Sonically, this conflict exposes itself across Staring At You Staring At Me, with the band following their regular route of rarely resting on a singular focus. Whimpers of hope creep through on bittersweet footy ode, “St. Kilda Regret”, the pulsating, upbeat pop-directness of “Conde Nast Trap” is counterpointed immediately by the fuzzy synth swamp of “The Rerun.” Similarly, the building tension of “GLamnesia” is worlds away from the straight-shot confidence of follow-up “Every Sign” and bittersweet, lyric-driven pop-ballad closer, “Unbearable”. While centrepiece and album standout, “Seen It All”, meets somewhere in the middle — fusing electric blips with acoustic strums, reflection with effortless pop-facing momentum.(Rolling Stone)

There’s definite immediacy to the overdriven electric guitar of St Kilda Regret that draws you into Staring At You, Staring At Me. It’s gifted by the smooth vocals of Phillipa Nihill, who has no hesitation in saying that she’s ‘feelin’ down.’ Pulsating bass and drum rhythms lock into a groove that refuses to be ignored. You Let The Sunshine Pass You By is an easygoing indie rock piece, that conjures up images of cocktails on the sands of the St Kilda esplanade with the sun cascading on your back.

 The album kicks up a gear in The Conde Nast Trap with distorted guitars and the iconic shoe gaze fuzz sound that we know and love from the past seven albums. It’s a track about corporate greed, with an anthemic feeling that would be right at home as a crowd sing along at their upcoming shows.

 This album works as a collective set of tracks, which provides social commentary on the world in 2017. The album hits a high point with track Glamnesia, an eight minute, pulsating shoegaze slice of genius. Catchy hooks, intriguing guitar and driving rhythms make this an album to return to again and again. Engaging from the word go, Underground Lovers have delivered with album number eight.(Beat)

Die Herren halten ihren Frickelwahn und ihren Eklektizismus stets mit einem guten Gespür für Groove und Hooks in Schach. Letzteres demonstrieren sie auf ihrem dritten Album etwa mit dem überdrehten Electro-Garagenrocker »Hit Me Like That Snare« oder dem sich so unwiderstehlich wie größenwahnsinnig hochschaukelnden »In Cold Blood«. Größenwahn ist überhaupt ein gutes Stichwort, denn das Trio hat auf »Relaxer« seine symphonische Seite entdeckt. Während der pastoralen Folk-Einlage »Last Year« bleibt’s beim einzelnen Fagott. Anderswo wird geklotzt. Das funktioniert, wenn alt-J den Gassenhauer »House Of The Rising Sun« mit klassischem Gitarren- und Streichorchester und einer Kombination aus Understatement und Bombast neu erfinden. Legt allerdings im abschließenden »Pleader« zu Geigen und Kirchenorgel auch noch der Knabenchor los, wird’s langsam etwas albern. Das mit dem Chorgesang kriegen die drei besser allein hin.(intro)

(…) in jedem einzelnen Song von RELAXER zeichnet sich jedes feine Detail ganz deutlich ab, jedes Gitarrengeklimper, jeder elektronische Taktschlag, jedes sanfte Gurren der Stimme. Aber es ist – da hat das schaurige Cover dann doch seine Berechtigung – trotzdem eine Traumwelt, in die uns das Trio aus Leeds entführt. (…)
Schon im eröffnenden Track „3WW“ weben Alt-J ein zartes Spinnennetz aus unmerklich verschobenen Rhythmen, diffizilen Kontrasten zwischen leise und besonders leise, einem kleinen Gitarrenlick, einer niedlichen Folk-Melodie und einem unerwarteten Euphorieausbruch. Tatsächlich spielen Alt-J auf RELAXER eine Art Meta-Version der eigenen Ideen ein. Es ist alles noch da, was auf den gefeierten ersten beiden Alben schon so beeindruckte: die Theatralik, die Polyrhythmik, die Experimente, die raumgreifenden Melodien. Aber nun werden sie nur selten kräftig ausformuliert, nie miteinander kontrastiert – außer vielleicht im von Bläsern aufgeplusterten „In Cold Blood“ –, sondern nur angedeutet, insinuiert. Auch wenn man den Aufnahmen den zum Teil immensen Aufwand anhört, selbst wenn man weiß, dass einmal 20 klassische Gitarristen in eine Kirche zusammengesperrt wurden, um alle dasselbe zu spielen, sind die schönsten Stücke kein stolzer Auftritt, sondern nur mehr ein schüchternes Winken. So wirken Alt-J wie Schatten ihrer selbst – oder eben wie ein flüchtiger Traum.(musikexpress)

The album kicks off with the quaint and chilled ‘Firecracker’. The album opens with a relaxed melody which then carries on to ‘Anywhere You’re Going Is On My Way’ which is a very enthralling track that is so laid back, you could listen to this one song a million times over.
This is not to say the whole album is mellow, especially when track three kicks in. ‘I Was Born To Be A Cowboy’ will definitely get your foot tapping and the song will sit in your head all day. From this point, there does seem to be a lot of reflection (plenty of first person lines too) and it’s always nice to have that unique perspective which Charlie has always incorporated into his music.
As the album goes on, there are certainly more peaceful, chilled-out tones with a few peaks along the way. As with many works by Charlie, there is a very personal feeling towards many of the songs. ‘The Howl’ and ‘Here Is Where We’ll Meet’ definitely keeps the album grounded.
It would be unfair to compare this to Noah and the Whale, but a couple of tracks were bound to get inspiration from the work that came before. That is the strength in this album, Charlie Fink has stuck to his roots and knows exactly what works for him. It would have been nice to see the more electronica side come out as teased from a few years back, but hopefully that will be for the next album.(The Singing Whovian)

Mindestens einen Augenblick auf diesem Album gibt es, in dem der Gedanke sich aufdrängt, dass der Alte jetzt komplett verrückt geworden ist. Bei den ersten Klängen von „A Bird In An Gale“ beispielsweise, wo ein technoides Bollern im Unklaren lässt, ob wir uns auf einem Gefechtsstand oder im Club befinden. Dabei zeigen diese Augenblicke nur, dass in Roger Waters (…) mit 73 noch immer jener zerquälte und zugleich zärtliche Geist waltet, der uns „Atom Heart Mother“, „Welcome To The Machine“ oder „Sheep“ geschenkt hat.Und es ist alles hier, von den exzessiven Field Recordings (hechelnde Hunde, pumpende Herzen, tickende Uhren, schreiende Möwen, Stimmen aus dem Fernseher, auch die von Donald Trump) über hypnotische Bassläufe und weibliche Chöre bis hin zu gleißenden Keyboardflächen. Allein die E-Gitarre ist weitgehend verbannt, ersetzt durch ein filmisch auftretendes Orchester aus Streichern und Bläsern. Spürbar die ordnende Hand von Produzent Nigel Godrich (Radiohead), spürbar auch der Ingrimm, mit dem Waters heiser den Zustand der Welt beklagt. Düster und versöhnlich zugleich. Pink Floyd, wie sie 2017 klingen sollten.

Guarding the entrance to Echobelly’s new collection of tracks is a fearsome opener and stomping single ‘Hey, Hey, Hey’. This song clearly marks their return with Johansson's hypnotic blues rock riffs and Madan’s distinctive sultry vocals (with an added primal edge). On this track, this band is at times reminiscent of early PJ Harvey whilst capturing the glimmering light display of Echobelly’s core. (…)

‘Firefly’ continues the album at a similar pace, with a crunchy chugging bass riff that gives way to a more contrasting ethereal section that nudges previous Echobelly song structures like ‘Kali Yuga’ and ‘A Map Is Not The Territory’ found on 2001's People Are Expensive. What starts to become clear from the second track onwards is this album showcases Madan's vocal skills, which have developed one stage further, displaying more variation and showing off finesse like on ‘Firefly’ with its Arabian flirtations and ‘If The Dogs Don’t Get You’ with its rocketing "oohs" and somersaulting vocal attacks. Johansson’s guitar repertoire on the other hand has crystallised and continues to diversify with new tunings found on ‘Dead Again’ and ‘Faces In the Mirror’.

A lot of effort and final thought has gone into this album. Production surprises continue throughout like the springy vocal effect on ‘Molotov’ and variation in structure with ‘Autumn Angel’ being purely instrumental for the first segment, with delicate guitar rising from a hypnotic drone that turns into a distantly dulcet song. This paves the way for the concluding reflective post death track ‘Dead Again’. This is an album from a band that have been there and done it a few times, got bored, changed it up, run away, come back, swapped it up then become sophisticated and accomplished on their own terms with flair.(Drowned In Sound)

• 03.06. Rock im Park
• 04.06. Rock am Ring
• 20.10. Berlin