„Das erste Album, The Roots, beginnt am minimalistischsten. Die Texte waren verbales Geschichtenerzählen, es konzentriert sich auf kleine Sounds: eine Floor Tom, eine akustische Gitarre und ein Klavier. Die Alben wurden sukzessive umfassender und breiteten sich weiter aus. Das zweite, The Branches, beschäftigt sich mit geschriebenen Briefen, und das dritte, The Leaves, ist cineastischer, es ist eine Ära von Film und Fotographie.“ 

Teil 3 bedeutet nun nicht nur das Ende der Trilogie, sondern auch, dass die Familie mittlerweile in der Neuzeit angekommen ist. Das heißt auch, dass Ben Cooper selbst einen viel größeren Bezug zur Zeit und ihren Ereignissen hat, weshalb sich auf „The Leaves“ auch Inspiration mit seiner eigenen Biographie vermischt. Es geht um Homophobie, häusliche Gewalt, Kindesmissbrauch und die Folgen von religiösem Fanatismus. Dadurch ist das gesamte Album aber natürlich nicht vollständig in Melancholie und Traurigkeit getaucht. Denn neben aktuellen Bezügen bedient sich der US-Amerikaner auch aktueller Instrumente und hüllt „The Leaves“ in eine Mischung aus symphonischem Indie-Pop, Folk, Shoegaze und Electronica. Das klingt beim Opener ein wenig nach Sufjan Stevens, in der Folge aber vor allem nach dem typischen Radical Face Sound, der bei aller Traurigkeit dank der häufig luftigen Instrumentierung viel Licht und Hoffnung in sich trägt.

So ergeben sich auf „The Leaves“ auch euphorische Momente, wie „The Ship in the Port“, bei dem sich die Band am Ende fröhlich austobt. Den größten Moment hebt sich Ben Cooper natürlich für das Ende auf. „Bad Blood“ ist ein ausuferndes Stück mit dick aufgetragenem Pathos, das für einen tosenden Abschluss des Albums sorgt, nach dem wir gespannt auf die nächsten Projekte von Radical Face sein dürfen.

(White Tapes)

As often seems to be the case with family sagas, it’s not a barrel of laughs. ‘Third Family Portrait’ inherits the character of its predecessors (there’s a Family Portrait on each album in the trilogy): “And I remember asking / If the place we’re moving / Would have more food / And my mother grew as distant as can be”. Things haven’t got noticeably brighter since a mother’s death in childbirth and a father’s suicide two albums ago.

The Leaves is most enjoyable where Cooper’s music breaks free from the monotony of the family’s woes. About three minutes into the nagging, shuffling ‘Road to Nowhere’, the arpeggios disappear to be replaced by discordant stabs on an electric guitar, which in turn are drowned out by a glorious wash of strings. It’s an enjoyable surprise on an album that would be even better for more such surprises.

And the fate of the family? Well, we’re left with an ambient sense of this rather than a tidily resolved tale. Song explanations and audio commentary are available online for those who wish to piece together something more coherent. Or instead just enjoy the familial intrigue and the many competing ideas, which on their own should be enough to keep you happy.

(for folk's sake)

In „Search Party“ bahnen sich die Dandy Warhols mit Ruhe und Gelassenheit einen Weg durch den Rockwust. Wesentlich zielbewusster gehen sie in „Pope Reve rend Jim“ zur Sache, hier sorgt kontinuierlich das Zusammenspiel von einem im Hintergrund laufenden Space-Loop und Twang- und Schrammel akkorden aus der Gitarre für Aufregung. Wir haben in den letzten Jahren ja viel von Garagenrock-Einflüssen und neuer Psychedelia in der Musikszene gehört, aber in dieser Kombination hat das noch keiner geliefert.

„Catcher In The Rye“ ist selbstverständlich nach dem berühmten Roman von J. D. Salinger benannt, und im Song erzählt Courtney Taylor-Taylor zu einer Popmelodie von den Träumereien des Lebens. „STYGGO“ fällt mit den Großbuchstaben zunächst über Gebühr auf, aber dann wird daraus ein mit entspanntem Beat versetzter Akustiksong, der sich schnell ins Ohr schleicht. Nein, The Dandy Warhols entfachen auf Distortland keinen Lärmorkan, sie vertrauen lieber ihrer Sieben-Uhr-morgens-Stimmung aus Songs, schwirrendem Klang und Grooves – und liefern damit den Beweis, dass man am Ende bei dem bleiben sollte, was man kann.

(musikexpress)

Voller Spielfreude und Spaß an lässigen Melodien sowie Texten mit Reminiszenzen an J. D. Salinger, Mädchen in London, Tauben und Partys treibt die Band auf einer leichten Welle dahin, und die ansteckenden Songs schwappen auf den Hörer über. Man wippt und summt unwillkürlich mit, man nimmt sich einen Gin Tonic und freut sich, dass es die Band immer noch gibt – nicht verstaubt und vergilbt, sondern belebend wie ein frisch gebrühter Earl Grey. Manchem mag der Aufguss nicht stark genug sein oder ist zu viel besänftigende Milch darin enthalten, für einen anregenden Nachmittag mit solidem Pop aber reicht es allemal.

(intro)

"Charleroi is the second half of the Pittsburgh story. The Pittsburgh album was about the grandmother I knew. Charleroi is about the one I never did. My father was returned to the hospital as an infant, ill with whooping cough. He was left there for several months as an orphan. Finally, he was adopted by a kind doctor who became his father. Never knowing his birth family it was assumed that mystery would always remain.

In 2015, after over 60 years of wondering and waiting, the family was finally found. Having been mistakenly told that my father died in infancy, he was never sought out by the remainder of his biological family. Sadly his mother passed away several years before having a chance to ever see her son again. Her name was Thelma and she was my grandmother. She was from Charleroi, Pennsylvania. These songs are about her.”

Feinfühlig und sehr sensibel, aber nicht fragil klingen diese sieben zarten Songs, in denen akustischer Folk das Gerüst bildet, durch das Fitzsimmons’ Gesang haucht und manchmal dezente Keyboards die Zwischenräume füllen. Nur ganz selten werden die Songs von Rhythmen getragen, aber selbst wenn die Beatbox wie in „Better“ oder „Matter“ zum Einsatz kommt, schlurfen die Lieder gemächlich vor sich hin. William Fitzsimmons blickt zurück, aber er klagt nicht.

An der Melancholie und Intimität der Songs ändert die neue Perspektive wenig. Die sanfte Stimme, die vielen Mollakkorde, die schaufelnden Drums, die lieblichen Glockenspiele: Klanglich ist Fitzsimmons’ Reich seit vielen Jahren abgesteckt. Die intimen Familiengeschichten geben seiner Musik eine besondere Dichte. Fest steht aber auch: Sufjan Stevens’ letztjähriges CARRIE & LOWELL spielt erzählerisch und musikalisch dann doch in einer anderen Liga.

With 11 tracks and clocking in at a brisk 35 minutes, Cleopatra feels slight. Every song is less than four minutes, although compared to The Lumineers’ first album, the purpose is much more serious. There’s nothing as silly as the paranoid “Submarines” or as danceable as “Classy Girls”. The biggest difference, however is the percussion. The main ingredients that turned The Lumineers from indie folk into folk pop were the toe-tapping claps, smacks, and bangs. On Cleopatra, many of the tracks make it through the second verse before adding any kind of percussion, and some don’t use any at all. These songs tend to have a slow build, and are no less dramatic for being quiet.

(Consequence Of Sound)

Apart from “Ophelia” and “Cleopatra,” it offers little with the potential to set the charts alight. Instead, it mines a sound that’s not nearly as immediate or even as accessible. For the most part, Cleopatra creates a slow drift, manifest in a sound that’s far too elusive for immediate gratification. More shoe-gazing than head-nodding, it takes a lazy spin at a leisurely pace, allowing the possibility listeners may find themselves dozing off along the way.

To be sure, there are several songs here that provide momentary pleasures, “Sleep On The Floor” and “Angela” among them. But that one-time feeling of Saturday night celebration has now been dissipated and replaced by a hazy hangover the Sunday morning after. How this affects their continuing trajectory remains to be seen. After all, immediate success does often lead to a sophomore slump. While Cleopatra may seduce the faithful, it would be far better if next time The Lumineers are able to regain their groove.

(Paste Magazine)

Platten vor Gericht:
Platten vor Gericht // März 2016
auf tape.tv.

Was Cuomo aber gut kann und auf diesem zehnten Album wieder zur Geltung kommt, ist das Schreiben von Songs, die lieblich rocken und schon beim beiläufigen Hören im Ohr haften bleiben. Gut an Weezers »White Album« ist die gestiegene Vielfalt in ihren Arrangements, die Kalifornier rocken nicht mehr so arg, sondern variieren mit sonnendurchflutetem Beach-Boys-Rock (»Wind In Our Sail«), Indie-Pop (»L.A. Girlz«) und sogar Rap-Passagen (»Thank God For Girls«). Das erinnert stellenweise gar an Weezers stilprägendes blaues Debüt, verliert den Vergleich im Endeffekt aber doch: Weezer gelingen einfach nicht mehr die Songs zum Niederknien. Schon seit 20 Jahren nicht.

(intro)

Erst 2014 hatten die Kalifornier mit dem soliden EVERYTHING WILL BE ALRIGHT IN THE END Kritiker und Fans versöhnt. Nach gut 13 Jahren Häme wäre das ein guter Zeitpunkt gewesen, die Band aufzulösen. Aber Rivers Cuomo mag nicht ans Aufhören denken. Er schreibt weiter Songs – und verfällt dabei leider wieder in Klischees. Mit Oooh-oooh-Chören und zotigen Wortspielen („Endless Bummer“) zitiert er die Beach Boys, singt von „California Kids“ und „L.A. Girlz“ (musi kalisch die besten Stücke der Platte).

„Wind In Our Sail“ heißt ein Lied, das an das schlechteste Weezer-Album, MAKE BELIEVE, erinnert. Frischen Wind können aber weder Nonsenstexte („Thank God For Girls“) noch externe Songwriter wie Adele-Hitschreiber Dan Wilson in diese Kompositionen bringen. Bei Weezer ist das Weiße Album nach dem Blauen (1994), Grünen (2001) und Roten (2008) nur eine weitere farbige Platte. Oder besser: eine farblose.

(musikexpress)

Wobei "California Kids", trotz des Namens, erstmal Hoffnung weckt und genau das liefert, was man sich von einer Weezer-Platte erhofft: Simple, aber eingängige Akkorde im Vers, solide Bridge und hymnischer Refrain. "Wind In Our Sail" zerstört diesen Eindruck aber bereits mit den ersten Tönen, erinnert die Melodie doch sehr stark an "Two Weeks" von Grizzly Bear. Pop-Vers, Stadion-Rock-Hook gepaart mit recht langweiligen Lyrics: "We got the Wind in our sails". Wohl eher ein laues Lüftchen.

Das Keyboard scheint es ihnen hörbar angetan zu haben. "Thank God For Girls" macht dort weiter, wo "Wind In Our Sail" aufgehört. Braucht man beides nicht, vor allem nicht von Weezer.

Was machen die Kids am Strand, wenn sonst nichts los ist? Genau, kiffen und nach Mexiko fahren. Folgerichtig frag dann auch Cuomo: "Do You Wanna Get High?". Cypress Hill haben aber nichts zu befürchten, ihrer Gras-Hymne läuft diese Nummer den Rang nicht ab. Wenigstens bleiben die Lyrics ("Keep on doing what you do | 'Cuz I'll never get tired of you") genau so flach wie der Sound.

Doch es gibt auch Positives vom "White Album" zu berichten. Hier und da tummelt sich auch ein durchaus guter Song. "(Girl We Got A)Good Thing" zum Beispiel, klingt irgendwie erfrischend und neu, aber nicht unecht und erinnert an "Island In The Sun". Im Sound der älteren Album schwelgen die Songs "King Of The World" (trotz der überflüssigen "Wohoooo"-Bridge") und "L.A. Girlz" hebt die Gitarren wieder deutlich mehr hervor, inklusive dem typischen, unvermeidlichen Gitarren-Solo.

Weezer haben mit der Platte nichts falsch gemacht, aber wirklich nötig war sie auch nicht. Sie plätschert vor sich hin und lässt die großen Highlights vermissen. Für die ersten sonnigen Tage mit Grill auf dem Balkon reicht sie aber allemal.

(laut)