Vermutlich sitze ich zu wenig auf Pferdesatteln, um Country und Americana zu verstehen oder gar zu lieben. Es gab hier vor Gericht in der Vergangenheit dazu sogar schon die eine oder andere heißere Diskussion. Die wird es m. E. im Zusammenhang mit "Caveman wakes up" nicht geben müssen, handelt es sich doch im eine ziemlich perfekte Mischung aus Folk und Indierock. 

Friendship aus Philadelphia sitzen ruhig in der Ecke einer schlecht beleuchteten Kneipe, nicken dir kurz zu und erzählen dir dann, wenn du dich dazugesetzt hast, die besten Geschichten des Jahres. „Caveman wakes up“ ist genau so ein Album: Ein Meisterstück der Entschleunigung. Dan Wriggins, der Kopf der Bande, hat eine dieser Stimmen, die man sofort unter Tausenden wiedererkennt. Ein knarziger Bariton, der immer so klingt, als wäre er gerade erst aufgestanden oder würde gleich wieder ins Bett gehen. 

Musikalisch ist das fünfte Album der 2015 gegründeten Band pures Understatement. Man könnte es Alt-Country nennen, aber dafür ist es zu verspielt. Man könnte es Folk nennen, aber dafür groovt es zu eigensinnig. Die Band um Wriggins webt einen Teppich aus staubigen Akustikgitarren, Pedal-Steel-Seufzern und Synthie-Flächen, die manchmal klingen wie alte Videospielkonsolen, denen der Strom ausgeht. 

Was „Caveman Wakes Up“ so besonders macht, ist die Wärme, die es ausstrahlt. Es ist keine Musik für die große Party, sondern für den Morgen danach. Für lange Autofahrten durch den Nieselregen oder den Moment, wenn man sonntags merkt, dass man eigentlich gar nichts vorhat. Es ist tröstlich, ohne kitschig zu sein. Es ist klug, ohne belehrend zu wirken und der Hörer benötigt keine Sattelerfahrung. 

Das Video zu "Resident evil":

Und das zu "Free association":

Friendship haben hier eine Platte gemacht, die nicht um Aufmerksamkeit bettelt, und sie sich gerade deshalb verdient hat. Ein kleines, feines Juwel für alle, die finden, dass die Welt sich manchmal einen Tick zu schnell dreht. Hervorheben möchte ich den Song, bei dem die Gitarre etwas mutiger klingt: "Tree of heaven". Mehrere Momente des Albums erinnerten mich an Okkervil River und Shearwater. 

The band has clearly attempted to expand their sound: dipping into more diverse musical terrains and trying to leap beyond them into a class of their own. As a result, each song feels like an encapsulation and works because of its distinctiveness. But it is that distinctiveness that also prevents the record from melding and setting as a whole. [...] Caveman Wakes Up is a record on the precipice of a breakthrough, but the inconsistent, patchworked tone and thematic material show the band still has some refining to do.

(pastemagazine)

Der Kitsch, an dem Editors immer gefährlich nah entlangschrammten, der klopft auch hier immer wieder an, besonders auf „The Lights Of New York City“, einem der emotionalen Höhepunkte des Albums. Da reißt es aber eine gespenstische, aus der Ferne tönende Trompete wieder raus. Die Gespenster seines Lebens spielen auf Smiths Album aber immer wieder eine Rolle, vergangener Schmerz, verlorene Freundschaften, alte Erfahrungen. Wenn alle Midlifekrisen klingen würden wie THERE IS NOTHING IN THE DARK…, wäre die Welt eine bessere.

(musikexpress)

Some choruses subtly recall Lana Del Rey, not in imitation but in atmospheric resonance. Overall, the melodies find their own path, carried by an indie-folk foundation brushed with hints of dream pop. The interplay between the piano and drums leaves little room for traditional showpieces—no heavy guitar riffs, no overtly performative moments—yet the simplicity works in the album’s favor.

“Dark Dark Bright” showcases Nick’s ability to create a serene aura within a steady rhythm. It’s not a fast-paced track, but its movement gently propels the melody forward. The light touch of synths adds clarity and brightness, as if the story being told is building toward its own soft, luminous climax. (…)

Overall, the record highlights how seamlessly Nick and June work together, shaping a collection of calm yet compelling harmonies. As the album title suggests, it feels like a soundtrack for welcoming a new year. It guides the listener through nostalgia, love, and hope, its daydream-like vocals and spectral arrangements making it distinct among releases of the season.

Think Mazzy Star, Lana Del Rey, and Beach House to begin grasping just how cinematic this experience truly is.

(New Noise Magazine)

Unclouded takes her airy vocals and baroque dreampop into brighter terrain. Some tracks have a 90s vibe, reminiscent of Saint Etienne or Lush. Others have a feel that can only be accurately described in horticultural terms: the blooming strings of the really lovely Broken Roses, or the sprinkles of xylophones that make Burning Man sound like, well, a Japanese garden.

The balmy reverie is only briefly disrupted by Into Shadows’ brisker pace and mellifluous guitar runs, while Memory’s Underground brings another gentle tempo shift and Beatles-y strings. Unclouded is short on genuinely standout tracks, but it’s a becalming place to visit.

(The Guardian)

Der Angeklagte: Henric de la Cour

Das Beweismittel: Das Album „My Bones, Your Ashes“

Die Anklageschrift

Hohes Gericht, liebe Geschworene der dunklen Tanzfläche! Wir verhandeln heute den Fall eines gewissen Henric de la Cour. Der schwedische Hühne, bekannt aus Vorstrafen mit Formationen wie Yvonne oder Strip Music, ist kein Unbekannter in den Akten der Melancholie. Ihm wird vorgeworfen, mit „My Bones, Your Ashes“ erneut den Weltschmerz so verpackt zu haben, dass man gar nicht anders kann, als dazu die Hüften zu kreisen. Die Anklage lautet auf vorsätzliche Erzeugung von Gänsehaut und unzulässige Nutzung von 80er-Jahre-Referenzen in modernem Gewand.

Die Beweisaufnahme

Wenn Henric de la Cour ans Mikrofon tritt, dann geht es nie um Belanglosigkeiten. Durch seine lebenslange Auseinandersetzung mit Mukoviszidose schwingt in seiner Kunst immer eine Dringlichkeit mit, die man nicht fälschen kann. Er singt nicht über den Tod, weil es im Gothic-Handbuch steht, sondern weil er ihm regelmäßig in die Augen blickt.

Doch wer bei „My Bones, Your Ashes“ nun ein trübseliges Trauerspiel erwartet, wird von der ersten Sekunde an eines Besseren belehrt. Das hier ist kein Jammern, das ist ein Aufbäumen.

Soundtechnisch bewegt sich das Album weg von dem etwas schrammeligen „Demo-Charme“ früherer Tage hin zu einer wuchtigen, produzierten Opulenz. Es knarzt, es wummert, und die Synthesizer bauen Kathedralen aus Klang, in denen Depeche Mode und The Cure gemeinsam die Orgel spielen könnten. Songs wie „Drull“ oder der Titeltrack walzen mit einer Basslinie voran, die direkt in die Magengrube zielt. Seine Stimme – irgendwo zwischen Crooner, Vampirfürst und Post-Punk-Rebell – thront über allem und wechselt mühelos zwischen fragiler Verletzlichkeit und aggressiver Dominanz.

Besonders belastend (im positiven Sinne) ist die Tatsache, dass de la Cour hier einige starke Songs abliefert. Das ist Popmusik für Leute, die Eyeliner tragen, aber trotzdem Refrains mitsingen wollen. Es ist dunkel, ja, aber es ist eine glitzernde, neonfarbene Dunkelheit.

Das Plädoyer

Warum sollte man dieses Album hören? Weil es authentisch ist.  „My Bones, Your Ashes“ ist der Soundtrack für die letzte Party vor dem Weltuntergang. Es ist trotzig, es ist laut und es feiert das Leben gerade dadurch, dass es dessen Endlichkeit so prominent thematisiert.

Die Mischung aus New-Wave-Nostalgie und moderner elektronischer Härte ist hier perfekt ausbalanciert. Man kauft ihm jede Zeile ab. Wenn er singt, dass seine Knochen zu unserer Asche werden, dann klingt das nicht wie eine Drohung, sondern wie ein seltsames, romantisches Versprechen.

Das Video zu "Dead Hank":

Leider kein Video, aber der m. E. beste Song des Albums "Hey you, hell no":

If you love the synth-heavy pop of the 1980s, you should definitely add “My Bones, Your Ashes” to your vinyl record collection. And that is to be taken literally because “My Bones, Your Ashes” is Henric de la Cour‘s first studio album which will be released only digitally and on vinyl, and not on CD. Those who prefer darker tunes and / or heavier sounds will at least enjoy “Bones, Ashes“, “Hey You, Hell No“, the grower “Dread Forever” and “Schneider“.

(chaoszine)

LUX ist die vielstimmige Antwort auf eine vielstimmige Gegenwart, egal was der weltweite autoritäre Backlash erzählen will. Genre- und Sprachgrenzen? Gibt es für Rosalía nicht, wenn sie die Geschichte weiblicher Selbsterfahrung und Stärke erzählen will, da kann sie sich mal in einem Rave verlieren und ein paar Songs später einen Walzer straight aus einer Disneyproduktion nutzen, um mit vergangenen Lovern und unzuverlässigen Männern abzurechnen. (…)

Ein Teil der Songs ist nur auf den physischen Alben zu hören. Das ist teils natürlich kluges Marketing, aber neben der Musik, die mit dem Orchester und Walzer- und Rumba-Momenten, auch ein Symbol für das Trendpendel, dass von der maximalen Künstlichkeit von Hyperpop aus Reaktion auf Pop-Avatare und KI-Musik zurückschwingt in die Welt des realen, des physisch Anfassbaren, des einzigartig Menschlichen und Individuellen.

Mit LUX bringt Rosalía den Bombast in den Pop zurück, umarmt das Experiment und schafft ein Album, das wirklich niemand anderes als sie hätte schreiben können. Ein Gegenentwurf zu der Welt des Mittelmaß, die uns Techwelt und KI-Fanatiker verkaufen wollen. Ein Hoch auf die Einzigartigkeit, ein Hoch auf Rosalía.

(musikexpress)

Was die 17 Tracks verbindet, ist ihre Zerstreuung. Sie sind kein Statement, sondern ein offenes Tagebuch mit zu vielen Einträgen auf einmal. Manche davon sind ungeschliffen, andere überraschend pointiert formuliert. Der Sound oszilliert zwischen Alt-Rock, Dream-Pop, Americana und experimentellem Indie – manchmal etwas zu beliebig, aber nie belanglos. Hayley Williams klingt auf diesen Singles verletzlich, wütend, müde, albern, zärtlich und ungeduldig – manchmal alles in einem Song.

(laut)

STILL TALK verstecken sich auf „Year Of The Cat“ nicht hinter Geschwindigkeit und galoppieren auch nicht nach vorne. Diese Klarheit macht sie in gewisser Weise angreifbar – kein hektisch gezocktes Riff und kein sich selbst verschluckender Wutgesang. Das Selbstbewusstsein ist durchaus berechtigt, denn alle in der Band beherrschen ihr Handwerk. Im starken „I Speak Your Language“ entflattern Gesang und Gitarren einen herrlich tanzbaren Achtzigerjahre-Wind, der einem lässig über Herz und Haare fährt. Tanja erzählt hier von ihrer Identität als Österreicherin und den damit verbundenen, unbewussten Mechanismen und Emotionen. (…)

Facettenreich ist auch die Instrumentalfraktion von STILL TALK – und, was fast noch viel besser ist, komplett befreit von Genregrenzen. Soli, herrlich getappte Momente oder griffige Rhythmen – die Gitarren fahren ihren ganz eigenen Stil. Dementsprechend gelingt es ihnen auch, mit „Ghost“ einen echten Smasher zu erschaffen, nach dem sich KELLY CLARKSON alle Finger lecken würde. (…)

„Year Of The Cat“ fühlt sich grundsätzlich so an, als ob jemand seinen Weg gefunden hat. Eine extrem vitale und ansteckende Aufbruchsstimmung wurde hier unauffällig zwischen den Noten versenkt. Für uns heißt das: zurücklehnen und abwarten. Da kommt noch etwas Großes!

(Krachfink)

Manches davon hat zwar eine gesunde Härte, „World Of Talkcraft“ überrascht zwischen Tempo und Pop-Melodien zum Beispiel mit fast schon cross-over-artigen Sprechgesängen. Anderes und das meiste aber kommt sanft bis nachdenklich oder auch gerne alternative-rockig. Sie zocken mit Synthies, können Stille und schauen nicht nur nach dort. Hier und da schimmern die 80er durch, öfter die 90er, wie von gestern klingen Still Talk trotzdem niemals. Sondern gekonnt, neugierig, überzeugt und ehrlich. Und dabei: so gut.

(Gästeliste)