• 23.05. Berlin
• 24.05. Köln

The Boxer Rebellion sind die wohl erfol greichste erfolglose Indieband der Gegen wart. Trotz 15 Jahren Bandvita, vier Alben und so einiger Facebook-Fans ist die australisch-amerikanisch- britische Band nie wirklich im allgemeinen Gitarrenrock-Konsens angekommen. Schicksalsschläge wie das plötzliche Aus ihres Plattenlabels Poptones von Alan McGee und der Ausstieg des Gitarristen Todd Howe haben das Bandleben sicherlich nicht einfacher gemacht.

Damit kann man allerdings auch nicht den Fakt abtun, dass The Boxer Rebellion nach all diesen Jahren ihrem pathetisch-traurigen Indierock treu geblieben sind. Schon mit dem ersten Song, „Weapon“, machen sie klar, wohin sie wollen: auf den Gipfel der Belang losigkeit. Der Weg dahin führt vorbei an nervösen Drumbeats, schematischen Gitarren riffs und schwülstigen Gesängen.

Den Höhepunkt der ganz großen Gesten erreichen The Boxer Rebellion schon auf dem dritten Stück, „Let’s Disappear“. Danach steigern sie sich in noch redundantere und strapaziösere Melodien. Der letzte Song auf OCEAN BY OCEAN heißt „Let It Go“ (nein, kein Cover des „Frozen“-Songs). Vielleicht sollten sich The Boxer Rebellion diese drei Wörter vor ihrem nächsten Album zu Herzen nehmen.

Alles sitzt wohlüberlegt an der richtigen Stelle, und Nathan Nicholsons pointiert nachhallende Stimme schwingt sauber in den oberen Tonlagen, so wie es in Großbritannien sonst nur Chris Martin von Coldplay schafft. Aber auf den ersten Vergleichswert folgen schnell weitere: The Editors, die schon etwas betagten Talk Talk, Elbow oder The National aus den Vereinigten Staaten – The Boxer Rebellion verkörpern viele Stilschattierungen, sind die perfekte Schnittmenge des verträumt-schwebenden Gitarren-Pop, aber eben ohne eigenes Gesicht. Und da verschwindet auch diese gut gemeinte Platte in der schieren Beliebigkeit einer Musikindustrie, die mittlerweile einfach jeden Monat viel zu viele Alben von höchst unterschiedlicher Qualität ausspuckt.

(intro)

They’ve been likened to a Creation Records Stone Roses, to Britpop royalty, and pretty much every rock act from the 90s. 

sulk haben nie einen hehl daraus gemacht das sie ihre vorbilder gerne zitieren. ok, nach wie vor schimmern vorbilder wie stone roses, the verve oder inspiral carpets durch, aber "no illusions" ist voll mit hymnen und hooklines die jedem indie- und britpop-fan ein lächeln ins gesicht zaubern müsste. "the tape of you" ist einer der besten tanzbaren dreampop-songs des jahres und auch die anderen neun tracks wissen zu gefallen. zehn songs und kein einziger ausfall. hallo? wo hat man das heute denn noch!

ein befreundeter radioredakteur sagte mir jüngst, das "no illusions" das album sein könnte, das die stone roses nach ihrem legendären debut von 1989 nicht mehr hinbekommen haben. so kann man das auch sehen. für mich ist die scheibe auf jeden fall jetzt schon eine meiner lieblingsplatten des jahres und wenn "no illusions" nicht endlich der durchbruch für sulk ist verstehe ich die musikwelt nicht mehr. daher: absolute kaufempfehlung!

(revolver-club)

Platten vor Gericht:
Platten vor Gericht // April 2016
auf tape.tv.

The songs are simple and instantly catchy, fuller in sound than their previous work and fueled by prominent percussion that’s been moved to the forefront. (The A.V. Club)

A joyful, spirited album that also stands to teach whoever listens to it some vital life lessons. (Record Collector)

Spend enough time with Lost Time and you’ll find yourself singing snatches of lyrics about the west coast tsunami (“I Love Seattle”) or misogynist trolls (“The Internet”) in the shower. And, weirdly, it’ll be fun. (Blurt Magazine)

The music is fantastic, catchy, unpretentious power-pop. Once its 32 minutes are up, you'll likely want to spin it again. (Under The Radar)

Old Master’s folky beginnings disguise bigger ambitions before it unravels, subsequently soaring like a Ben Howard number from his own impressive second album, ‘I Forget Where We Were’.

Hegarty’s captivating vocals are stunning throughout and the emotional vulnerability he creates is mesmerising. Perhaps the best portrayal of his ability to enthral with little more than his trembling voice arrives with the fragility of Can’t You See, a cut that sees his vocal skills emerge from a gentle, minimalist mist. The grandiose Modern World is also home to a jaw-droppingly blissful performance.

The gorgeous Elijah is one of the album’s most impressive moments, its gentle acoustics blending with wispy backing vocals to produce a nailed-on candidate for the TV advert treatment. The up tempo On A Midnight Street, meanwhile, benefits from a splash of cinematic ‘80s glitz.

The album’s final two tracks encapsulate the overall mood in a serene microcosm. Firstly, the haunting, delicate Glacier conveys its sorrowful message, “It’s all right to give up”, before the closer, When The Light Hits The Water, recalls the beguiling qualities of Kate Bush’s This Woman’s Work with an exquisite combination of subtle piano and strings.

There is effortless bewitchment stamped on ‘Temple’, and the ability it has to create a feeling of total relaxation is astonishing. It’s a stronger collection overall than ‘Other Rivers’, despite perhaps lacking some of its magic, and provides proof that Matthew and the Atlas are beginning to create an impressive legacy of beautiful music.

(stereoboard)

The strong run of songs that open the album linger somewhat around the mid-rift, the title track is just as strong as the openers, dedicating emphasis on textures that surround the guitar parts, once again juxtaposing big choral sections with the moorish atmospherics. String sections are introduced as thrashing guitars add a new dimension to the previously titled British Bon Iver. This feels closer to the notion that Matthew and the Atlas want to outline their own sound within the Communion Records collective. However, as we turn to the likes of ‘Elijah’ and ‘Old Master’, songs weaken around the archetypal finger-picked styled guitar and melancholic sorrow that is so horrendously wishy-washy at times. It is where the lack of sincerity comes through, partially due to the nature of Hegarty’s voice, it is big, loud and unrestrained, it doesn’t seem to find the same comfort and positioning in delicacy as is it does with the robust. The songs themselves feel a little too beige and mimicking of other bands that may have introduced the onslaught of nu-folk back at the turn of the decade. You have been given the inclination and notion that the group can pinpoint their own experiments within the sound and therefore it feels slightly lacklustre as they fall back on previous incarnations.

‘Modern World’ and ‘Mirrors’ are testament to this fact. Matthew and the Atlas find their grounding here and their true spirit as a group; it lives and breathes emotion, soul and sincerity, something they were previously criticised for missing. Sections build and pulsate, it strikes with tension and honesty suggesting that their real tenderness is so often in line with riffs rather than between them. The textures that Hegarty builds within ‘Can’t You See’ is in compliment to how he has developed as a writer, no longer afraid to break the shackles of his folk titling. The climax of the album, ‘When the Light Hits the Water’ sees Matthew find his most glorious, and personal, uttering references to missing a certain somebody whilst surrounding his own distinctive voice within eerie string atmospherics; jarring textures juxtapose his voice and ultimately, bring about all those feelings that humanity seeks from music.

(BrightonsFinest)

Ruhig, fast besinnlich, angereichert mit leicht folkigen Streichern, beginnt das Album. Langsam, ein wenig an Sigur Rós erinnernd, steigert sich die Intensität, brandet die Lautstärke auf, die aber relativ bald zugunsten eines mehrstimmigen Chorgesangs weicht ... traumgleich und wohlig geht der Geist auf Reisen, wird ab und zu durch aufkeimende Grooves wach gehalten und entspannt sich dabei dennoch prächtig. Wogend treibt man durch "Under Summer” und lässt sich in allen leisen und lauten Parts auf die tragenden, zumeist instrumentalen Arrangements fallen, die einen weich betten oder mitreißend erwecken können. (bongartz-musik.de)

Gleich zu Anfang dringt eine verträumte Stimme aus dem Kopfhörer. Ähnlich aber wie bei den schwedischen Genrekollegen von EF, wird Gesang nur sporadisch eingesetzt. Als Element der Vielfalt. Im weiteren Verlauf von „Together Those Leaves“ rekurriert er in Chorform über ein verträumtes Piano à la Sigur Rós, um im Folgenden von einem Spannungsbogen, der von Gitarrenflächen und Streichern gleichermaßen aufgebaut wird, abgelöst zu werden. […] In den folgenden Stücken wird aber auch immer wieder die Bedeutung der Streichersektion unterstrichen. Ob begleitend gezupft, Stakkato artig zum Aufbauen von Spannungsbögen oder solistisch mit viel Vibrato gestrichen: Geigen sind ein wichtiger Bestandteil des Sounds der Briten. (handwritten-mag.de)