The searingly honest piano ballad All I Have to Give provided a breakthrough as he turned his gaze on himself. “You might be right sometimes, I’m too scared to open up,” Hutchcraft sings. Redemption is equally powerful, as a cinematic instrumental penned by Anderson years ago finds its perfect match in Hutchcraft’s musings on self-doubt.

There’s a darkness which permeates all 11 tracks. The thrilling Fractured sees Hutchcraft’s vocals reduced to a disturbing whisper to survey personal faults. Previous single Suffer is an atmospheric exploration of desire — with a baseline featuring a recording of their whirring studio coffee machine.

(Evening Standard)

Das Dutzend Songs dudelt zum Großteil in der Tat so unbeeindruckend durch, dass man sich Sorgen macht, ob der Sound des Septetts nicht doch mittlerweile ernste Abnutzungserscheinungen erfährt. Gretchenfrage: Wäre "Danzn" das erste Album der Truppe, würde man es besser bewerten? Doch ein Vergleich mit dem Debüt "Habediehre" bringt vielmehr hervor, dass LaBrassBanda früher schlichtweg eingängigere, mitreißendere Refrains und schweißtreibendere Tempoparts servierten. Heute reicht es, wenn über 08/15-Trompetenfiguren ein "Bababa" oder "Nanana" oder "Dadada" gesungen wird. Die ohnehin nie arg verkopften Texte werden zu unausgegorenem Beiwerk – oder gleich ganz durch einfallslose Lautmalerei ersetzt. Stefan Dettl und Co. geben sich einfach zu wenig Mühe. (…)

Nein, "Danzn" macht in seiner Gesamtheit leider zu wenig Spaß. Die Substanz bröckelt an allen Ecken und Enden. Auch wenn das Mitwippen hier und da immer noch schwer unterdrückt werden kann, scheinen LaBrassBanda dringend neue Ansätze für ihren originellen Sound zu benötigen. Denn sich nur auf "'s Leben is schee" auszuruhen, kann es ja auf Dauer auch nicht sein.

(Plattentests)

Die Songs stehen nun als voluminöse Bauwerke da, in die No Joy Trance- oder Synthie-Pop-Ebenen ziehen. Layer um Layer um Layer, bis die Luft dann doch etwas dick wird.

White-Gluz’ Stimme hängt im hinteren Teil dieser Räume, dominanter ist das Jingle-Jangle der guten Jahre, auffallend auch mal ein Satz markiger Heavy-Rock-Gitarren und etwas Drama auf dem Piano. Das verleiht den elf Songs schon verschiedene Geschmacksnoten. Es bleibt dennoch der Eindruck hängen, dass sich bei No Joy 2020 nicht viel bewegt. Aber wir langweilen uns hier ja auf anständigem Niveau.

(musikexpress)

Einer der großartigsten dieser Momente ist gleichzeitig auch einer der überraschendsten: In "Dream rats" teilt sich White-Gluz das Mikrofon zum ersten Mal mit ihrer Schwester Alissa, die sonst als Leadsängerin der schwedischen Death-Metal-Band Arch Enemy auf sich aufmerksam macht. Die Mischung aus dem Brachialen auf der einen und dem regelrecht Betörenden auf der anderen Seite wirkt zunächst wie eine Art Fiebertraum, entwickelt mit jedem weiteren Hördurchgang aber einen heftigen Sog, aus dem es kein Entkommen gibt. Ein nicht ganz so geglücktes Experiment ist das dennoch durchaus charmante "Four", das mit TripHop-Anleihen zu überzeugen versucht, mit seinem Noise-Ausbruch letzten Endes aber viel schneller ins Schwarze trifft.

(Plattentests)

Wie auf «Molecules» macht Sophie Hunger auch auf «Halluzinationen» keine schlechte Figur als Sounddesignerin und Beat-Produzentin. Man hört sich die Stücke an und denkt: Voilà, auch das kann sie. Und doch ist schade, dass hier die Konstruktion den Ausdruck kanalisiert, so dass die Stimmung die Stimme übertönt. Hier regiert nun meist ein quantifizierter Puls. Ihr Gesang kann aber weit mehr expressive Kraft entfalten, wenn die Phrasierung quasi von den Gezeiten der Atmung getragen wird.

Manchmal braucht es auch nur ein Wort, einen Titel, damit sich das Singen ins Feuer steigern kann. So erweist sich hier der Song «Maria Magdalena» als Beschleuniger der Ausdruckskraft. Und in «Stranger», dem Album-Finale, lässt sich Sophie Hunger einzig von einem scheppernden Piano begleiten, um die Stimme frei changieren zu lassen zwischen temperiertem Sprechen und innigem Gesang. Vielleicht, so denkt man sich, müsste Sophie Hunger gelegentlich auf Synthesizer und die Hilfe von Freunden verzichten, um sich alleine vor ein Mikrofon zu stellen. Sie könnte sich wieder einmal ganz auf jene vokale Sensibilität verlassen, aus der ihre Musik gewachsen ist.

(Neue Zürcher Zeitung)

Wobei eine wie immer geartete Vulnerabilität Hungers (oder ihrer Protagonisten) durchaus Hand in Hand geht mit Trotz, Stärke und Kampfansagen – das vorab veröffentlichte „Rote Beeten aus Arsen“ lässt z.B. durchaus Schlüsse in dieser Richtung zu. Doch auch wenn die Rübe schwirrt ob aller interpretationsfreudigen Tiefgründigkeit – es ist der Zusammenklang der Musik mit dieser ausdrucksstarken, überaus eigenständig phrasierenden Stimme, die so fesselt. Ob beim basslastigen, poppigen „Liquid Air“ zu Beginn oder am Klavier bei „Finde Mich“, „Maria Magdalena“ oder dem melancholischen „Stranger“ zum Ausklang des Albums. Dem leicht schrägen und doch tanzbarem Titelsong, den Hunger auch schon auf ihrer letzten Tour zu Gehör brachte oder dem beswingten „Everything Is Good“.

(Sounds & Books)

So besingt sie im Opener "Du bist so schön" die innere Schönheit ihres Gegenübers und wird von einer schlichten Klaviermelodie begleitet. Dabei reimt sie genauso simpel: "Doch was ich hier betrachte, will ich gesteh'n / kann ich auch ohne meine Augen seh'n". In "Du machts nichts" hingegen erzählt die Songwriterin von einer Liebe, die der Gleichgültigkeit erliegt, während "Bei Dir" möglicherweise einem eng vertrautem Freund gewidmet sein könnte. Trotz inhaltlicher "Lieblingsmensch"-Vibes wird mit großzügigem Oktavenwechsel im Refrain aber schnell klar: Namika könnte Alin Coen so schnell nicht das Wasser reichen.

Doch bei all der Schönheit ihrer Worte bleibt die Musik, die begleitet, nicht nur unauffällig, sondern oft leider auch völlig belanglos. Zwar gibt es auf "Nah" mehrere eindeutige Versuche, diesem Problem aus dem Weg zu gehen. Die breit instrumentierten Stücke "Held" oder "Leichtigkeit" wirken allerdings wiederum nicht völlig passend zu Alin Coen. Vielleicht liegt im mangelnden musikalischen Aufgebot der Fluch, wenn man die Sprache der Dichter bereits souverän einsetzt. Vielleicht rücken die Instrumente bei Liedermachern wie Alin Coen aber auch zurecht in den Hintergrund.

(Plattentests)

Mit der sanft fließenden, sehr berührenden Piano-Ballade „Du bist so schön“ beginnt „Nah“ und endet mit der nicht minder bewegenden Piano-Ballade „Ultimatum“. Der Closer indes mit Cello  dramatischer inszeniert. Dazwischen wunderbare Songs wie das (…) mit Handclapping und Frauenchor (…) verstärkte, überaus fröhliche „Bei dir“. Oder das muntere, vorwärts galoppierende „Alles was ich hab“. Und das groovend-rockige „Held“. Und da ist natürlich immer wieder Alin Coens textliche Pracht, die in „Leichtigkeit“ ihren Höhepunkt findet. Man hört der Liedermacherin einfach gerne zu. Egal, ob sie nun nachdenkliche Balladen, oder Uptempo-Pop-Songs singt. Und lässt sich vom geschmeidigen „Beben“ wärmen. Oder durch „Du machst nichts“ in schönste Schwermut versinken. Ein sehr, sehr schönes Album.

(Sounds & Books)

ROOKERY, das Debütalbum nach drei EPs, klingt denn auch wie die Abschlussarbeit eines Musterschülers. Kein Song klingt wie Füllmaterial, jeder einzelne nach hochprofessionellem Handwerk. „Very Soon You’ll See“ ist so gut gelaunt, als wolle es ein zweites „Lemon Tree“ werden. „Head By Head“ würde, aufgenommen von Mumford & Sons, ein Welthit.

Und der das Album abschließende Titelsong, eine eher ereignislose Midtempo-Ballade, wird durch den Einsatz von Auto-Tune doch in die Moderne gezerrt. Natürlich bekommt der Musterschüler eine Eins, aber halt auch mit auf den Weg: In der Zukunft ruhig etwas mehr wagen!

(musikexpress)

Die Artpop-Ballade "Misinterpretations" schwebt zunächst auf feinem Percussion-Teppich – wie auf der gesamten Platte setzen Giant Rooks hin und wieder Piano-Sprenkel ein – bevor Synthies, Gitarren sowie ein Mix aus Gospel- und Soul-Chor den funkelnden Refrain stilecht auf das Silbertablett bringen. Ob intensive Spannungsbögen, knallige Rhythmen oder spontane Mitsing-Parts – faszinierend neben dem juvenilen Pop-Punch ist die positive Selbstverständlichkeit, mit der der Vierer seinen eigenen Sound voll und ganz definiert, ungeachtet der namhaften Referenz-Künstler. Giant Rooks sind keine Anfänger, sondern die kommenden Indie-Pop-Könige.

(Plattentests)

Die Stimme von Sänger Frederik ist markant, die Background-Chöre drängen sich stets zum richtigen Zeitpunkt in den Vordergrund, und der Verbindungsfaden zwischen eingängiger Harmonie und hinterfragender Tiefe verliert nie an Spannung.

„Rookery“ hat wahrlich viele Highlights zu bieten. Vielleicht thront das breitbrüstige „Wild Stare“ am Ende ganz oben auf dem Podest. Hier klingt die Band wie eine gestandene Genre-Größe, die zwischen liebgewonnenen Pop-Trademarks auch gerne mal die Muskeln spielen lässt.

Letztlich spielt es aber keine große Rolle, welchen der 12 „Rookery“-Perlen man am Ende die Krone aufsetzt. Verdient hätten es irgendwie alle.

(Musikblog)