Kräuselnde Synthesizer sorgen für ein hypnotisches Grundgerüst, die Gitarren treten oft zugunsten des Basses in die zweite Reihe und überlassen es dem Viersaiter, die Stücke zu leiten. Die Londoner finden eine gute Balance zwischen Dynamik und Komplexität und haben gleichzeitig keine Scheu vor einer gewissen Poppigkeit. Ein Synthie-Loop verleiht „Atlas Please“ Funk, wird aber noch vom folgenden „Heavenly Maybe“ und seinem Four-to-the-Floor-Beat getoppt, das gar nicht schüchtern Richtung Disco tänzelt. Bei „You’re No Fun“ und seinem treibenden Schlagzeug gehen fast die Pferde mit der Band durch. Passenderweise wird auch Bushes Gesang nicht mehr in Hall ertränkt, sondern klingt selbstbewusst und spielt – ähnlich wie Dave Bayley von Glass Animals – mit Falsett-Höhen. „Moonlight“ ist ein ruhiger, warmer und umarmender Abschluss des dritten Albums der Band.
(Soundmag)

„Julia Take Your Man Home“ wird den Fans mehr gefallen, das Stück schwebt, wie auch Arcade-Fire-Songs einmal geschwebt haben, auch Future Islands mit ihrer Indie-Rock-Interpretation von 80er-Pop sind nicht weit entfernt.
Im Herzen des Albums versuchen sich Wolf Parade an Annäherungen an die Rock-Ballade, „As Kind As You Can“ würde auch in den Katalog der Killers passen, wäre da nicht die bei Wolf Parade übliche Paranoia.
(musikexpress)

Thin Mind hinterlässt ein allgegenwärtiges Gefühl einer Zukunftsangst, einer Zukunft, die eigentlich schon da ist, wenn man den Texten von Spencer Krug folgt. Eine gewisse Resignation ob diesem Zustand ist auch erkennbar, wenn Wolf Parade davon singen, dass sie in der digitalen Welt die Fähigkeit verlieren, Dinge wertzuschätzen und anzuerkennen. Passend dazu kehrt die Band klanglich zu ihren Wurzeln zurück, noch dazu in der originalen Trio Besetzung. Die zehn Songs des neuen Albums sind musikalisch sehr organisch, es passt alles zusammen und ist trotz der schweren Texte lebendig und nach vorne preschend gestaltet. Eine solide Indie-Rock Platte, die Fans der Band über den Weggang von DeCaro hinwegtrösten dürfte.
(Radio Q)

Da ist zuerst der Eröffnungstrack, „If You Think This Is Real Life“, ein Song wie eine blinkende Leuchtreklame. Da ist die launige Liebeserklärung „The Keeper“ und der gitarrengetriebende Gute-Laune-Song „Romance Eh“.
Da ist das bereits zitierte „Your Girlfriend“, eine bittersüße Eifersuchtsgeschichte mit Ohrwurmpotential. Rührselig ist das an keiner Stelle.
Dieses Album ist Indie-Pop zum Verlieben, Herzschmerz zum Mitsingen, und eine wahre Fundgrube für den Soundtrack der nächsten Indie-Liebeskomödie.
(musikblog)

Der Achtzigerjahre-Pop-Touch vieler Stücke ist indes nicht nur en vogue und gewollt, er stand bereits in der Visitenkarte des Vörgängers "Cool like you". Und das klingt dann mitunter wie im The-Kooks-vs.-ABBA-Verschnitt "Falling for someone": gar nicht mal schlecht, aber wie "Sunday was a friend of mine" doch auch irgendwo unspektakulär. Tja, und wenn man beim Hören von "Foolish loving spaces" denn einmal so richtig wach wird, dann eher mit Negativ-Effekt. Dann knallen Blossoms einem gerade solch käsig-schlimmen Kram wie "Oh no (I think I'm in love with you)" um die Lauscher, bei dem die billigen Lyrics gegenüber der musikalischen Umrahmung quasi das kleinere Übel darstellen, und The Killers' "Human" im Vergleich ein echt guter Song ist. Wäre da nicht der angenehm spacige und zart düstere Closer "Like gravity", der den Schmalz und die Liebesbotschaften ein wenig von Wolke acht zurück in Richtung harsche Realität führt, es stünde schlimm um Blossoms.
(Plattentests)

Es gibt ein knapp achtminütiges Drone-Pop-Stück namens „Hung“, einen Song mit Progrock-Ansatz („Be Like Them“) und sphärische Ausdeutungen von Elektro-Pop („Humming“, „Unrepentant“). Und der Song, der am meisten an die frühen Wire-Jahre erinnert, ist plötzlich wieder der modernste Song auf dem Album („Cactused“). Das alles ist nicht mehr so weltbewegend wie vor 40 Jahren, aber Welten von dem entfernt, was die durchschnittliche wiedervereinte Seventies-Punkband heute so auf Platte bringt. Ein großer Erfolg, genau genommen.
(musikexpress)

‘Black Aura My Sun’ feels quite remarkably like the embodiment of being wrapped up and cocooned in utero. With vocals that are barely decipherable and often masked by the wholly encompassing sound-bath, you often feel as though you are the fluid mist on the album cover.
‘Save Me’ and ‘Paradiso’ set the hazy and atmospheric tone which translates as an unwavering beam of light that shoots out and intensifies until the point of imploding and softening into a wisp. There is a fogginess that smothers the whole EP in a way that you cannot quite grasp, or define. It almost transcends the physical realm. One in which Sigur Rós and Cocteau Twins meet in the ether and float down to earth encased in the exoskeleton of Deserta.
Each song has a moment where it holds time still in the palm of its hands, creating a seamlessness between the transitions, whether it be the blistering guitar riffs in ‘Monica’ or the dissonant and almost out of tune riffs in ‘I’ll Be Gone’. All of this climaxes in the breathtaking ‘Black Aura’ which almost sounds as though it is the moment of inception. A fluttering anticipation is built by a quick succession of layered strings before melting away, back into the warm embrace of that aforementioned cocoon.
(when the horn blows)