Platten vor Gericht

Posts mit dem Label Synth-Pop werden angezeigt. Alle Posts anzeigen

Der kontinuierliche Strom an tollen Songs von Kraków Loves Adana war 2022 etwas versiegt, denn sowohl 2020 („Darkest Dreams“) als auch 2021 („Follow The Voice“) und 2023 („Oceanflower“) waren jeweils neue Album erschienen.

Nun wird diese Lücke geschlossen, denn die Hamburger Künstlerin und Produzentin Deniz Çiçek hat Songskizzen aus dieser Zeit, die aus unterschiedlichen Gründen von ihr verworfen worden waren, wieder entdeckt und, überrascht von deren Qualität, wieder aufgegriffen. Schnell waren die Stücke aufgenommen, produziert und zu „I Saw You I Saw Myself“ zusammengefügt.

Das achte Album von Kraków Loves Adana vergleicht die Künstlerin selbst mit einem imaginären Soundtrack einer Coming-of-Age-Serie und thematisiert auf den 9 Songs sowohl erwiderte als auch unerfüllte Liebe. Musikalisch bekommen wir eingängigen Retro-Synthpop zu hören („Like A Dagger“), der gelegentlich an die Chromatics erinnert (zum Beispiel das düster pulsierende „I Saw You I Saw Myself“) oder sich auch mal am zeitgenössischen R&B anlehnt („Real For Once“). „The Greatest“ ist ein optimistischer Lichtschimmer in der Düsternis, „Break My Own Heart“ der hypnotische Hit des Albums.

„I Saw You I Saw Myself“ läuft lediglich 34 Minuten, so dass die Zugabe der 3 Songs der im Dezember 2023 erschienenen „Nothing’s Set In Stone“ EP nicht geschadet hättet. Das selbst veröffentlichte Album kann über die Bandcamp Seite von Kraków Loves Adana als colored Re-Vinyl käuflich erworben werden.

Peu à peu haben sich Kraków Loves Adana auch bei Platten vor Gericht in den Jahres-Charts nach oben gearbeitet: Sowohl „Songs After The Blue“ (7,333 Punkte) als auch „Darkest Dreams“ erreichten Platz 50 (7,500 Punkte), „Follow The Voice“ kam auf den 31. Rang (7,667 Punkte) und „Oceanflower“ knackte erstnmals die Top 20 (#17, 7,875 Punkte). Ich bin gespannt, wie „Saw You I Saw Myself“ abschneiden wird…

Keyboard-Bässe, Sound-Wolken, Synth-Melodien, elektronische Drums, alles auf das minimal notwendige reduziert. Der Gesang hat in guter 80er Synth-Pop-Manier auch eine leicht arrogante Note und vermittelt das Gefühl: „Die Welt kann mich mal”. Hier ist Simplizität und Monotonie das gewünschte Stilmittel. Manchmal fast schon hypnotisch-monoton, aber trotzdem nie langweilig.
(Musikreviews)

Vorhang auf und Bühne frei für Billy Corgans dreiteilige Rock Oper „Atum“ am Rande zum Größenwahn: 33 Songs, die knapp 140 Minuten laufen, den Abschluss einer Geschichte bilden sollen, deren Erzählung mit „Mellon Collie And The Infinite Sadness“ begonnen und mit „Machina / The Machines Of God“ fortgeführt wurde, und beim exklusivsten physischen Tonträger noch um 10 weitere Lieder ergänzt werden! Besagtes limitiertes und schickes Boxset kostet 499 USD. Versandkosten (und Steuern) kommen zusätzlich hinzu.

Um uns nicht zu viel auf einmal zuzumuten, hat Corgan die drei Akte zeitlich versetzt veröffentlicht, aber bereits die Reaktionen auf den ersten Teil waren hier bei Platten vor Gericht bescheiden: Nur 4,3 Punkte gab es im Durchschnitt, schlechter schnitt im Jahr 2022 keine andere Platte ab!

Auf „Atum“ findet sich eine Vielzahl an gitarrigen Rock-Songs unterschiedlichster Güteklasse sowie Härteausprägung, von denen einige (etwa „Empires“ oder „Spellbinding“) auch auf den besten Alben der Smashing Pumpkins eine passable Figur abgegeben hätten.

Leider gibt es mindestens eben so viele verzichtbare bis ärgerliche Synth-Pop-Songs („Night Waves“, „Pacer“ oder „Hooray!“), bei denen man sich fragt, ob Gitarrist, Bassist und Schlagzeuger so gar kein Mitspracherecht im Studio hatten. Denn von James Iha, Jeff Schroeder und Jimmy Chamberlin ist unter den dominierenden (teilweise billig anmutenden) Synthie-Klängen kaum etwas zu vernehmen. Statt dessen gibt es häufigen weiblichen Backroundgesang und gelegentlich epische Ausflüge in eine Richtung, die freundlichst mit sphärischem Sci-Fi-Soundtrack umschrieben werden darf („Sojourner“, „Intergalactic“).

In einer Liga mit „Today“, „Disarm“, „Tonight, Tonight“, „Bullet With Butterfly Wings“ oder „Stand Inside Your Love“ (um nur einige zu nennen) spielt jedoch kein Song auf „Atum“.

„Atum“ ist mit leichter Verspätung Anfang Mai erschienen und in den regulären Versionen in Form von 3 CDs oder 4 LPs erhältlich.

Bis zur Veröffentlichung des fünften Albums "Okovi" lief bei Zola Jesus zumindest zeitlich alles ziemlich planbar. Spätestens alle drei Jahre erschien ein neues Werk. Nach "Conatus" war "Taiga" ein relativer Tiefpunkt. "Okovi" gefiel zumindest mir wieder besser.

Doch dann sorgte Nika Roza Danilovas Schreibblockade für eine längere Albumpause. Sie suchte sich starke Partner an ihrer Seite, um die Kurve zu bekommen: Produzent Randall Dunn (der auch bei Sunn O))) und Anna Von Hausswolff seine Kompetenz im Bereich düsterer Klänge bewies) sowie Fiona Apple-, Tori Amos-Schlagzeuger Matt Chamberlain halfen ihr aus ihrer Sackgasse.

Das Ergebnis "Arkhon" bietet keine wesentlichen Überraschungen aber eine düster-harmonische Verschmelzung ihrer letzten Alben. Die Pop-Einflüsse von "Taiga" sind ein dezenter Kontrapunkt zur wieder dunkleren Grundstimmung. "Arkhon" ist Zola Jesus' bislang abwechslungsreichstes Album mit dem Opener "Lost" und "Sewn" als Höhepunkten. Letzteres ist beeinflusst durch Danilovas familiäre Verbindung nach Russland und in die Ukraine. Unter dem Eindruck der Lage würde es nicht überraschen, wenn das nächste Album "Sewn" als Blaupause nimmt. Das Ergebnis könnte spannend klingen.

Einen Live-Eindruck verschafft übrigens die kürzlich erschiene EP "Alive in Cappadocia":

Das dieses Jahr Tears For Fears gerne als Referenz hergenommen wird, verweise ich auf diese Einschätzung:

True to its transitory nature, Arkhon feels like Danilova’s first record with permeable boundaries. For the first time since 2009’s The Spoils, this album feels in conversation with broader musical culture, with Danilova seemingly more content to reference and borrow from pop music at large. Certain moments in “Undertow” obliquely interpolate Tears for Fears’ “Everybody Wants to Rule the World”—perhaps the greatest pop song ever written about the corrupting lust for power—while the final third of “Into the Wild,” a slow lament set to mournful piano and abstracted percussion, feels like Danilova’s answer to FKA twigs’ “Cellophane.” (Pitchfork)

Das Video zu "Lost":

Und das zu "The fall":

10 Fakten zum neuen Album von Bananarama:

1. Gesehen, dass die Neuauflage von „Hormonally Yours“ gestern unter unseren „10 Schallplatten, die uns gut durch den August bringen“ war? Auch gesehen, dass Bananarama, die erste Band der Shakespear Sister Siobhan Fahey, ein neues Album veröffentlicht? „Masquerade“ erscheint heute, am 22. Juli 2022.

2. Siobhan Fahey war 1988 bei Bananarama ausgestiegen und nur für einige Reunion-Konzerte (2017/18) kurzfristig zurückgekehrt. Aber Sara Dallin und Keren Woodward führten die Band als Duo weiter und haben - mit einer zehnjährigen Unterbrechung - kontinuierlich Alben veröffentlicht. „Masquerade“ ist ihr mittlerweile zwölftes Studioalbum.

3. Eigentlich war „Masquerade“ als EP zum 40-jährigen Jubiläum von Bananarama geplant gewesen. Aufgrund der COVID-19 Pandemie entstanden jedoch mehr und mehr Songs, so dass sich Sara Dallin und Keren Woodward entschieden, ein Album zu veröffentlichen.

4. „Masquerade“ liefert 11 Songs, die 39:10 Minuten laufen.

5. „Masquerade“ entstand in Zusammenarbeit mit dem Produzenten Ian Masterson, der einerseits viel Musik für Fernsehserien und Dokumentation beisteuerte und andererseits mit vielen Pop-Künstlern zusammenarbeitete: Pet Shop Boys, Dannii Minogue, Kylie Minogue, Sophie-Ellis Bextor, Girls Aloud, Geri Halliwell, Belinda Carlisle oder Saint Etienne. In die Entstehung der letzten Alben von Bananarama war er ebenfalls bereits involviert: „Drama“ (2005), „Viva“ (2009) und „In Stereo“ (2019).

6.„Na Na Hey Hey Kiss Him Goodbye“ (1983), „Venus“ (1986) oder „Help!“ (1989) - die größten Hits von Bananarama waren häufig Coverversionen. Auch „Masquerade“ hat zwei Songs zu bieten, die nicht von Sara Dallin, Keren Woodward und Ian Masterson komponiert wurden. Das Ungewöhnliche an „Favourite“ und „Brand New“ ist, dass sie aus der Feder von Sara Dallins Tochter Alice stammen, die unter dem Namen Alice D. auftritt und die beiden Lieder 2018 bzw. 2020 bereits veröffentlichte.

7. Bananarama kommen auf 10 Singles, die es in die Top 10 im Vereinigten Königreich schafften. Der Sprung an die Spitze der Charts gelang ihnen zumindest als Mitglieder von Band Aid und Ferry Aid. Mit „Favourite“ und „Masquerade“ wurden im April und Juni zwei Singles vorab veröffentlicht.

8. Hinsichtlich der Alben waren Bananarama nicht ganz so erfolgreich: Nur ihr Debütalbum „Deep Sea Skiving“ (1983) erreichte die UK Top Ten (#7). Aber immerhin kam „In Stereo“, der Vorgänger von „Masquerade“, vor drei Jahren noch einmal auf Platz 29 der Charts in ihrer Heimat. Ein Sprung in die Top 30 war ihnen zuletzt 1987 mit „Wow!“ geglückt (#26).

Opening with taster single Favourite – co-written by Sara’s daughter, singer-songwriter Alice D, and Oscar Scheller – it sets the tone for the record, combining electronic European pop sounds with Bananarama’s trademark stomping anthems.
Elsewhere on the album, the pair deliver moody, sweeping vocals on atmospheric cuts like Velvet Lies and Running With The Night, while they lean into disco influences on Bad Love, a riot of a track sure to erupt when performed during Bananarama’s summer dates.
Ahead of their return to the stage, it seems Sara and Keren have readied an LP of wall-to-wall, singalong anthems, set to breathe new life into their live shows while sitting alongside their trademark brand of carefree pop classics. (…)
Four decades into their career, Bananarama have delivered one of their strongest albums yet and, if ‘Masquerade’ is anything to go by, they have plenty more music left in them!
(Retropop Magazine)

9. „Masquerade“ ist als CD im Digipack, als purple Cassette und LP erhältlich. Bei der Schallplatte hat man die Wahl zwischen blue und red Vinyl.

10. Für Konzerte müssen Fans von Bananarama nach Großbritannien reisen. Dort sind Anfang August zwei Album Launch Shows in London geplant, zudem gibt es fünf Festival Auftritte.

Ein gutes Jahr für Freunde der kanadischen Musik: Nach „WE“ von Arcade Fire und „From Capelton Hill“ von Stars ist nun auch ein neues Studioalbum von Metric erschienen. Dabei erklären Emily Haines (Gesang, Keyboards), James Shaw (Gitarre), Joules Scott-Key (Schlagzeug) und Joshua Winstead (Bass) jedoch per Albumtitel eine kleine Insel in der Nähe von Ibiza zum Ziel ihrer Träume, denn diese entdeckten sie in einem Reiseführer in ihrem Aufnahmestudio in Toronto, als Fernreisen tatsächlich in weiter Ferne lagen.

„Formentera“ wird höchst ungewöhnlich eröffnet: „Doomscroller“ ist eine zehnminütige und mehrteilige Elektro-Rock-Oper, in der sich gehauchter Sprechgesang, technoide, gaga Boller-Beats, Piano-Balladen-Teil und pathetisches Gitarren & Mitsing-Finale vereint werden. So experimentell hat man Metric auf ihren vorherigen sieben Alben noch nicht gehört, obwohl die Band im Verlauf ihrer Geschichte vermehrt auf elektronische Sounds gesetzt und damit vermutlich den ein oder anderen Rock-Puristen verschreckt haben dürfte. Danach gelingt dem Quartett die Verbindung aus New Wave, Synth-Pop und Indierock vorhersehbarer und wie gewohnt eingängig. Die temporeichen „All Comes Crashing“ und „What Feels Like Eternity“ wurden zurecht als Vorboten aus dem Album veröffentlicht. Das abschließende „Paths In The Sky“ wäre für mich jedoch der beste Kandidat für diesen Job gewesen. Der entspannte Titelsong hätte mit seinen schwelgenden Streichern auch gut auf „Behaviour“ von den Pet Shop Boys gepasst.

Während „Formentera“ bereits als CD und Download zu haben / hören ist, muss man sich für die Schallplatte noch gedulden: Erst Ende September werden black, cobalt blue und natural Vinyl erhältlich sein.

Musikalisch sind Metric auf „Formentera“ abwechslungsreicher denn je. Mal entspannt, dann wild und rockend. „Enemies Of The Ocean“ fliesst gemächlich vor sich hin, während „What Feels Like Eternity“ ein 90s-inspirierter Synthie-Rocker ist. „False Dichotomy“ ist gut gelaunter Indie-Pop mit kitschigen Keyboards und sympathischen Melodien, das verspielte Rock-Brett „Oh Please“ zeigt uns Emily Haines in Höchstform. Dann ist da der epische Opener „Doomscroller“! Mit über zehn Minuten Spielzeit ist der fantastische Song wie nichts, was wir je von Metric gehört haben.
Den Texten merkt man an, dass die mitunter düstere Weltanschauung der Band von der Realität eingeholt wurde. Häusliche Gewalt, das Aussterben von immer mehr Tier-Spezies, Flüchtlingsströme oder die ausser Kontrolle geratene Polizeigewalt in den USA sind nicht mehr nur dunkle Fantasie, sondern trauriger Alltag. Trotzdem haftet jedem Song ein wundervoll versöhnliches Gefühl an: „Whatever you do, either way we’re gonna love you.“ So dunkel die Zukunft auch scheint, solange wir Menschen zusammenhalten, besteht die Chance, dass alles gut wird. Diese liebevolle Hoffnung ist es schlussendlich, die Metric effektiv vermitteln und die „Formentera“ zu einer hervorragenden Platte macht.
(Art Noir)

Rein kommen wir in das Album mit einem „Doomscroller“, der über die Strecke von zehn Minuten technoide Beats und Pop-Pathos mitnimmt, in einer Dosis, mit der man Touristendiscos zum Wackeln bringt. Auf „What Feels Like Eternity“ verleihen Metric ihrem Power Pop ein paar Extra-Muskeln und schütten die „Uhuhuhs“ aus der Bestenliste für ewige Ohrwürmer drüber – hier geht’s immer wieder programmatisch an die Schmerzgrenze. Alternativ die Orchester- und Keyboard-Dröhnung im Titeltrack, verbunden mit der dringlichen Frage: „Why not just let go?“ Zum Runterkommen ein finaler melancholischer Heuler: „Paths In The Sky“. Metric pendeln zwischen Eskapismus und Party auf der einen und Selbstheilung auf der anderen Seite.
(musikexpress)

Ungewöhnlich an der aus Minneapolis stammenden Band Poliça ist, dass neben Channy Leaneagh (Gesang, Synthesizer) und Chris Bierden (Bass) gleich zwei Schlagzeuger, nämlich Drew Christopherson sowie Ben Ivascu, zum Lineup gehören. Zudem wird auch ihr Produzent Ryan Olson, der Poliça seit ihrem Debütalbum und über mittlerweile sechs Platten hinweg zur Seite steht, als vollwertiges Bandmitglied gelistet.

„Madness“ muss ohne die im Februar veröffentlichte Single „Rotting“ auskommen und bietet daher nur 7 Songs in 32 Minuten. Ihr Konzept behalten Poliça bei: atmosphärisch-düsterer Synth-Pop mit starker Beat-Akzentuierung, die sich bei Trip Hop („Blood“) oder modernem R’n’B („Away“) bedienen. Der Opener „Alive“ ist äußerst faszinierend geraten und zeigt, mit welcher Akribie und Experimentierfreude im Studio an den Sounds gebastelt wurde. Mit „Madness“ ist es ein zweiter über 5-minütiger Song, der besondere Aufmerksamkeit verdient und auch evoziert. Nach sehr sphärischen drei Minuten mit sanft pluckernden Beats übernimmt eine Geige das Kommando über den Song. Herrlich! Und dann nehmen wir auch noch den dritten Fünfminüter mit an Bord, denn auch „Fountain“ entschwebt fragil in Richtung Ambient und lässt die beiden Schlagzeuger tatenlos staunend zurück. „Sweet Memz“ fehlen eigentlich drei Sekunden, um hier erwähnt zu werden, da hier Drew Christopherson und Ben Ivascu die Band zu hintergründigen Bläserklängen in Richtung Massive Attack führen dürfen, soll auch der das Album abschließende Song nicht unter den Tisch fallen.

„Madness“ ist via Memphis Industries erschienen und als CD oder LP erhältlich (black Vinyl oder yellow Vinyl).

Behandeln wir "Rotting" also einfach wie eine Art imaginären Opener – zumal "Alive" mit muskulöser Basslinie und unterschwelliger Power circa an der gleichen Stelle weitermacht und in seinem unbändigen Überlebenswillen direkt an den Vorgänger anknüpft, als dessen zweiter Teil sich "Madness" verstanden wissen will. Die Rhythmen glitchen, Leaneaghs Stimme wandert ein ums andere Mal in den digitalen Häcksler, Future-R'n'B und Electronic Body Music zucken unter der gleichen schummrig beleuchteten Discokugel. Recht so, denn so relativ einfach machen es Poliça einem nicht noch einmal: "Violence" schwingt sich mehrmals folgenlos zu einem knochigen Breakbeat-Muster auf und wird abgewürgt, sobald der Song in so etwas wie einen Groove hineingefunden hat, das Titelstück verzichtet komplett auf Eingängigkeit, während Leaneagh ein körperloses "I came here to destroy" in den Raum wirft und ein erratisches Violinensolo die psychedelisch wabernden Soundscapes in Stücke schneidet. Mysteriös? Das soll so.
(Plattentests)

Anfang April 1984 wurde in der Sendung „Formel Eins“ der Song „Dr. Mabuse“ vorgestellt, da er sich neu in den UK Charts platzieren konnte. Mein 13-jähriges Ich war von dem New Wave/Synth-Pop Song mit der geflüsterten deutschen Textzeile „Kein Zurück für dich“ eben so fasziniert wie von dem düsteren (und für mich leicht gruseligen) schwarz-weiß Video mit seinen geheimnisvollen Mönchen in einer nebeligen Ruine, dem diabolischen Mabuse und der von einer weißen Hand gehetzten Frau, die letztendlich spektakulär mitten durch einen Spiegel wie aus einem Alptraum entkommt.

Erst nach und nach erschloss sich mir, dass die Düsseldorfer Band beim gleichen Label (ZTT Records) unter Vertrag war und den gleichen Produzenten hatte wie Frankie Goes To Hollywood, dass das Video eines der ersten von Anton Corbijn war und sich mit „Warum schmerzt es, wenn mein Herz den Schlag verpasst?“ noch eine zweite, jedoch rückwärts laufende Textzeile in dem Song (ab 3:34 Minuten) versteckte:

Die Geschichte von Propaganda ist in ihrer damaligen Besetzung (Ralf Dörper, Andreas Thein, Michael Mertens, Susanne Freytag und Claudia Brücken) schnell erzählt, denn nach dem Debütalbum „A Secret Wish“ (1985) und zwei weiteren erfolgreichen Singles daraus („Duel“ und „P-Machinery“) kam es zum Rechtsstreit mit der Plattenfirma, der erst 1987 vor Gericht im Sinne der Band geklärt wurde. Claudia Brücken, die damals mit dem ZTT-Manager Paul Morley verheiratet war, blieb beim Label und verließ die Band, die sich während der Aufnahmen zum Nachfolger „1234“ (1990) in ihre Einzelteile auflöste.

1998 wagten sich Michael Mertens, Susanne Freytag und Claudia Brücken an ein Propaganda-Comeback und arbeiteten u.a. mit Tim Simenon und Martin Gore im Studio an neuen Songs. Mehr als ein kurzer Einblick in den Song „No Return“ sollte aber nicht veröffentlicht werden.

Zumindest live konnten sich Fans in den letzten Jahren an Darbietungen der Musik von Propaganda erfreuen, denn die Sängerinnen Susanne Freytag und Claudia Brücken führten unter den Namen Duel oder xPropaganda das Album „A Secret Wish“ in seiner Gänze auf.

Möglicherweise entstand dabei der Wunsch, „A Secret Wish“ einen würdigen Nachfolger zu bescheren, den es bisher nicht erhalten hatte. Zwar mussten Susanne Freytag und Claudia Brücken auf ihre ehemaligen Mitstreiter Ralf Dörper und Michael Mertens verzichten (Andreas Thein verstarb 2013), dafür konnte Stephen Lipson (Simple Minds, Annie Lennox, Paul McCartney, Grace Jones, Ronan Keating), der das Album damals produziert hatte, für „The Heart Is Strange“ gewonnen werden und fand ein Relaunch des ZTT Labels statt.

Gleich mit dem sechsminütigen Opener wird man tief in die 80er Jahre hineingezogen, denn „The Night“ hätte sich problemlos auch auf „A Secret Wish“ oder „Welcome To The Pleasure Dome“ wiederfinden können. Dem Retro-Synthpop-Diktat folgt auch das folgende „Chasing Utopia“, auch wenn die Beats etwas moderner und ein wenig nach den Pet Shop Boys klingen. Mit diesem Song (und später „Don’t (You Mess With Me)“) wäre auch der Arbeitsauftrag „deutsche Textzeile“ als erledigt anzusehen.

Mit dem eingängig-radiotauglichen „Only Human“ wurde der passende Song als erste Single ausgesucht. „No Ordinary Girl“ sticht in dieser Hinsicht ebenfalls heraus, überrascht aber zwischendurch mit wuchtiger Gitarre und der selbst-referenziellen Textzeile „Don’t be a fool“. Mit dem abschließenden, fast zehnminütigen, sanft vor sich hin pluckernden „Ribbons Of Steel“ schließt sich eine Klammer für Propaganda, die 1985 mit dem ähnlich gelagerten „Dream Within A Dream“, welcher als Opener für „A Secret Wish“ fungierte, geöffnet wurde.

Zur Belohnung ging es für „The Heart Is Strange“ bis auf Platz 11 in den UK Charts, fünf Positionen besser als „A Secret Wish“ vor 37 Jahren.

The album begins with The Night which has vague reflections of 1985’s Dream Within A Dream as occupies the same tracklisting – maybe a conscience attempt to offer a slight replication to their debut album? Perhaps, but it would be foolish of them not to try and appeal to fans of old who still hold A Secret Wish dear. Lead single, the jagged Don’t (You Mess With Me) is a powerhouse of a single wrapped into 3 minutes, near shouty vocals and a throbbing bass and percussion thread. It’s a grower if ever there was one.
There are potential singles in The Wolves Are Returning (a rocky pop affair with a thundering drive) and Only Human (a highly addictive electro anthem) too and album closer, the near ten minute Ribbons of Steel, is a delicate, echoing journey into the sunset with a haunting spoken vocal that creates calm and transcendence.
xPropaganda have made an album that not only gets better with every listen but is a collection of “sonically thrilling, boundary-pushing pop music.” A worthy addition to any fans of the band’s first incarnation and to anyone who hasn’t encountered them previously. The Heart Is Strange, indeed it is.
(At The Barrier)

Kicking off with the epic opener The Night, the album builds with sweeping electronic soundscapes, underpinned by strident beats and laced with expressive, passionate vocals that remain as evocative decades on.
Despite clocking in at eight tracks, ‘The Heart Is Strange’ packs a hefty punch, with more than half of the songs surpassing the five minute mark, making for a slow-burning collection that invites you to experience a world beyond the music.
Pre-release tracks Don’t (You Mess with Me) and Beauty Is The Truth breathe new life in the context of the album, while the smouldering, slow burner Chasing Utopia and stomping The Wolves Are Returning – a damning commentary on the refugee crisis – stand out on first listen.
The intense, obsessive No Ordinary Girl is as much a performance piece as it is a pop song and serves as a prime example of Brücken and Freytag’s impeccable storytelling through their music and vocals.
(Retro Pop)

xPropaganda live:

02.11.2022 Berlin, Columbia Theater

04.11.2022 München, Schlachthof

05.11.2022 Frankfurt, Nachtleben

06.11.2022 Bochum, Zeche

08.11.2022 Hamburg, KENT Club

Hier herrschen strenge Regeln. Erscheint ein Album nicht auf Vinyl, hat es auf Platten vor Gericht eigentlich nichts zu suchen, erfolgt eine LP-Veröffentlichung erst im nächsten Kalenderjahr, wird die Verhandlung eben verschoben. Daher konnten Nation Of Language auch noch so verzweifelt um einen Gerichtstermin bitten, der oberste Richter lehnte jedes Anliegen ab. Auch ein von dem inbrünstigen Hinweis auf einen zuvor erreichten elften Platz bei Platten vor Gericht („Introduction, Presence“ (2020)) begleitetes Rütteln an der Gerichtspforte half nichts, Volker blieb standhaft und die Tore zum Gerichtssaal verschlossen.

Jetzt aber können wir endlich über „A Way Forward“ urteilen, denn das zweite Album von Ian Richard Devaney, Aidan Noell und Michael Sue-Poi liegt mittlerweile als black Vinyl oder coke-bottle green Vinyl vor. Zu hören gibt es Retro-Synth-Pop der die frühen 80er Jahre wieder zum Leben erweckt. Nicht nur Freunde von Orchestral Manoeuvres In The Dark, The Human League und Ultravox dürften verzückt sein, gelegentlich meint man den Bass von Peter Hook zu vernehmen („Across The Fine Line“) und es würde auch nicht verwundern, wenn man bei „This Fractured Mind“ plötzlich Ralf Hütter über „Neonlicht“ singen hören würde.

Gelegentliche Ausflüchte in gute Laune und Indie-Pop wie beim Debüt filtert die Band konsequent aus, um sich vollständig auf ihre Synth-Kunst zu konzentrieren. Das bedeutet auch, wie im Opener “In Manhattan” den Gedanken einer klassischen Band hin und wieder außer Acht zu lassen und elektronische Klangkonzepte und Soundwände fernab von echten Schlagzeugen, nachvollziehbaren Songabläufen und Hooks zu erlauben.
Allerdings ist das nur eine der Facetten von “A Way Forward”, denn ein Song später treibt “Across That Fine Line” mit drängendem, jedoch poppigem New-Wave voran und lässt zwischendurch sogar das Tanzbein schwingen.
(Musikblog)

Mit den repetitiven Synthesizerklängen von „In Manhattan“ beginnt es fast zurückhaltend, aber man ist sofort drin in den Referenzen zwischen OMD, The Human League, Alphaville und Joy Division/New Order. Erst recht, wenn danach mit „Across That Fine Line“ die Hitmaschine angeworfen wird. Unwiderstehlich!
Bei „Wounds Of Love“ lässt sich erstmals erkennen, was Ian meint, wenn er sagt, dass man nach den offensichtlichen Vorbildern dieses Mal zum Teil noch ein bisschen weiter in der Vergangenheit geforscht hat, bei den Vorbildern der Vorbilder also. Kraftwerk, Neu! und so weiter. (…)
Doch zurück zu den Hits. Nachdem man im schlurfig-träumerischen „Miranda“ nämlich ein bisschen relaxt hat, kommen gleich zwei Singles am Stück. Zuerst das fantastische „The Grey Commute“, in dem die Band auch inhaltlich etwas düsterer in den Abgründen unserer Konsumgesellschaft abtaucht. (…)
Direkt darauf folgt mit „This Fractured Mind“ schon der nächste Megaohrwurm. Diese Synthies! Tanzen! Herrlich!
(depechemode.de)

Wer hätte gedacht, dass wir noch einmal auf den Schlamassel mit Italians Do It Better, dem Label von Johnny Jewel, zurückkommen müssen?

Der Song „Follow The Voice“ wurde über besagtes Label veröffentlicht, ein Album war in Vorbereitung, es ging mit den Chromatics auf Tour und dann alles den Bach hinunter. Das Lied und die Band wurden von der Homepage des Labels ausradiert, als wären sie nie da gewesen. So mussten Kraków Loves Adana die Veröffentlichung von „Darkest Dreams“ selbst umsetzen und verzichteten dabei letztendlich auf die vorab veröffentlichten „Follow The Voice“ und „Young Again“.

Beide Titel schafften es in die Liste meiner Lieblingslieder 2019 bzw. 2020 und die Enttäuschung darüber, dass sie bei „Darkest Dreams“ außen vor gelassen und nur digital existierten, währte bei mir noch eine Weile. Aber nun nicht mehr, denn knapp 14 Monate nach ihrem fünften Studioalbum veröffentlichen Deniz Çiçek und Robert Heitmann ihr neues Album: Die Schallplatte (sky blue sprinkled neon pink vinyl) dreht sich seit Mitte der Woche auf meinem Plattenteller und bietet 10 Songs, darunter „Young Again“ und eine Neuaufnahme von „Follow The Voice“, das gleich zum Titeltrack avancierte, da das über ihm schwebende Unheil nun doch vertrieben werden konnte. Dazu Deniz Çiçek:

“Über den Song lag von Anfang an eine Art Fluch: Die Veröffentlichung wurde damals mehrmals verschoben und wir mussten das Musikvideo zweimal drehen, sodass der Song letztendlich nie die Form annahm, die ich für ihn im Kopf hatte. Und als wäre das noch nicht genug, wurde die alte Version einfach gelöscht.”

Kraków Loves Adana gehen auf „Follow The Voice“ den eingeschlagenen Weg weiter und schieben ihren Dreampop weiter in Richtung Dark Wave sowie Synth-Pop und kombinieren Deniz’ markante Stimme mit Synthesizern, Beats aus dem Drum Computer und elektronischen Gitarren. Der überraschendste Song ist „Taint My Mind“, denn wann war das Hamburger Duo einem unterkühlten, tanzbaren Club-Track so nahe? Folgen jetzt - wie bei den Chromatics - erste Remixe? Und werden für den Soundtrack von „Stranger Things“ eigentlich auch aktuelle, 80ies affine Songs genommen? Falls ja, dann wäre „Dream House“ doch recht passend, oder?