Platten vor Gericht

2013 hatte Passenger mit „Let Her Go“ eine Nummer 1-Single in Deutschland, in deren Folge auch das eigentlich im Vorjahr veröffentlichte Album „All The Little Lights“ bis auf rang 6 der Charts kam. Anschließend war Michael David Rosenberg äußerst produktiv und veröffentlichte jedes Jahr ein neues Album und das durchaus erfolgreich: „Young As The Morning Old As The Sea“ kam 2016 in seiner britischen Heimat auf Platz 1 und in Deutschland kletterten zwei weitere seine Platten bis auf Rang 6. Die Veröffentlichungen der letzten beiden Jahre waren eben so ungewöhnlich wie lobenswert, denn alle Einnahmen von „Sometimes It's Something, Sometimes It's Nothing at All“ und „Patchwork“ kamen wohltätigen Zwecken zu.

Auch „Songs For The Drunk And Broken Hearted“ will nicht nur eine Platte sein, sondern Gutes tun. Und so wird für jedes über die Homepage von Passenger verkauftes Exemplar, das zu 100% aus recyceltem Material besteht, ein Baum gepflanzt. Musikalisch sind die 10 Songs business as usual, also getragener, melancholischer Folkpop. Neben der regulären Version, die durch ein fröhlich klimperndes Piano („Tip Of My Tongue“), Streicher („The Way That I Love You“, „London In The Spring“), Bläser („Sandstorm“, „Songs For The Broken Hearted“) und/oder eine George Harrisson-Gedächtnis-Gitarre („Remember To Forget“) dezent aufgemotzt werden, gibt es erneut alle Lieder in der Deluxe Version in akustischen Fassungen. Ob Rosenberg bei den Aufnahmen von „Songs For The Drunk And Broken Hearted“ betrunken war, kann ich nicht sagen, aber ein gebrochenes Herz hatte der frisch Getrennte wohl: I think it’s a very strange world we live in, and everything I experienced usually percolates around the brain box for a little bit and then gets channeled into the songwriting, so a breakup is no different. It’s a very extreme version of that.

Ob die Wertungen der Plattenrichter Rosenberg auch wieder wie zuletzt ein gebrochenes Herz bescheren werden? So sah es bei den letzten Alben von Passenger aus:

„All The Little Lights“ (2012) 6,833 Punkte

„Whispers“ (2014) 7,500 Punkte

„Young As The Morning Old As The Sea“ (2016) 6,000 Punkte

„Runaway“ (2018) 6,000 Punkte

The opening track, Sword From The Stone, hits instantly like a punch to the gut, being about the inability to move on from a recent relationship. He asks about his ex’s family, and says he can’t ‘pull the sword from the stone’. It’s beautiful and direct, perfectly capturing the feeling of someone being torn away from you like a limb, a vital part of your life.
The Way That I Love You is an intimate tune about wishing somebody could love themselves as much as they’re loved by others. At its core, there are resemblances to the likes of Crosby, Stills & Nash laced within its tender acoustic guitar riffs and lullaby-like vocal melodies, making this feel like a long-time classic.
The track Sandstorm is a quietly swelling epic at 5 minutes long, which sees Passenger waxing poetic on the idea of being the sandstorm and a lover being the sand, feeling as though you’re the chaos in someone’s life and being hard to understand. The drums, horns and strings weave their way into the mix seamlessly, creating a cinematic listening experience that makes you want to go back and play on repeat.
Songs like Remember To Forget and Nothing Aches Like a Broken Heart work so well in that they’d fit perfectly into a Nashville dive bar and just as equally a trendy South London pub, with sliding and shimmery guitars, and hearty Billy-Joel-like piano chords bouncing around the latter track.
(When The Horn Blows)

Nein, weder ein animierter Film-Geist noch ein neues Projekt eines deutsch-amerikanischen Rappers bieten eine Hilfe beim Entschlüsseln von Casper Clausen. Durch das dänische Wort für Nachhall kommen wir dem Künstler schon deutlich näher, denn dieser gründete vor rund zwei Jahrzehnten die Band Efterklang. Nach fünf Studioalben und zwei weiteren Platten mit dem Projekt Liima war es offensichtlich Zeit für ein erstes Soloalbum, welches er in seiner portugiesischen Wahlheimat aufnahm.

Und so wagt sich Casper Clausen solo auf krautige Elektropop-Wege, die auf sich wiederholende Muster setzen, das klassische Strophe-Refrain-Schema ignorieren und sich in keine zeitlichen Vorgaben pressen lassen wollen. Gleich der Opener „Used To Think“ läuft über 8 Minuten und zieht einen in seinen hypnotischen Bann wie Songs von Kraftwerk oder LCD Soundsystem. Der Hinweis auf den ein oder anderen mantraartigen, meditativen oder repetitiven Moment, lässt den aufmerksamen Richter sogleich an Sonic Boom denken, der Clausen bei der Produktion des Albums half. „Little Words“ könnte daher auch von Spaceman 3 oder Spiritualized stammen, die Super Furry Animals kommen mir auch mehrmals in den Sinn. Bei einer noch deutlicheren Betonung der Beats hätte „8 Bit Human“ auch als Song von Underworld oder The Chemical Brothers durch gehen können. Obwohl „Better Way“ nur acht Songs anbietet, enttäuscht auch die Laufzeit (knapp 44 Minuten) dieses Albums nicht.

Clausens Stimme kommt übrigens auch in den anderen Songs selten ohne elektronischen Filter aus, aber auch ohne diese Verfremdung klingt sie meist entrückt. Auf dieser Platte ist er mehr Soundarchitekt als Sänger.
„Better Way“ hört man an, dass das Album fast ausschließlich am Computer entstanden sein muss. Minimalistische, manchmal allzu repetitive Elektromotive begründen die Sphären, die von schwirrenden Laserklängen durchstrahlt werden. Nur selten geht das daneben, so wie beim Song „8 Bit Human“, der vor nervöser Überladenheit eher Kopfweh provoziert.
So, wie sich der Künstler einfach driften ließ, so verfällt man auch als Zuhörer*in im Laufe des Albums in eine eigenartige Schwebe zwischen Verträumtheit und Lummerland.
(musikblog)

Casper Clausen gibt sich auf Solopfaden einen deutlichen Tacken experimenteller und geht auf hochgradig sympathische Weise aus sich hinaus. Gefühlt stets an irgendwelchen Reglern drehend und schiebend, sucht der Däne nach seinem ureigenen Art-Kraut-Pop-Ansatz, der zwischen allen Schubladen und Stühlen angenehm kauzige Harmonien durch den Fleischwolf jagt. Nicht immer ganz einfach, aber stets spannend und unverschämt gut: Capser Clausen debütiert im Alleingang mit Stil und Mut zum harmonischen Wahnsinn.
(Beatblogger)

Wer sein Album am 1. Januar veröffentlicht, hat jedes Recht die erste Neuvorstellung bei Platten vor Gericht zu sein - selbst wenn es sich nicht um Rachel Platten handelt.

2021 wird hart, The Dirty Nil sind härter. Und so paart das kanadische Trio harte Gitarrenrock-Riffs mit der Energie des Punk und der daraus entstandene Mischling trägt den Namen „Fuck Art“. Dieser passt auch ganz gut zum Titel der ersten Single („Fuckin' Up Young“), die Luke Bentham (Gesang, Gitarre), Ross Miller (Bass) und Kyle Fisher (Schlagzeug) 2011, fünf Jahre nach der Bandgründung zu High School Zeiten, veröffentlichten. Damals hörte das Trio vermutlich selbst Musik von The Stooges, Weezer, The Replacements, Nirvana, Dinosaur Jr., Led Zeppelin, The Who und Metallica.

Mittlerweile können sie selbst auf drei veröffentlichte Alben zurückblicken: „Higher Power“ (2016), „Master Volume“ (2018) und nun „Fuck Art“ (2021), das Schallplatten-Freunden auch in drei Variationen angeboten wird, denn neben black Vinyl sind auch gold Vinyl und pink white marble Vinyl erhältlich.

Auf Vorhersehbarkeit und Konventionen hat die Band so und so keinen Bock. Ein wütendes Thrash-Feuerwerk eröffnet „Doom Boy“ und schlägt sofort in eine mächtige, energische Power-Pop-Hymne um – gewisse Vergleiche mit Sum 41 drängen sich auf. „Elvis ’77“ verneigt sich ein klein wenig vor Cheap Trick und schraubt den Power-Faktor noch weiter in die Höhe, während das sarkastische, bitterböse „To The Guy Who Stole My Bike“ in aller Schwere durch zunehmend noisigen Alternative Rock marschiert. Luke Benthams gewiss total aufrichtige Hoffnung, die Bremsen mögen ja nicht versagen, hat Stil.
„Fuck Art“ ist pickepackevoll mit Überraschungen und bärenstarken Tracks. „Ride Or Die“ ist ein kantiges Liebeslied im Stil von Motörhead, und damit sollte bereits alles gesagt sein – frontal, schroff und doch irgendwie grundsympathisch, eingängig. Zu den verqueren Grunge-Gitarren von „One More And The Bill“ kann man herrlich mitgrölen, was gewissermaßen zur Saufstimmung passt. Im Gegensatz dazu wirkt das zurückgelehnte „Damage Control“ sonnig und vertraut, nur um nach knapp zwei Minuten eine weitere metallische Abzweigung zu nehmen und sich in eine Art Rausch zu brüllen.
(Beatblogger)

(…) aber gleichzeitig kommt "Fuck Art" so authentisch daher und jedes Riff ist so sehr vom Elan eines Musikschülers gesegnet, der sich das erste Mal abseits der vom Gitarrenlehrer aufgetragenen Lehrstücke ausprobiert, dass das Ergebnis am Ende doch zu gut gefällt. Immer wieder blitzen Akustik-Gitarren durch, die sehr saubere Produktion hält die verschiedenen Elemente aber wunderbar zusammen, selbst wenn das Pendel mal mehr in Richtung Punk- und Hardrock schlägt, wie in "Ride Or Die", das stellenweise an die Briten von The Subways erinnert. Ganz ähnlich ist es mit "Hang Yer Moon", das über einem grummelnden Basslauf immer wieder in dichte Riff-Feuerwerke kippt. Das gute Händchen für eingängige, wenn auch nie überraschende Hooks beweisen The Dirty Nil allenthalben, vor allem in "Blunt Force Concussion" oder "Damage Control". So bleibt schließlich der Eindruck eines spaßigen, leicht verdaulichen Teen-Nostalgia-Albums, das einen für kurze Zeit gut aus dem Pandemie-Trott entführen kann. Den Titel darf man dann wohl als Fingerzeig verstehen, dass hier auch niemand höhere Ambitionen hatte.
(laut)