The key to Flyte’s music is just how evocative it is, setting the scene perfectly and drawing you into their world. Few British acts seem to be taking the time to fully immerse their audience in the music, perhaps encumbered instead by the thought of viral TikTok moments and impatient radio pluggers. Thanks to its unhurried nature, though, this is an album that thrives on instinct – Taylor and Hill feeling their way through the songs together. How wonderful.

(The Independent)

And therein lies the real beauty of ‘The Clearing’: after over a decade growing together as a band, this fourth album sees Wolf Alice fully embrace all facets of themselves, and through this newfound acceptance and confidence, they’ve produced their boldest, most striking record yet. One for the history books.

(DIY)

‘The Clearing’ is the kind of album that could only be written after the dust has settled on your twenties and the post-30 clarity sets in. It is, as ‘Bread Butter Tea Sugar’ and ‘The Sofa’ affirm, a record that doesn’t gloss over flaws, but accepts them and revels in them (“Don’t want a dish without salt / Bread without butter / If it’s bad for me, good, I feel bad suits me better,” Rowsell sings on the former). Just as we all (hopefully) get older and wiser with every year, Wolf Alice are the kind of band that keep on getting better with every record, and here, they raise the bar on themselves once again.

(NME)

Some moments recall the later records that the first incarnation of the group made in the 90s, but the lyrics and performances are imbued with much more desperation and wisdom. It wouldn't be Comet Gain without those two factors present in heaping doses, and almost every song here -- barring the hilarious Fall-inspired "Threads!" -- sandblasts the soul with wild emotional impulses, tears hearts asunder with bloody melancholy, and serves as a call to arms to the true believers. All the fancy arrangements and instrumental flourishes can't distract from the brilliance of David Christian's lyrics and the way he and Rachel Evans sing like every song is the last one they will ever do. They do add something special though, and the overall approach proves a resounding success. 

(All Music)

Their first album in six years, Letters to Ordinary Outsiders, might be the most Comet Gain title ever. It features songs originally released on Bandcamp, now spiffed up alongside a few new ones. The album was conceived as a series of postcards to those “ordinary outsiders,” and this batch of open-hearted janglepop anthems—dressed up perfectly with gang choruses, brass, vintage organs, and references to like-minded fellow cult heroes like Julian Cope and Robyn Hitchcock—doesn’t require membership in a secret club to enjoy.

Adding to the charm are interstitial spoken word missives—almost like reading postcards—between Feck and his bandmates. “Do you know what the fifth Golden Rule of Underground Rock is?” asks producer Sean Read. “Never stop.” Thank goodness Comet Gain have been following this one all along.

(Brooklyn Vegan)

Zum Beispiel die walzernde Folk-Miniatur „Breaking Into Acting“ über einen Hochstapler, der all seine Gefühle nur schauspielert. Oder „Nowhere Special“, in dem Berninger einen Wortschwall rezitiert wie ein resignierter Hörbuchsprecher. Es geht um unerfüllte Träume, um Drogen, Goldfische und das Weinen auf Autorücksitzen. Berningers Stärke ist das Szenische: Er macht Musik, die aufgrund ihrer Atmosphäre flirrt und weniger durch ausgefeilte Arrangements oder Melodien besticht.

Dabei gibt es hier durchaus Melodisches. Das Klavier in „Frozen Oranges“ etwa, das so erfrischend tröpfelt wie ein Regenschauer im Sommer. Oder die melancholische Americana von „Little By Little“, wo Maracas rauschen, die akustische Gitarre schrubbt und eine staubige Orgel röhrt. Und je tiefer man taucht, desto mehr Anrührendes offenbart sich. Dort unten wird man dann vom behäbigen Shufe „Silver Jeep“ empfangen – und von Matt Berningers allumarmendem Gesang. Fast so, als wollte er einen vor dem Ertrinken bewahren.

(Rolling Stone)

Stattdessen lässt er sich mit einer Gästeliste, die von Hand Habits über Kyle Resnick bis Booker T. Jones reicht, durch ein musikalisches Sumpfgebiet treiben, das den Furor seiner Hauptband etwas eintrübt, stilistisch jetzt aber nicht die großen Abenteuer auslotet. Bisweilen flackern kleine Kerzen, etwa die bezaubernden Background-Vocals von Julia Laws in „Bonnets Of Pins“ oder das eigenartige Flirren im Beinahe-Walzer „Breaking Into Acting“. Vieles ist aber verschwommen, unscharf, beinahe unbenennbar, aber nicht reizlos. Denn wohnt man lange genug in diesen Liedern, begreift man sie anders, vielleicht als: Skizzenbuch.

(musikexpress)

The album opens gently with “After the Setting Sun,” where a sweet guitar line and echoing piano usher in one of Jon Russell’s most gorgeous vocal performances in recent memory. The track feels like a thesis for the rest of the record: reflective, open-hearted, and unafraid to sit in life’s transitions. (…)

“Time With My Sins” leans into the band’s folk and country roots, complete with banjo and harmonica. It’s a classic Head and the Heart moment (…).

While some tracks lean introspective, others are just plain fun. “Beg Steal Borrow” brings in bright basslines, beachy vibes, and standout vocals from Charity Rose Thielen, who plays a more prominent role throughout Aperture than on some past records. There’s a lightness here that feels earned—a band that’s pushed through darkness and landed somewhere sunny. “Fire Escape” is another chaotic good time, speeding through its verses with fast piano and a sneaky party story (…).

The themes here—love, honesty, communal support, the dance between independence and interdependence—are clear without being heavy-handed. Aperture captures a band willing to risk softness and sincerity in a world that doesn’t always reward it. There’s a rawness here, but also deep care. You can hear it in the harmonies, in the unguarded lyrics, and in the way every voice—especially Thielen’s—is given space to shine.

(Staged Haze)

Spacehopper isn’t just a return to form — it’s a realisation of unrealised potential. Rather than simply revisiting the analogue innocence of their early days, Turin Brakes use the past as a launchpad for something richer. With Spacehopper, they’ve completed the circle — not by repeating themselves, but by finally fulfilling a promise made in the very room where it all started.

(XS Noize)

If you are going to get to a milestone record like your tenth, pressure is high to deliver but with Spacehopper, Turin Brakes have read the memo and have been triumphant in delivering to us a well-crafted, memorable and nostalgic collection that stands strong in the robust and golden TB catalogue.

(Renowned For Sound)

The album opens with the track from which this phenomenon is based, a love story that plays out between the hours of dawn and dusk. Its synth lines and the whispery vocals from Rachael establish a curious atmosphere that matches the backdrop of the Pink Silence sky wonderfully. The instrumentation is written in such a way that it leaves the listener wanting more - Cloth are keen to not show their full hand just yet. It’s clear there is something coming but we aren’t given any indication as to what that is or how it will make us feel. As the song progresses, new textures and sounds are brought in. Distorted guitar lines, harmonies and a bassline that comes closer to the front give the track a real sense of intensity and urgency. (…)

A real highlight emerges in the halfway point of the album, ‘The Cottage’. It marks an audible shift from everything that comes before it and in many ways acts as a way for both Cloth and listeners to pause and just breathe for a second. (…)

Several tracks feature string orchestrations from Owen Pallett. The aforementioned ‘The Cottage’ is a favourite from Rachael and Paul but I particularly enjoyed the features on closing track, ‘Write it Down’. A bringing together of everything, it was always going to be the last song on ‘Pink Silence’. The instrumentation has a real sense of finality to it and the lyrics tie up any ends that had been left. A kind of continuation from ‘Burn’, the penultimate track, it explores the process of moving on from criticism to a place of acceptance. (…) Listening to the track several times over and over, one could suggest that the strings are a musical representation of the message that underpins all ten tracks on the album: that it’s okay to let go. An audible reminder that they can let the music speak for itself. It’s the perfect last song. 

(When the Horn Blows)

Sieben Jahre nach dem Pop-Flirt von DELTA und zehn nach dem Arena-Rock-Exkurs WILDER MIND vollziehen die Folk-Freunde mit RUSHMERE auch musikalisch den Roots-Reset. Mag im Opener „Malibu“ trotz anfänglicher Zurückhaltung dann doch noch mit aufbrausender JOSHUA-TREE-Dringlichkeit das Stadiondach (und damit der Himmel aufgehen) oder muss sich das rasselnde Blues/Rock-Schwellen-Riff von „Truth“ in Sachen Vaterschaftsklage zwischen Jimmy Page oder Jack White entscheiden – auf RUSHMERE (dessen Titeltrack signifkanterweise mit einem manischen Banjo-Motiv daherkommt) dominieren ansonsten asketischere Arrangements und akustisches Instrumentarium.

Der Tabak-Wölkchen paffende Kaffeehaus-Traditionalismus von „Monochrome“ oder der programmatische wie erbauliche Closer „Carry On“ lassen keinen Zweifel daran, dass man sich im Ursprünglichen neu gefunden hat.

(musikexpress)

Erneut dominieren skizzenhafte Ausschnitte aus dem Alltag in der Tradition großer amerikanischer Kurzgeschichten, mal zärtlich, mal schroff erzählt. Gleich der Auftakt, „Summer Of Love“, ist verschleppter, aufs Gerippe abgenagter Power-Pop mit barockem Einschlag. (…)

In „Theremini“ verschwören sich die Saiteninstrumente gegen die Sängerin, es öffnet sich ein dunkler (Moog-)Bau. „Question: What happened?/ Answer: Everything.“ Einiges erinnert an die Anfangsjahre der Muses, doch nostalgisch ist hier nichts. Erstaunt folgt man dem Akustikgitarren-Tornado von „Drugstore Drastic“. Keines der schief grinsenden, esoterisch aufgeblasenen Stücke braucht mehr als drei Minuten, um ins Ziel zu gelangen. 

(musikexpress)

Wie immer, wenn Hersh für ihre Band textet, reiht sie kurze Sätze aneinander. Und so entsteht dieser typische Throwing-Muses-Sound, der schon dem Indie-Rock der 90er eine Art Haiku-Ebene geschenkt hatte: kurz, knapp, auf den Punkt. Damals spielte die Band ruppig, auf Hershs brillantem und erfolgreichem Soloalbum HIPS AND MAKERS bestimmte neben ihrer Stimme das Cello den Sound.

Das neue Album führt die beiden Welten zusammen. MOONLIGHT CONCESSIONS ist ein Throwing-Muses-Unplugged-Album. Mit meditativen Stücken wie „Theremini“ oder dem rustikalen „Drugstore Classic“, bei dem Kristin Hersh singt wie Stevie Nicks nach einem verdammt schlechten Tag.

(Rolling Stone)

Und so ist auch dieses Album eines, bei dem der Kontrast die Musik macht. Er tut sich auf zwischen tiefschwarzen Lyrics wie jenen von „Freak Mode“, in dem Williams in seinen zerrütteten Zustand während einer Zeit eintaucht, in der er vor lauter Trauer nicht mehr er selbst war. Und einem Sound, der passgenau an die lebensbejahende Energie des tollen Tubs-Debüts DEAD MEAT anschließt.

(musikexpress)

Auf „Cotton Crown“ machen Owen Williams’ eindringliche Stimme und George Nicholls’ Gitarrenarbeit den The-Tubs-Folkrock-Powerpop zwar weiterhin einzigartig. Was dem Album aber fehlt, ist Songwriting, das da mithalten kann. Bei Stücken wie „The Thing Is“, „Chain Reaction“ oder „Strange“ hat man das Gefühl, die Band rennt einfach Hals über Kopf los, ohne zu wissen, wo sie hinwill.

(Rolling Stone)

„Disappointment Machine“ von ARLISTON nimmt uns musikalisch ganz tief mit ins Tal der Tränen ausgelöst durch Trennung, Selbstzweifel und Einsamkeit. Wunderbar schmerzlich transportiert über die reduzierte, atmosphärische Musik und traurig-schön erzählt durch die nachdenkliche und melancholische Stimme von JACK RATCLIFFE. Das Album ist sicherlich keine Musik, um gute Laune zu bekommen, eher was für die nachdenklichen Momente des Lebens. ARLISTON kann man somit den selbsternannten Titel als ‚Sad Song Specialists‘ bescheinigen. Hoffen wir nur, dass die beiden Jungs sich bald auf andere musikalische Stimmungen ‚spezialisieren‘, für andauernde Trauer sind sie doch etwas jung.

(Musikreviews)

Songs wie „Elephant“ mit Backup-Vocals vom Trans Chorus of Los Angeles und Gitarre von Julien Baker über den ersten Crush nach ihrem Coming-out erinnern an Elliott Smith, das punkige „Guy Fawkes Tesco Dissociati- on“ wiederum etwa an die Silver Jews. Jasmine.4.t schafft es, komplizierte Gefühle, Transformation, Abschied und Neuanfang in wunderbar leichtfüßige Songs zu packen – aus dem Stand eines der besten Debütalben des jungen Jahres.

(musikexpress)

Equally catchy, but even better is the single, ‘Only One’, a timeless piece of soft rock that could have been made in any decade post-‘Rumours’ and should be (but probably isn’t) saturating radio playlists around the world. 

Put together, the disparate elements that make up ‘My Light, My Destroyer’ may betray the occasional influence, but combine to produce a singular world – one that is, at points, both deadly serious and funny, but always habitable.

Jenkins says that she “writes music for her friends” and on the evidence of her third album she will have many more of these by the end of the year.

(Clash Music)

There’s plenty of ear candy for indie-rock fans, from the aforementioned “Clams Casino” to the single “Petco,” a musing on humanity’s increasing distance from nature as she looks in a pet-store window at “two doves wrapped up in filthy and true love” and the “sideways gaze of a lizard” as the electric guitars build the song’s intensity on each verse (and even slip in a very “OK Computer” solo toward the end). Throughout, there are shades of everyone from Liz Phair, the Breeders and PJ Harvey to Sharon Van Etten and Phoebe Bridgers (please note, the last-named two artists are reference points and not influences), but the album is musically multi-dimensional and features intriguing arrangements, including one segment that seems to feature a sax, trombone and violin.

(Variety)

Music this textured is bound to take a few listens to get a hold of. Most impressive is how My Light, My Destroyer presents music that can be easily enjoyed – hooks and memorable lyrics abound – yet unravels deeper layers of meaning the more you dig in. Andrew Lappin’s production is lush or sparse according to the needs of each track, and Jenkins’s songwriting (in conjunction with various co-writers) is evocative despite its conciseness. If there were any doubt, My Light, My Destroyer earns Cassandra Jenkins a place among today’s most intriguing and accomplished singer-songwriters.  

(Pop Matters)

Wie bodenständig Tillman kann, beweist er im sich anschließenden „She Cleans Up“ – stampfender Retro-Rock, der einfach Spaß macht. Aber meist geht’s ja bei FJM um mehr. Um mentale Gesundheit etwa, über deren Status als Goldenes Kalb heutiger Wohlstandsgesellschaften Tillman sich im schwelgerischen „Mental Health“ augenzwinkernd zu mokieren scheint. Anderswo flaniert man mit dem Showman durch allegorische Traumbilder und philosophische Weisheiten, erlebt in „Screamland“ ein synthetisches Inferno und in „I Guess Time Makes Fools Of Us All“ einen Disco-Jam in stoischer Maxi-Version.

MASHASHMASHANA ist ein Album, das Extreme auslotet, einem mit seinen Streichern die Ohren verklebt, dann wieder das Herzzerreißendste und Knackigste auspackt, was Josh Tillmans Katalog bietet. Too much? Gibt’s nicht.

(musikexpress)

Mit ihrem vierten Album präsentiert die Musikerin aus Nashville einen Soundtrack zur Verarbeitung von Verlust, zur Suche nach Erdung und Verständnis – eingebettet in einen manchmal schwerfälligen Musikfluss. Eine sehr persönliche Songsammlung, die in einem wolkigen „Evergreen“ zu Ende geht.

(musikexpress)

Das emotionale Herzstück des Albums ist indes den Richtlinien der Taylor-Swift-Schule entsprechend an fünfter Stelle platziert und heißt "Changes". Allison legt ihr ganzes Seelenheil in die Saiten, lässt den Refrain in ungeahnte Höhen wachsen und kehrt immer wieder zur leisen Introspektion zurück. Es passt zum Humor der Frau aus Nashville, dass sie direkt im Anschluss "Abigail" hinterherschießt: Mit dicken Synths und der Leichtigkeit der poppigen The Cure verweist sie auf die Dekade vor ihrem eigentlichen Lieblingsjahrzehnt, während sie der titelgebenden "Stardew valley"-Figur ihre Liebe gesteht. Doch selbst einen solchen Spaß-Song durchzieht ein melancholisches Hintergrundrauschen, das der abschließende Titeltrack in den Fokus rückt. 

(Plattentests)