti fällt in der Papierindustrie als Abfallprodukt bei der Perforation von Endlospapier an, aber als Ausschuss kann man die 11 Titel dieser Platte wirklich nicht bezeichnen. 
Konfetti wird bei besonderen Feierlichkeiten in die Luft oder auf Personen geworfen, aber so überzeugend ist Wiebuschs Soloausflug nun auch wieder nicht geworden.



Der Musikexpress sieht "Konfetti" sehr kritisch und vergibt gerade einmal 2 Sterne (von 5):
Aber: Schön ist das trotzdem nicht. Vor allem geht es immer so weiter auf dem Wiebusch’schen Solo-Debüt. Dass das jetzt ausgerechnet KONFETTI abkriegt, liegt wohl vor allem am unglücklichen Timing, aber: Dieser mit ein wenig „echtem“ Instrumentarium authentisch gemachte und gleichzeitig mit elektronischen Sounds aufgemotzte Breitwand-Rockpop, in dem es fortwährend brummt und donnert, Schlossgespenster im Chor huhuhen und das nächste Glockenspiel nie lange auf sich warten lässt, hat sich inzwischen zu einer richtigen Seuche ausgewachsen.

Solche Produktionen wollen in ihrem Bombast auch noch Feinsinn vortäuschen, aber es ist doch nur stumpfes Gebratze, was aus der anderen Seite der Kompressoren dröhnt. Dabei gibt es in Marcus Wiebuschs traditionell dringlichen Texten durchaus ein paar schöne Ideen, vor allem bleibt er in Songs wie „Haters gonna hate“ und „ Nur einmal rächen“ nicht immer nur im aufgeblähten Ungefähren stecken wie all die anderen Schicksalswindbeutel dort draußen, sondern nennt Deppen und Bedröppelte beim Namen. Der Mann war schließlich mal Punkrocker. Dass der jetzt auch noch rappen muss, vergessen wir aber am besten gleich wieder.



Marcus Wiebusch auf Tour:

30.04. Leipzig, Courage Festival
01.05. München, Ampere
02.05. Wiesbaden, Schlachthof
03.05. Köln, Stollwerck
04.05. Berlin, Heimathafen Neukölln
17.06. Magdeburg, Moritzhof
18.06. Dresden, Beatpol
19.06. Erlangen, E-Werk
20.06. Duisburg, Traumzeitfestival
20.-22.06. Scheeßel, Hurricane
20.-22.06. Neuhausen ob Eck, Southside

Dienstag, 22. April 2014

Architecture In Helsinki - NOW + 4EVA
Dirk Dienstag, 22. April 2014 0 Kommentare




















Früher einmal charmanter Indiepop, dargeboten von 8 Leuten mit über 30 Instrumenten, heute glatt gebügelter, synthetischer Disco-Pop mit Vocoder-Einsatz, 80er-Klängen und Ausflügen in R'n'B und Soul. Verbrochen haben das Cameron Bird, Jamie Mildren, Sam Perry, Kellie Sutherland und Gus Franklin oder kurz: Architecture In Helsinki.

Mit "NOW + 4EVA" legt das Quintett, das aus Australien und eben nicht aus Finnland stammt, sein fünftes Album vor, das von François "Franc" Tétaz (Gotye, Kimbra) produziert wurde. Nur zu empfehlen, wenn man gut gelaunten, knallbunten Pop wie von Aqua, Vengaboys oder Steps zu schätzen weiß. 


However, Now +4Eva is more eloquent and unique than just a hash of bygone sounds.

The album is bursting with energy, and is consistently upbeat in tempo and emotion. ‘U Tell Me’ and ‘2 Time’ are wonderful soul-soothing tracks that contrast the first few songs, and together are enough to cure the worst lethargy.

That said, the group seem to have sacrificed lyrical impact to achieve this funky sugar pop; ‘Boom (4Eva)’, for example, is need of a singable punchline. Furthermore, songs that are very similar in tempo are grouped together across the album, such as ‘In The Future’ and ‘Echo’. Their vast electronic landscapes and short replicated melodies make it hard to link a distinct sound to a particular song.

However, the sometimes-repetitive musical textures are rectified by the switch up of vocalists, a factor that helps to keep the songs fresh. The singers wisely adapt to suit what is needed at the time: ‘April’ evokes r n’ b with drawn out utterances and a mellow pace, which drapes itself atop a syncopated rhythm. Conversely, ‘Dream A Little Crazy’ is an anthemic crowd pleaser, soaring with attention-grabbing vocal harmonies and an uplifting melody.

Despite the well-crafted array of sounds, this album may be hard for casual listeners to engage with. Unlike the dance-pop of an artist like Flume, Now +4Eva requires immersion in its multitude of synths and effects to be appreciated.
(tonedeaf)


Comprised of saccharine dance numbers with wiggly synths and mechanized vocal harmonies, much of the album sounds almost cartoonish. And while the stylized production value speaks to the band’s evolutionary process, it also makes them less interesting. This is epitomized in opening track “In the Future”, an upbeat, syrupy number tugged by peppy synths and sprightly keyboards. While the track isn’t necessarily unpleasant, it’s largely bland, rendering much of the sound puerile and unfledged. That tepid formula is shepherded in “I Might Survive”, a sticky dance song infused with high trombones and candied vocals.

Parts of Now + 4EVA are digestible once you’ve accepted the album for what it is and proceed under the assumption that the group aren’t taking themselves too seriously. “Echo” features Kellie Sutherland’s sedate vocals over a simple drum loop and jazzy synths, while “U Tell Me” elicits frontman Cameron Bird’s fascination with ’80s new wave pop and delivers it with percussive, mid-tempo beats.
(Consequence Of Sound)





Montag, 21. April 2014

Should - The Great Pretend
Dirk Montag, 21. April 2014 0 Kommentare




















Obwohl Marc Ostermeier und Tanya Maus gemeinsam seit 1995 musizieren, wurde jedoch kürzlich mit "The Great Pretend" erst ihr viertes reguläres Album unter dem Bandnamen Should veröffentlicht. Grund dafür war eine dreizehnjährige Auszeit des aktuell in Baltimore angesiedelten Duos. 

Im Gegensatz zu früheren Veröffentlichungen lassen es Should hier deutlich entspannter, sanfter und subtiler zugehen. "The Great Pretend" gehört daher eher in die "Dreampop"-Schublade als in die mit der Aufschrift "Shoegaze". Die Ausnahme dieser Regel stellt der Song "Dalliance" dar.  

"The Great Pretend" sollte man sich anhören, wenn man Slowdive, Stars und Yo La Tengo mag. Hier ist das Video zur ersten Single "Down A Notch":



Don’t Send Me Your Regrets opens the album and is a sort of foreword, largely a verse without a chorus.  To me, it’s more of a song fragment that sets a mood, much like some of F. M. Cornog’s East River Pipe songs like Wholesale Lies from The Gasoline Age.  The one cover on the album (and it’s a great one) is Loveless Devotion by Over The Atlantic’s Nik Brinkman and Bevan Smith (from their album Dimensions) and it’s a softer interpretation with staggered harmonies from Marc Ostermeier and Tanya Maus accompanied by crisp guitar and bass.  The rougher edges of the original version appear towards the end of the song.

What’s a bit different on this album compared to Should’s last is that rhythms seem more energetic (dare I say danceable?) as in Mistakes Are Mine, Everybody Knows (with drum machine and statement-response lyrics) and Dalliance, yet there are moments (like In Monotone) that are more contemplative with gentle keyboards, light electric guitar and drums; it’s a Shoegaze One Note Samba.

Down A Notch is an excellent first single for the album, another example of an upbeat song with paradoxical lyrics. A Lonely Place is a duet reminiscent of some of Brian Wilson’s songs from the romantic yet melancholic Pet Sounds era, it reminds me of Caroline No.  Amends explores a darker mood and sound.  Gold Stars is like a gentle sonic waterfall, similar to Turned Tables from Like A Fire Without Sound.

The album closes with the curiously upbeat yet shy introspection of Don’t Get To Know Me, and there it is again, the complexities of relationships and emotions—songs that often express feelings better when one is at a loss for words.
(wajobu)




Sonntag, 20. April 2014

Eels - The cautionary tales of Mark Oliver Everett
Ingo Sonntag, 20. April 2014 0 Kommentare






















Bekanntlich sind die Eels Mark Oliver Everetts (aka “E”) Soloprojekt mit wechselnden Begleitmusikern. Mit dem elften Album “The cautionary tales of Mark Oliver Everett” wird auch der Albumtitel dieser Tatsache gerecht.

Zu Zeiten des Debüts “Beautiful freak” im Jahr 1996 hätte man die Eels noch für eine Rock-Band halten können. Mark Oliver Everetts Buch “Things the grandchildren should know” schildert einige Gründe, warum die folgenden Werke merklich nachdenklicher und persönlicher wurden.

Einige rockige Alben zwischendurch (“Souljacker” und “Hombre lobo”) täuschen nicht darüber hinweg, dass Everett eigentlich melancholische Geschichten erzählen möchte. Während ich in der Vergangenheit die rockigen Ausbrüche besonders zu schätzen wusste und diese vielen der ruhigeren Songs vorzog, überzeugt mich “The cautionary tales of Mark Oliver Everett” auch  ohne Rock Titel mit sehr persönlichen und ergreifenden Songs. An diesen arbeitete E mit seiner Band (Koool G Murder, The Chet, P-Boo und Knuckles) bereits vor einer Weile, aber er stellte sie zurück und nahm in gleicher Besetzung zwischenzeitlich “Wonderful, glorious” auf.

Trotz der Unterbrechung und den “Nacharbeiten” wirkt “The cautionary tales of Mark Oliver Everett” vor allem im Vergleich zum vielseitigen Vorgänger erstaunlich homogen. So erscheint das bislang “reinste” Singer-/Songwriter Album der Eels eben jetzt. Musikalisch begleitet werden Es Erzählungen dieses Mal u. a. von Streichern, Bläsern und dem Glockenspiel. Ohne neue Grenzen auszuloten könnte es sich auch um eine Zusammenstellung von Songs aus seiner gesamten Zeit als Musiker handeln. E liefert eben eher solide und konstante Leistungen statt Überraschungen. Die Eels haben sicher schon ein Dutzend stärkerer Songs ähnlicher Machart fabriziert. Aber derart dicht auf einem Album versammelt wird die Wirkung verstärkt.

“Serious of misunderstandings”, das bedrohliche “Dead reckoning” und “Mistakes of my youth” erscheinen mir bislang als die besten Titel auf “The cautionary tales of Mark Oliver Everett”. Das Album in seiner Gesamtheit war der ideale Soundtrack für Karfreitag, funktioniert aber auch an jedem anderen Tag des Jahres. Jeden Eels-Fan wird E mit diesem Werk nicht begeistern. Aber der treue E-Anhängerschaft ist es wärmstens empfohlen.

Drowned in sound wünscht dem Werk breiteren Erfolg:

If past Eels albums have been like rifling through the pages of Everett’s diary, then The Cautionary Tales of Mark Oliver Everett  is like gazing directly into the heart of his soul. Eels may not tread any new ground musically (aside from being generally less noisy), but never before have we seen such raw emotion on show. It would be a shame if this album, like their last couple, doesn’t get listened to beyond Eels’ devoted fan base. There is something rather special in these cautionary tales, something that all of us can learn from.

Das Video zu “Mistakes of my youth”:

Passend zu den ruhigen Songs ist die aktuelle Tour bestuhlt. In Deutschland bieten sich diese Gelegenheit für einen intimen Abend mit E an:
  • 24.06. Berlin
  • 22.07. Hamburg

Samstag, 19. April 2014

Chet Faker - Built On Glass
Dirk Samstag, 19. April 2014 0 Kommentare




















Nur weil das Plattencover mit der Plastik einer Hand so gut zur gestrigen Vorstellung von "Loom" (Fear Of Men) passt und nur weil das Video zu "Talk Is Cheap" so schön Peter Gabriel/Sledgehammer-mäßig ist, kommen wir heute zu Chet Faker.




Hinter dem Künstlernamen Chet faker steckt der Australier Nicholas James Murphy, der in seiner Heimat bereits einige Preise abräumen durfte und durch einen YouTube-Hit ("No Diggity"), seine erste EP "Thinking In Textures" (2012) und die Zusammenarbeit mit Flume auf "Drop The Game" bekannt wurde. 

"Built On Glass" stellt sein Debütalbum dar und ist mit seiner Mischung aus Soul, Electronica, Downtempo und R'n'B leider so gar nicht mein Fall. Aber es gibt hier unter den Richtern ja Fans von James Blake und SOHN - man darf gespannt sein, was sie zu Chet Faker zu sagen haben. 

Zunächst müssen andernorts lobende Worte für "Built On Glass" gefunden werden:
Jetzt wagt er sich an das Album – und macht eine gute Figur. Weil das Dutzend Songs, das er in einem alten Kühlhaus auf dem Melbourner Fleischmarkt aufgenommen hat, klassisch und doch modern, experimentierfreudig und arty, aber auch kommerziell anmutet.

Murphy schafft den Brückenschlag zwischen den Underground-Clubs, in denen er sein Hauptpublikum sieht, und dem Mainstream. Indem er einfach ganz er selbst ist. Das deutet sich im Opener „Release Your Problems“ an, der einen warmen Fender-Rhodes-Sound mit kratziger Raucherstimme garniert. Anschließend greift er auf Saxofon, Orgel, Handklat- schen und Gitarre zurück. Gleichzeitig aber auch auf verspielte Samples, Loops und Beats, die dieses Debüt um Klassen besser machen als das gehypte Werk von The Weeknd.

Und er glänzt nicht nur mit einem tollen Organ, das wirkt wie ein doppelter Espresso, sondern auch mit Texten der Marke „my happiness is some fucking kind of mess“ (aus „Melt“). Chet Baker wäre stolz auf ihn!
(Musikexpress)

Dabei schafft Murphy auch auf Built On Glass eine elegante Brücke zwischen seinem eigenständigen, cremig verrührten Fender Rhodes-Soul mit elektronischer Schlafzimmer-Produktion und einer gesunden Prise an Pop-Tendenzen. Der Opener Release Your Problems zeigt beispielhaft, inwiefern sich Murphy mit seinem Alias der einstigen Jazz-Legende Chet Baker und dessen damals neuartiger, sehr intimer und nah erscheinender Stimme widmete. Back-Up Vocals, Drum-Computer und eine saftige Bassline lassen die gefühlvoll vorgetragenen Zeilen in gedimmtem Rampenlicht angenehm ihren Lauf nehmen. Zusammen mit der jungen amerikanischen Sängerin Kilo Kish wandelt er bei Melt den wohlbekannten Fender-Rhodes leicht ab, fügt knackige Synthies und eine digitale Flöte der Klasse Black Moth Super Rainbow hinzu. Auf To Me fällt der Rhodes dann ganz weg, dafür bereiten griffige Bass-Riffs neben sporadisch vorbeiziehenden Bläsern und nebeligen Synthesizern den Weg. Ab diesem Punkt geleitet der Track / den Hörer unter Vinylknistern in die zweite Hälfte mit den Worten: "This was the other side of the record. Now relax even more and drift a little deeper as you listen". Und hier wird das Album erst richtig interessant. Murphy bereitet den Hörer ganz bewusst vor und unterteilt Built On Glass in die erste, seichte und leicht bekömmliche Hälfte und die zweite, weitaus experimentierfreudigere Hälfte. Auf Blush erlebt man einen Chet Faker mit Filtern, mit großen Effekten und feingeschnittenen Vocal-Samples.
(Zolin sagt)

Chet Faker in Deutschland:

03.05.14 Berlin, Postbahnhof
04.05.14 Hamburg, Uebel & Gefährlich
08.05.14 Köln, Gloria
18.07.14 Gräfenhainichen, Melt! Festival
08.08.14 Rees-Haldern, Haldern Pop Festival
15.08.14 Hamburg, Dockville

Freitag, 18. April 2014

Fear Of Men - Loom
Dirk Freitag, 18. April 2014 0 Kommentare



















Heute kommt das große Rundum-glücklich-Paket für Freunde der Brightoner Dreampop/Shoegaze-Band Fear Of Men. Zu hören gibt es deren Debütalbum "Loom" im Stream, dazu der Hinweis, dass man die Platte zum morgigen Record Store Day im schicken roten Vinyl bekommen kann, zu sehen gibt es das  Video zur ersten Single "Luna" und zur Vorfreude gibt es die Tourdaten für den kommenden Juni, den sie in Begleitung von The Pains Of Being Pure At Heart verbringen werden.    

Leider gibt es zur zweiten Single "Descent" noch kein Video und eine Doku über die Aufnahmen von "Loom" dürfen wir uns Dank der GEMA leider nicht anschauen.




Bereits im letzten Sommer hatten wir auf "Early Fragments", eine Zusammenstellung ihrer ersten Singles, verwiesen, das nun folgende Album weist zur Compilation zwei Überschneidungen auf ("Green Sea" und "Seer") und bleibt sich auch stilistisch treu: Das Plattencover präsentiert erneut klassische Statuen, die Musik dürfte weiterhin Freunden von Lush, Cocteau Twins, Beach House oder Dum Dum Girls ans Herz gelegt werden.



‘Loom’ is a record of stifled urgency, as if witnessing the album through a glass ceiling, there’s an apprehension that Fear of Men portray that makes you want to edge closer into the band’s inner circle. Confessional wordplay pops up to make a striking statement just when you wouldn’t expect, ‘Seer’ is the prime example of the Brighton three piece marrying a pleasant aural calm with something more macabre. Weiss throws up the juxtaposed lyrics of “I can help you when you’re down and out” firstly, as if extending a charitable olive branch, swiftly followed by “you make no sense at all with my hands around your neck”, the lyrical equivalent of throttling this unnamed soul with said branch. ‘Luna’ again has Weiss sweetly declaring “I tried my best to destroy you” – there’s the impression that if ‘Loom’ was a person it would be smiling on the outside but falling apart on the inside or a cheerful, personable individual by day and a knife wielding psycho by night.

Melancholy and bi-polar shifts in mood work as an undercurrent throughout ‘Loom’; ‘Green Sea’ commences to the sound of tense, taught strings being strummed, wrapping themselves around Weiss’ wistful voice which swells into sumptuous yet understated harmonies, all these factors invoke a relaxing but uneasy silhouette that’s cast across Fear of Men’s work. ‘Vitrine’ is the epitome of where ‘Loom’ has been spawned from “tell me that you’re perfect still on the surface/but it’s happening underneath/perfect still on the surface/tell me you need me/say that you need me/ideal daydreams show me what I’ve lost” This lyrical baring of the soul is what makes the seasider’s debut such an emotive, enthralling listen.

‘Loom’ triumphs in being vulnerable but with an air of unsettling malice attributing to Fear of Men producing a brave album that is embellished with untold depth and human fragility. <
(Northern Transmission)

Fear Of Men (im Vorprogramm von The Pains Of Being Pure At Heart) in Deutschland:

18.06.14 Stuttgart, Club Schocken
19.06.14 München, Strom
20.06.14 Berlin, Magnet
21.06.14 Frankfurt, Zoom
22.06.14 Münster, Gleis 22
24.06.14 Hamburg, Knust
25.06.14 Köln, Luxor


Donnerstag, 17. April 2014

Amatorski - From Clay To Figures
Dirk Donnerstag, 17. April 2014 0 Kommentare




















Helmut Lotti ist der bekannteste Musiker aus der belgischen Stadt Gent. Sagt Wikipedia.
Daran etwas ändern werden hoffentlich Amatorski, ein 2008 von der Sängerin und Songwriterin Inne Eysermans, dem Gitarristen Sebastian van den Branden, der Bassistin Hilke Ros und dem Schlagzeuger Laurens van Bouwelen gegründetes Quartett. Verdient hätten sie es auf jeden Fall und von "amateurhaft", was der ursprünglich aus dem Polnischen stammende Bandname bedeutet, kann gar nicht die Rede sein. Sage ich.

2011 erschien nach einer ersten EP ("Same Stars We Shared", 2010) mit "TBC" das Debütalbum von Amatorski, das Vergleiche zu Portishead und Sigur Rós hervorrief. Für den Nachfolger "From Clay To Figures" würde ich gern noch Múm, Efterklang und Daughter hinzufügen. Die warme Stimme von Inne Eysermans, das versponnene, elektronische und häufig mit sirrenden Gitarrenklängen unterlegt Geplucker sowie die oftmals hypnotische, fast sakrale Grundstimmung sind die Gründe dafür.     

Bergketten, fallende Schneeflocken, ein Cover, gehalten in unterkühlten Blautönen und magischen Weißschattierungen. Zu klischeehaft? Vielleicht. Dennoch hätten Amatorski ihr Schaffen kaum treffender visualisieren können. Während die Natur sich von der kalten Jahreszeit befreit, veröffentlichen Inne Eysermans und Sebastiaan Van den Branden ein aus zeitloser Eleganz, ausdrucksstarker Reduziertheit und ergreifender Frostigkeit aufgeschichtetes Kleinod elektronischer Arrangements, die in kein Genre passen wollen. Eine hoffnungsfrohe Endzeitstimmung liegt in der sakral anmutenden Traumwelt der Belgier. Eine, die von einer abgeschiedenen Heimlichkeit lebt. Und diese zu genießen weiß.
(westzeit)




Ihr Nachfolger "From Clay To Figures" führt mit sanften Songs wie "Hudson" oder "Wild Birds" nicht nur ihren melancholischen Klang fort, sondern bleibt dem Duktus aus Vintage-Keyboards, andächtigen Bläsern und pointierten Drum-Salven treu. Dass die dreizehn neuen Tracks dabei an unterschiedlichen Orten entstanden sind, ist beinahe Nebensache. Denn Songschreiberin Inne Eysermans geht es zwar einerseits um die Flucht vor dem hektischen Alltag ("Fragment"), aber vor allen Dingen um die eigenen Fans.


So ließen Amatorski ihre Follower auf der interaktiven Seite "Unlock" Teil des Hörgenusses werden, indem Songteile über soziale Netzwerke weitergegeben wurden, nach dem Motto: je öfter die Botschaft geteilt wurde, desto mehr dürften die Fans ins neue Werk hören. Und das ist noch lange nicht alles: Auf Deleting Borders.com können Fans sogar den Song "How Are You?" durch einzelne Klicks neuarrangieren. Fernab der frischen Marketing-Ideen überzeugt "From Clay To Figures" mit einer emotionalen Kombination aus Gitarren- und Synthie-Sounds, die mit einem eindrucksvollem Gespür für harmonische und atmosphärisch aufgeladenen Arrangements kein Herz verfehlen dürften.



Amatorski in Deutschland:

24.04.14 Berlin, Kantine am Berghain
25.04.14 Hamburg, Übel & gefährlich Turmzimmer


Mittwoch, 16. April 2014

James Walsh - Turning Point
Dirk Mittwoch, 16. April 2014 0 Kommentare




















Irgendwie hatten Starsailor ihr Pulver schnell verschossen: Das Debütalbum "Love Is Here" (2001) war toll, aber der Nachfolger "Silence Is Easy" (2003) war dann plötzlich Album des Jahres bei Platten vor Gericht - und keiner wusste so recht warum. Weder "On The Outside" (2005) noch das etwas bessere "All The Plans" (2009) konnten das Niveau der ersten beiden Alben erreichen und schließlich legte die Band kurz nach der Veröffentlichung ihrer vierten Platte das Projekt Starsailor erst einmal auf Eis.

Ihr Sänger, James Walsh, veröffentlichte 2012 über iTunes das in Zusammenarbeit mit Sacha Skarbek entstandene Album "Lullaby" und lässt nun das über Pledge Music finanzierte "Turning Point" folgen.

James Walsh wandert in gewohnten Gefilden und präsentiert melodiösen Rock, der auch so in den 70er Jahren hätte erscheinen können und nirgendwo aneckt. Tim Buckley lässt immer dann, wenn Walsh nur zur akustischen Gitarre singt und ins Falsett verfällt (was sehr oft passiert), schön grüßen. Nur selten dürfen Gitarren und Schlagzeug ein wenig rocken ("The Man", "If I Had The World"), meistens umschmeicheln Piano und Streicher den Gesang, einmal auch Suzanne Vega ("Firing Line") und ein gospelartiger Chor ("Better Luck Next Time").   

"Turning Point" wurde in den Fisher Lane Farm Studios von Genesis aufgenommen, von Harry Rutherford, dem Sohn von Mike Rutherford (Genesis, Mike + The Mechanics), produziert, steht seit dem 15. April als CD in den Läden und wird hier sicherlich nicht Album des Jahres werden. Fans von Starsailor können jedoch bedenkenlos zugreifen.  


Revealing that he has lost none of his charm at all, it opens with the title track, which has a 1970 George Harrison flow while his vocals remain solid. 'Better Part of Me' is stripped right down, and, a beautiful love song to a wife or partner, is very believable, which is what attracted me to Starsailor originally.

'Empire' is a soul-searching number that will be enjoyeed by his regular audience and shows that the muse hasn't left him at all. 'That Man', is toe-tapping fun, while 'Firing Line' is acoustic-based, again bare to its naked bones, and soulful, reminiscent of Sarsailor's original mentor Tim Buckley.

'Broken You' opens with stunning acoustic guitar, and is heartfelt and warm as a father sings to a sick child. 'We Could Try' is anthemic, and recalls Starsailor in all their brilliance.

'Fading Grace' is gentler, and, finding James backed by just guitar and strings, is absolutely heart melting. 'If I Had the Words' is scratchy, with something of a Crazy Horse vibe.

'Isabel' is backed by piano with soaring vocals which increases his vocal range, and creates a melting point of great ideas. The soulfullness of 'Better Luck Next Time' ends a great debut solo album.
(pennyblackmusic)


Walsh wastes no time reminding us what we have been missing with his unmistakable voice in full flow by the time the title track hits the chorus in the album opener. ‘Turning Point’  has a very catchy chorus – I am instantly hooked and find myself humming and singing along despite it being only my first play of the album.  ‘Better Part of Me’, ‘Empire’ and ‘That Man’ follow and four tracks into the album I think to myself “this album could be getting some serious air-play in my car and house over the coming months”.
The album also features a couple of duets (provided you manage to get copy with the Bonus Track – ‘Better Part of Me’ featuring Carice van Houten) and ‘Firing Line’, featuring Suzanne Vega of ‘Luka’ fame, sounds delicately beautiful with her voice complementing Mr Walsh perfectly in this track.
‘We Could Try’ and ‘If I Had The Words’ remind me somewhat of earlier Starsailor material and both sound great. Granted I have always enjoyed James Walsh’s voice and the material Starsailor released but these are some fantastic songs in their own right. ‘Fading Grace’ hits the mark again and whilst Walsh has been compared to Chris Martin in the past, in this song I am thinking more Bono and loving it!
(gigslutz)


Dienstag, 15. April 2014

Tom Hickox - War, Peace And Diplomacy
Dirk Dienstag, 15. April 2014 0 Kommentare




















Das Londoner Indie-Label Fierce Panda kann in seinem 20-jährigen Bestehen schon auf die ein oder andere tolle Entdeckung verweisen. Beispiele gefällig? Gerne: Ash, The Bluetones, Supergrass, Baby Bird, Coldplay, Placebo oder Keane. Die meisten Acts wurde jedoch nach ersten Single-Veröffentlichungen schnell von einem Major-Label unter Vertrag genommen....

Das könnte bei Tom Hickox auch passieren. Der Singer/Songwriter aus London wurde 1981 als Sohn einer Orchester-Musikerin und des berühmten Dirigenten Richard Hickox geboren. Da nimmt es nicht wunder, dass auch der Junior auf dramatische und symphonische Arrangements setzt und dazu mit tiefer Stimme herrlich croont.

Die neun zeitlosen Titel seines Debütalbums "War, Peace And Diplomacy" lassen daher an die ruhigeren Lieder von Woodkid ("The Pretty Pride Of Russia", "A Normal Boy") oder Richard Hawey ("Good Night") denken. Hawley selbst ist auf dem Album auch zu hören und spielt auf der zweiten Single "Out Of The Warzone" Gitarre. Zudem nahm er Hickox mit auf Tournee und lieh ihm für die Aufnahmen auch seine Band und seinen Produzenten Colin Elliot aus.

Highlights hervor zu heben ist schwierig, vielleicht sind dies aktuell für mich "White Roses Red", das klingt, als ob Thomas Feiner (Anywhen) von Radioheads "Pyramid Song" inspiriert worden wäre, und "Let Me Be Your Lover", das nicht nur textlich berührt:


In England erschien diese wirklich großartige Platte bereits am 10. März, Deutschland muss sich noch bis zum 25. April gedulden. Leider gibt es bisher noch keine Vinyl-Veröffentlichung.


Besonders spektakulär ist die Stimme von TOM HICKOX auf seinem Debüt "War, Peace And Diplomacy" (Fierce Panda/Cargo): Ein warmer, in den neun Liedern spürbar unterforderter Bariton, der durch sinfonisch-schwermütige Arrangements gleitet. Diese Musik kann man sich ebenso gut in einem plüschigen Club vorstellen wie in Londons Royal Albert Hall mit großer Orchester-Begleitung.

Der Apfel fällt ja auch nicht weit vom Stamm: Toms Vater Richard Hickox war einer der renommiertesten britischen Klassik-Dirigenten - daher wohl die Vorliebe des Sohnes für üppige Streichersätze und Cinemascope-Stimmungen. Ohne gute Songs wäre das nur hohles Pathos, aber an guten Songs mangelt es Tom Hickox zum Glück nicht.

Ob mit der Sehnsuchts-Ballade "Let Me Be Your Lover", dem Polit-Drama "A Normal Boy" oder dem traurigen "The Lisbon Maru" - dieser Pianist, Sänger und Songwriter aus dem Londoner Stadtteil Camden versteht sein Handwerk. Dass es Hickox im abschließenden "Good Night" mit dem Bombast etwas übertreibt - geschenkt. Von diesem Britpop-Crooner ist noch einiges zu erwarten.
(süddeutsche)


Let Me Be Your Lover is a song which features lines every love-stricken human being wishes they could pen, if only to tell their love these lines: “Let us share a tombstone in a graveyard by the sea/ then let us hear the crushing in immortality/ let me be your lover, let me be your friend/ let me be beside you whenever it’s the… end.” Muted horns moan in the background with the orchestra, a great swell of sadness moving around the listener. The Pretty Bride Of Russia has Hickox singing from the perspective of a young girl looking to go to London: “I’ll learn to act and sing and make my father proud.” A small orchestra moves the emotion along, undertowing that voice.

To describe Hickox’s voice is an exercise in image comparison. Utterly unique, it fluctuates, croaks, and croons in an unmistakable North London accent, conjuring up smoky pubs and music halls alike, as if Josh Groban has been hanging out with Tom Waits and is splitting the difference. In White Roses Red, swooping strings in minor keys move forcefully across a wall of sound while Hickox gives an intense vocal performance, all screams and utterings in the same sentence. It is here his diction, phrasing, and talent in singing really shine.

In politics, Hickox wisely avoids tackling divisive topics head-on, and instead centers on the human element. No sloganeering here. A Normal Boy is a heartbreaking portrayal of a young man falling into the lure of terrorism. “I want to do what’s right/ I want to carry the fight/ ‘cause I’ve seen a light,” he repeats over and over as the music grows more chaotic, successively showing the aggression and chaos within. Out Of The Warzone describes death in vivid terms, to a tune more more appropriate for romance. This choice isn’t mere irony or satire. When he sings, “My soul is floating away out of the warzone,” no trace of detachment is found, just sweet release.

As Hickox himself says, “I am a great believer in the listener finding their own way. I have failed as a writer if there’s only one interpretation of the lyrics.” For music that moves the soul, you can surely do no better. War Peace And Democracy is a masterwork, demanding repeated listens and sure to spark endless musings and study. And why not? Containing both sobriety and humour, beauty and the grave, Tom Hickox has created a modern classic, a must-have for all those who wish to feel.
(music omh)

Montag, 14. April 2014

The Faint - Doom Abuse
Dirk Montag, 14. April 2014 0 Kommentare




















Obwohl The Faint aus Omaha, Nebraska, stammen, früher auf Saddle Creek veröffentlichten und auch ein gewisser Conor Oberst einmal im Lineup der Band stand, passt ihr New Wave-Elektro-Punk klanglich recht wenig ins gängige Omaha-Folk-Kollektiv-Bild. Roh, elektronisch, tanzbar, energetisch und ruppig sind Begriffe, die zur Musik von The Faint passen und sich am Video zu "Help In The Head" gut überprüfen lassen:


"Doom Amuse" ist das sechste Album von The Faint, auf das uns die Herren Todd Fink (Gesang, Keyboards), Jacob Thiele (Keyboards, Gesang), Michael Dappen (Gitarre) und Clark Baechle (Schlagzeug) sechs Jahre warten ließen. Grund dafür war, dass sie nach der langjährigen Entstehung von "Fasciinatiion" (2008) und der folgenden Tournee schlicht ausgebrannt und ideenlos waren und sich zunächst nicht mehr viel zu sagen hatten. Die Musiker gingen erstmals getrennte Wege, verloren sich jedoch nicht aus den Augen und trafen sich in unterschiedlichen Projekten (z.B. Depressed Buttons) und Konstellationen wieder. 

Seit 2013 arbeiteten The Faint wieder an neuen Songs. Gemeinsam mit Mike Mogis gingen sie dann wieder ins Studio, um "Doom Abuse" möglichst direkt und live aufzunehmen, auch um damit der langwierigen Entstehungsgeschichte und Computertüftelei von "Fasciinatiion" entgegenzuwirken. 

Metacritic weist derzeit einen Schnitt von 70/100 Punkten bei 8 berücksichtigten Kritiken aus. Am oberen Ende der Skala steht The A.V.Club (83), am unteren der NME (60):      

The result is a jittery patchwork of synthpunk pogos (“Evil Voices,” the Devo-esque “Dress Code”), industrial-icy electronica (“Animal Needs,” “Unseen Hand”), metallic punk zaps (“Salt My Doom”) and zany dance-pop (“Scapegoat”).
By the end of Doom Abuse, this frantic energy winds down and culminates in a grinding closer, “Damage Control,” whose grayscale synthpop recalls The Human League’s early days. But even this outlier resonates, thanks to the cloud of regret and sorrow that permeates its lyrics. Whether agitated or brooding, Doom Abuse is a pointed reminder that The Faint is most comfortable when things are slightly askew.
(A.V.Club)

Having jerk-danced their way off the Ultra New Wave map in 2008 they now return with album seven, their goth-tinged electro-rock undimmed, their melodies unsettlingly wonky and their heads filled with scary voices ('Help In The Head', 'Evil Voices', 'Mental Radio'). A good seven years out of date, 'Doom Abuse' is pure synth-pop mania, frequently teetering between unadulterated Trent Reznor pop brilliance ('Unseen Hand', 'Lesson From The Darkness') and impressions of Skrillex driving a monster truck through a Savages gig in a video arcade ('Animal Needs', 'Dress Code'). Does it abuse you? Oh yeah… 
(NME)

Des Königs Goldene - Und Los




















Man könnte glauben, ich höre den ganzen Tag ausschließlich deutschsprachige Musik, wenn man sich so meine Vorstellungen ansieht. Dem ist natürlich nicht so, auch bei mir ist es ein eher kleiner Prozentsatz, aber irgendwer muss ja diese vernachlässigte Flagge hier hochhalten.
Und auch wenn meine Vorlieben, doch eher im "harmonischen" Bereich des deutschsprachigen Sektors liegen, gerne mal Singer/Songwriter, gerne auch mal die eingängigeren Punk/Indie-Bands, ist es doch immer wieder ganz schön, wenn man Bands findet, die sich zumindest ein klein wenig in ihren Vorbildern von dem absetzen, was gerade so "angesagt" ist.
Dieser Tage ist mir mit DES KÖNIGS GOLDENE so eine Band untergekommen. Wenig lautes Geschrei, wenig befindlichkeitsorientierte "Junger Mann mit Gitarre"-Musik, sondern viel mehr gerade auf den Punkt gespielte Rock-Musik (ohoh), die mich persönlich sehr an die damalige Garde des "Brit-Rock" mit ihren Protagonisten a la FRANZ FERDINAND, ARCTIC MONKEYS oder die KAISER CHIEFS (zu Zeiten des glorreichen ersten Albums) erinnert. Beim Opener "Weisse Wand", der zwischen sehr reduzierten Strophen und gitarrenlastigen Refrains wechselt, fällt das vielleicht noch nicht so ins Ohr, aber spätestens mit den ersten Takten von "Schnell und Schrill" ist das nicht mehr wegzudiskutieren.






Man fühlt sich zurückversetzt in den Sommer 2005, als wäre es gestern gewesen und dem ein oder anderen mag auch der Name MANDO DIAO durch den Kopf rauschen. Dass die Band aber auch das Thema Ballade durchaus gut bearbeiten kann, zeigt sich dann schon mit dem nächsten Song "Mein Dach". Manches Mal wird es mir allerdings ein bisschen zu karg z.B. in "Patient 0" und ich würde mir insgesamt eine etwas vollere Produktion wünschen, aber kaum, dass es mit einer weiteren Single "Bei Dir" wieder nassgeschwitzt Richtung Tanzfläche geht, ist das umgehend vergessen und der nächste Indiediskohit geboren.






Und da ich ja ein Namedropper vor dem Herrn bin, muss ich an dieser Stelle natürlich auch noch erwähnen, dass es vor einigen Jahren schon mal eine Mainzer Band gab, die einen ähnlichen Ansatz verfolgte, und an die mich DES KÖNIGS GOLDENE auch ein wenig erinnert, AULETTA.
Und weil sie, wen wundert es, natürlich auch nie die verdiente Anerkennung bekommen haben, seien auch sie noch schnell mit einem Video hier verewigt, weil irgendjemand muss die Flagge ja hochhalten.





Sonntag, 13. April 2014

Scraps Of Tape - Sjätte Vansinnet
Olly Golightly Sonntag, 13. April 2014 0 Kommentare


















Scraps Of Tape haben sich 2001 in Malmö gegründet und zwischen 2004 und 2011 vier Alben veröffentlicht. Mit ihrem neuesten Werk Sjätte Vansinnet stehen sie endlich erstmals bei uns vor Gericht.

Musikalisch bewegen sich die fünf Schweden zwischen Post-Rock und Indie(-Schrammelpop) - und sie wissen (typisch schwedisch), wie man Melodien schreibt. Post-Rock-typisch gibt’s natürlich auch den ein oder anderen Instrumental-Track (es sind vier der zehn Stücke), wobei die besten Stücke des Albums meines Erachtens die mit Gesang sind.

Album No.5 beginnt direkt mit vollem Schub nach Vorne. Eine majestätische Melodie, filigrane Breaks. Dann wird das Tempo rausgenommen und ‘We the Leftheaded’ wandelt traumwandlerisch zwischen Indie- und Postrock mit einem leicht progressiven Einschlag und einem herzzereißendem Gesang im Finale. (prettyinnoise.de)



Was SCRAPS OF TAPE […] veranstalten, ist beängstigend stark: "Hands In Hands" beispielsweise kann mit unterschwelligem OCEANSIZE-Flair und dezenter Indie-Rock-Schlagseite überzeugen (Wunderbar auch: die energischen Anschläge der Akustik-Klampfe im treibenden Mittelteil). Aber auch das wiegende "Teardrop Fucking Dropkick" und das intensive "Vultures With High Heels", das von brachialer Epik bis hin zu tänzerischer Leichtigkeit die gesamte Spannweite des Genres abdeckt, reißen mit. (metal.de)



Sjätte Vansinnet bietet eine ausgewogene Balance zwischen instrumentalem Können, dem unglaublich verbessertem Gesang eines Johan G. Winther, sowie dem Schlagzeugspiel des Ausnahmedrummers Frederik Gillhagen. Um die Hörerschaft noch mehr zu motivieren: Leser, die dies hörten, mögen auch Low, At the Drive-in, Mogwai etc… (prettyinnoise.de)




Samstag, 12. April 2014

Seahaven - Reverie Lagoon: Music for escapism only
Ingo Samstag, 12. April 2014 0 Kommentare























Die kalifornische Band Seahaven wurde 2008 gegründet. Vielleicht lag es am “Reifeprozess” der Mitglieder, dass sich die Herren damals schon von ihren individuellen Hardcore und Post-Punk Wurzeln ein Stück weit in Richtung Indierock wandten. Ihr erstes Album “Winter forever” wurde mit Brand New verglichen. Auf dem Nachfolger “Reverie Lagoon: Music for escapism only” entwickelt sich Band weiter und bietet mehr Power und Ideen als so manche desillusionierende Post-Rock Band ohne so eingleisig wie manch eingefahrene Indierock Verfechter zu wirken.

Alben mit mehr als zwölf Titeln schrecken mich im Allgemeinem wegen des Verdachts auf “zu viel gewollt” ab, aber da einige der Tracks auf “Reverie Lagoon: Music for escapism only” mit Spieldauern von unter zwei Minuten eher als Einlagen zu betrachten sind, hat sich die Band nicht übernommen. Abgemischt wurde das Album von Ben Brodin, der auch bei First Aid Kits “The lion’s roar” am Piano zu hören war und als Techniker an Bright Eyes’ “The people’s key” mitwirkte. Auch das kann als Indiz für die Seahavens breite Ausrichtung gelten.

Rare musikalische Ausbrüche (“Wild west selfishness”), orchestrale Momente und ruhige Passagen sorgen für reichlich Abwechslung auf dieser Indierock Scheibe.  Kyle Sotos Stimme bewegt sich mit charmanten Ecken und Kanten geschickt diesseits der Nervgrenze. Stellenweise fühle ich mich an Idlewild erinnert. Das Album benötigt etwas Zeit um dann in jedem Durchgang neue Facetten zu offenbaren. Wer von “purem” Indierock gelangweilt ist, sollte Seahaven etwas Aufmerksamkeit widmen.

“On the floor”, der folkige “Highway blues”, das rockige “Flesh”, “Karma consequential” und “Four-eleven” sind meine Favoriten auf “Reverie Lagoon: Music for escapism only”. 


Naturally with a title like Reverie Lagoon: Music For Escapism Only, you can expect melancholy throughout. It's actually quite amazing how well everything "fits" together - the title, art, and music all feel unified and that should be thrilling to music nerds everywhere. Reverie Lagoon is an immersive experience that will satiate your senses tenfold.[...] Reverie Lagoon will be heralded as one of the most thrilling albums of 2014 - get lost in it.

“Love to burn”:


“Wild west selfishness”:


Seahaven live:
  • 13.04. Hamburg
  • 14.04. Köln
  • 15.04. Berlin

Monochrome - Unità
Olly Golightly 0 Kommentare





















Wann genau die Band Monochrome entstand, ist als Außenstehender schwer zu sagen. Hervorgegangen aus der Hardcore-Kombo Dawnbreed, gab es in den Jahren 1996 bis 2000 quasi ein Bandhybrid, das seine musikalische Identität zwischen Punk, Indie und Pop suchte und 1999 mit Laser ihr erstes Album unter dem Namen Monochrome veröffentlichte. Es folgten Ferro (2003), éclat (2006) und Caché (2008).

"Hardcore im Herzen, Punk in den Beinen und Pop auf den Lippen!" heißt es dann auch auf ihrer Facebook-Seite. Und das klingt so:



Das Monochrome-Kollektiv ist auf dieser Platte sehr umfangreich, bei den Vocals mischen dann auch noch Miss Kenichi, Katharina Puscher und Ahlie mit, die zehn Jahre nach ihrem Ausstieg bei Monochrome gleich zwei Songs ihre Stimme verleiht. Beim Sound ist eine hohe Bandbreite vorhanden, von Pop, Post-Punk, Indie bis hin zu Jazz ist alles vertreten, was eine gute Platte ausmacht, man entdeckt selbst Querverweise auf The Clash und Joy Division, Weilheim schimmert auch das eine und andere Mal ein wenig durch.(borderlinefuckup.com)



Dafür, dass Monochrome fünf Jahre Hipstertum, Hype-Maschinerie und was es sonst noch so gibt verpasst haben, geben sie sich schön zeitgenössisch und haben da einen wundervolleren Track nach dem anderen arrangiert. Vielfältigkeit ist so ein anderes Attribut, welches wir leicht für ihr Album benutzen können. (soundkartell.de)

Tourdaten (ohne Gewähr):
12. April Dresden, Chemiefabrik
13. April Köln, Blue Shell
17. April Berlin, Antje Oeklesund
18. April Leipzig, Lola Bar
20. April Bielefeld, AJZ
21. April München, Orangehouse
22. April Stuttgart, Schocken