Mit ihrem zweiten Album hätten Sängerin/Texterin Victoria Suter Multiinstrumentalist/Produzent Mathieu Daubigné a.k.a. O'O Ihr „Terrain erweitert“ heißt es in der aktuellen Bio des französischen Duos. Das ist angesichts dessen, was O'O hier zwischen klassischem Chanson, verstiegener Avantgarde, perkussivem E-Pop und Club-Ästhetik bilingual zelebrieren sogar noch untertrieben. Es ist dann auch die Unberechenbarkeit, mit der O'O offensichtliche Gegensätze auf immer wieder überraschende Weise aneinanderreihen (ohne die Absicht, das Ganze zu einer Synthese zusammenzuführen), die den eigentlichen Reiz dieses Albums ausmachen. Dazu gehört auch, dass ständig zwischen ausformulierten Songs, Klanginstallationen, Rezitativen und musikalischer Tontaubenschießerei hin und hergependelt wird. Das ist denn auch nichts für Freunde bestimmter Genres sondern eher etwas für Entdecker, Querdenker und Musikfans, die offen für ungewöhnliche Musikabenteuer sind.

(Westzeit)

Er gibt den emotions-eloquenten Herzens-Hasardeur, der zwischen blinder Exzess-Euphorie und dem unaufhaltsamen Aufprall oszilliert. „Am Wahn“ dokumentiert die unheilvoll ekstatischen Kapriolen einer hypertoxischen Beziehung, ohne den Fehler zu begehen, jeden Winkel ausleuchten zu wollen. Die Faszination dieser elf Stücke liegt in den himmelhohen Zufluchtsorten zwischen den Zeilen. Sie umgarnen die sinistre Illusion („Mirage“), umarmen die Scherben („Kein Problem“, ein hinreißendes Duett mit Annett Louisan).

Brusch wagt noch mehr Chanson („Wieder eine Nacht“), zückt Gospel-Referenzen („Oh, Lord“), rekonstruiert den Verfall des Verfallens. Die berückenden Streicherarrangements, ebenso empathisch wie erbarmungslos, der Mut zu Schwelgerei und großer Geste und die erneut herausragende Produktion von Tim Tautorat lassen an Serge Gainsbourg, Jacques Brel, Scott Walker oder Lee Hazlewood denken. Wahnsinnig gut!

(Rolling Stone)

Wie klingt es also, wenn eine Ikone des Britpop sich am französischen Kulturgut vergreift?

Kurze Antwort: Es klingt so typisch nach Jarvis Cocker, dass es kaum zu glauben ist. Seine stets leicht überzeichnete Stilistik, das scheinbar unerschütterliche perfomerische Selbstbewusstsein, die über sich selbst lächelnde Arroganz – alles ist da. Schon im Opener Dans Ma Chambre kommen die großen Gesten. Und es fällt auf: Der Brite ist kein Naturtalent in französischer Aussprache, aber darum geht es eigentlich auch nicht. Der Orgelopener des Originals vom Darida wurde sogar noch ausgebaut, Cockers Stimme legt sich dramatisch vor das rhythmische Treiben der Band. Eine Dramatik, die auch in der Neuinterpretation von Mao Mao zu finden ist, das jedoch im starken Kontrast mit leicht schräger Flöte und marschigem Rhythmus fast schon punkig klingt. Auch Les Gens Sont Fous, Les Temps Sont Flous hat diese rotzige junge Energie, die dem Album gut steht. Cockers typisch verwegene Sexyness kommt in Amour, Je Te Cherche zum Vorschein. Vor Streichern sinniert er, nahezu flüsternd, ein Saxophon und Frauen-Vocals im Hintergrund über die Liebe. Emotional ist das nicht, aber verdammt unterhaltsam.

(Bedroomdisco)

Wahrlich etwas für Liebhaber…. Oder für Fans von Erobique, wozu ich mich zweifelsohne zähle, obwohl ich seine Score-Komponistenkarriere für „Der Tatortreiniger“ total verpennt habe. Das Duo Palminger und Erobique haben mich schon mit ihrem Projekt „Songs for Joy“ (Achtung Phrase) restlos begeistert. Hierbei stach besonders der Song „Wann strahlst du?“ heraus (neben „Kathrin und Lars“, „Finsterwalde“ „Mauerseglerlied“ und und und). Yvon von „Wann strahlst du?“ hat jetzt ein ganzes Album mit den Texten von Palminger eingesungen. Wer keine Lieder über Schokoladenbrunnentattoos oder die Entstehung des Atlantiks oder den Traum vom ersten Menschen auf der Sonne braucht, kann hier gerne weitergehen. Ich hingegen bleibe stehen, angewurzelt und frage mich, warum es nicht mehr schrullig phantasievolle Musik dieses Kalibers gibt. „ Ich habe einen Feind, der lebt in Berlin, er heißt Marco“… so schreibt man spannende Songtexte. 

YVON IM KREIS DER LIEBE wird von der Stimme der Protagonistin geprägt, Jansen singt klar, intoniert perfekt – alles wirkt leicht, wenn sie singt. Und das muss es auch, denn die Songs von Texter Palminger und Musiker Erobique machen es sich in der Softpop-Lounge bequem. Die Drums sanft und nah am Ohr, die Gitarre zurückhaltend akzentuiert, die Orgel omnipräsent, der Bass melodieverliebt – dazu immer wieder Flöten, wie zum Beispiel auf dem eleganten Soul-Stück „Nikotina Turner“.
Großartig auch „Marco“, das im „Senor Rossi“-Sound an die alte Zeichentrickserie „Marco“ erinnert – auch wenn es sich bei diesem „Marco“ um einen Typen in Berlin handelt, in den sich die Sängerin auf unangenehm heftige Weise verknallt hat. Gegen Ende schleicht sich gepflegte Langeweile ein, doch das Finale ist grandios: „Der erste Mensch auf der Sonne“ lädt die Menschheit ein, den Traum von der Reise dorthin nicht aufzugeben. Air trifft die Lassie Singers – auf einem guten Album ragt dieses Stück heraus.
(musikexpress)

Die wütende antirassistische Vorabsingle „Das Boot ist voll“ zum Beispiel ist auch ohne die nachträglich rausgestrichene Vergewaltigungsfantasie viel zu (d)oller Holzhammer. Während Stücke wie „Generation YouPorn“ oder „Das Leben sei nur eine Zahl“ das (junge) Verlorengehen in dieser digital-globalen Welt so deutlich begreifbar machen, dass sie noch lange in einem nachhallen.
Bleibt die Musik: Es gibt wieder viel balkaneskes Zeltfestival-Gewirbel hier, feurig gespielt, sind diese alten Schuhe aber eben doch durchtanzt. Vielleicht braucht man das aber ja zum Ausgleich, denn wenn Faber sich auch noch zum weinenden Orchester selbstentflammt wie in „Sag mir wie du heißt (Pt.2)“, ist das Melodrama kaum noch auszuhalten.
(musikexpress)

"I fucking love my life" ist ein unbequemes Album voll bitterem Humor geworden. Viele Textzeilen erschließen sich erst beim erneuten Hördurchgang, zumal sich Faber gleich an mehreren Stellen auf Album Nummer Eins bezieht. Überhaupt weiß der Kerl schon lange, sich zu stilisieren: Auf dem Cover ist er abgebildet wie auf einem Paparazzi-Schnappschuss, weiß-goldener Stoff, Goldkettchen und Kippchen in der Hand, die Album-Lettern gleichen der Typographie einer Boulevard-Zeitschrift. Sarkasmus und Überhöhung lautet die Devise. Man muss ihn nicht mögen, aber sein neues Album ist ein gewaltiger Arschtritt für den Gefälligkeits-Pop, der hierzulande produziert wird.
(laut)

Musikalisch bleibt meist alles beim Alten. Fabers Begleitband, die Goran Koč y Vocalist Orkestar Band, verleiht dem Folk-Pop-Balkan-Chanson den nötigen Druck, um dem Hörer Fabers Auslassungen und Phantasmagorien regelrecht aufzudrängen. Wie schon auf "Sei ein Faber im Wind" begeistern vor allem die Bläser-Einwürfe und treibenden Stücke ("Vivaldi"), während es dem Sänger mit seiner bassigen, kratzigen Stimme in den ruhigen Songs wie "Sag mir wie du heisst (Pt. 2)" gelingt, den Hörer zur Aufmerksamkeit zu disziplinieren. Der vermeintliche Pomp und die scheinbare Arroganz, der die Aufmachung des Albums durchzieht, blitzt auch in der Trackliste durch. Ganz wie bei einer Oper gönnt sich Faber eine Ouvertüre, ein Intermezzo und eine Coda. Und ganz wie bei einer Oper ist die Musik nur eine Komponente des Gesamtkunstwerkes. Wer sich bisher von Zeilen wie "Wem du's heute kannst besorgen, dem besorgst du's morgen auch" hat abschrecken lassen, dem sei noch mal in aller Deutlichkeit gesagt: Der Mann hat viel zu sagen – und Zuhören lohnt sich.
(Plattentests)

Faber zeigt auf seinem, nach „Ein Faber im Wind“ zweiten Album „I Fucking Love My Life“ Haltung und Kante, schlüpft in Rollenprosa und entpuppt sich nicht nur als politischer Provokateur, sondern auch als genauer und kluger Beobachter unserer Zeit. Vor dem Faber ist niemand sicher, besonders nicht die „Generation YouPorn“, die im gleichnamigen Song die volle Breitseite abbekommt („Und mit dem Auto ins Fitnessstudio, um da Rad zu fahren / Mit dem Auto im Bioladen kaufst du regional“). Faber macht nicht mal vor sich selbst Halt und zeigt selbstironische Züge in der sonst bitterbösen Schwulen-Sex-Affären-Abrechnung „Vivaldi“. (…)
Manche mögen ihn auf seine provokanten Texte reduzieren, aber Faber ist halt auch ein ziemlich guter Liedermacher und das beweist er mit seinem neuen Album.
(Sounds and Books)

Dieses neue Album ist musikalisch noch abwechslungsreicher als seine Vorgänger, ob Zwölf-Achtel- oder Neun-Achtel-Takt, ob Polka, Blues, Wüstenrock, Northern Soul oder Mariachi, zwischen Weltuntergang und Gummibären, die Platte beginnt und endet in Berlin und landet zwischendrin immer mal wieder dort, zum Beispiel am Schlesischen Tor (…). Zwölf neue Lieder, kein Ausfall dabei, mal ist es rumpliger mal herrlich leise. Die Liebe steht immer noch im Mittelpunkt, egal ob nun alt oder neu. Auf die Bläser wurde noch mehr Wert gelegt als früher (…). Sven Regener malt ein paar Bilder, die man so noch nicht gehört hat – manchmal denkt man an Kästner, Tucholsky oder auch Trakl. Dazu gibt es Streicher und ein wunderbares Akkordeon. Das Album ist pure Poesie  - vielleicht die schönste, die man so findet derzeit.
(mdr)

Seit 33 Jahren rotiert der Planet EOC in seinem eigenen Orbit, im Bummeltakt der ewig gleichen, ewig schönen Kneipen- und Alltagschansons. Kaum eine Band kann und mag sich ein so hohes Maß an Selbstreferenzialität leisten: Gleich zum Auftakt, „Am ersten Sonntag nach dem Weltuntergang“, taucht wieder der grausame Haifisch aus dem Müggelsee auf, während Sven Regeners Trompete in gewohnter Elegie der lahmenden Rhythmusgruppe hinterhertrötet. Ein Wiedersehen gibt es auch mit „Karin“, die wir seit IMMER DA WO DU BIST BIN ICH NIE kennen, und mit ikonischen Berliner Orten wie dem Schlesischen Tor, an dem sich schon Herr Lehmann herumtrieb.
(musikexpress)

Immer noch schunkelt man sich mit behutsam orchestrierten Soul-, Chanson-, Blues- und Rock-Anleihen durch die Unbarmherzigkeit der Gegenwart. Das ist lakonisch, aber manchmal eben auch notwendig.
Musikalisch waren EoC noch nie Grenzgänger, ihre Arrangements balancierten immer in klassischen Songstrukturen um die Texte von Sänger Sven Regener. Mehr Improtheater als Oper, mehr Vanitas als Happening, mehr Kleinkunst als O2-Arena.
(Mittelbayerische)

Der Titelsong ist noch hervorzuheben, dieses Stück, das von der einen Daft-Punk-Hälfte als melancholisches Schlummerlied inszeniert wird, in dem sich wenige, Xylophon-artig abgehackte Synthesizer schichten und schichten und gegenseitig im Weg stehen. Dass die Songs dabei eine Schönheit in sich bergen – also rein ästhetisch, melodisch –, denn der Gesang verschluckt sich Gainsbourg-typisch in der eigenen Schüchternheit und Dezenz, ist das eigentlich Wundersame an "Rest". Verweile doch, Augenblick, auch wenn sich niemand so recht sicher ist, was für ein Augenblick das denn sein soll: Denn das hier sind Songs, die wunderschön und traurig wirken, dabei weiß niemand so recht, ob sie nicht einfach nur erbaulich und happy sind. Das kann auch ein Kunststück sein.(Plattentests)

Und so ist das titelgebende „Rest“ ein fragiles und zugleich simples Stück voll von Selbstaufgabe, Verzweiflung und Trauer, das nur einen Teil der Lebensgeschichte dieser Frau erzählt. Der Song behandelt den Tod ihrer Schwester Kate Barry, die 2013 aus dem vierten Stock ihrer Pariser Wohnung stürzte. In „Kate“ wird die Vorgeschichte erzählt. Wiederholungen, Gitarren und Loops sind die Kernelemente des Albums.Pop-getränkte Chansons, die immer wieder auf einander Bezug nehmen. Man schwebt als Zuhörer förmlich über den Dingen. REST ist wie ein musikalischer Autorenfilm, der sukzessiv einen Teil der Figur offenlegt. Mal sexy, mal traurig, mal edgy, wie in „Songbird In A Cage“. Keine Offenbarung, aber an keiner Stelle belanglos.(musikexpress)

Tom Krimi und Erik Lautenschläger verweigern sich dem Zeitgeist, sie spielten alle ihre leichten und doch komplexen Kammerspiel-Lieder live ein und übertrugen so eine Sinnlichkeit und Freude, die eben nicht gespielt wirkt. 
In manchen Songs kommt Josephin Busch (auf dem Debüt war es noch Nora Tschirner) als Gastsängerin dazu, und man merkt, dass die drei sich bei Kinderplatten-Produktionen kennengelernt haben: Ein charmanter Hörspiel-Charakter schleicht sich in die schlauen Lieder ein, und man lauscht gebannt den leichten, aber doch immer großen Geschichten. Denn wie singen sie an einer Stelle so schön Morrissey’esk? »Kann ich nicht einmal aufhören zu denken?«(intro)

Die große Frage an "Es war nicht so gemeint": Gelingt Prag der Spagat? Tatsächlich verfügt das Album längst nicht über die Durchgängigkeit von "Premiere" und "Kein Abschied", dennoch erscheint der eingeschlagene Weg die richtige Richtung zu verfolgen. Denn Durchgängigkeit kann auch zur Eintönigkeit werden, wenn man die Instrumentierung auch noch so sehr aufbliese. Prag haben trotz der Trennung von Tschirner Schwung und Elan genug, ein Album zu produzieren, das vielen wichtig sein wird – und gleichzeitig vielleicht noch das ein oder andere neue Herz zu erobern weiß.(Plattentests)

Leßmann, der sich immer eher dem Swing, Chanson und Schunkel-Pop näher fühlte, konnte diesen Traum mit Sebastian Madsen erfüllen, verkroch sich mit diesem im Wendland und nahm die jetzt vorliegenden aalglatten zwölf Songs auf. Sie sind schleimig, viel zu kitschig und plakativ – und total großartig.(Musikexpress)

Leßmanns Erzählfigur in seinen eigenen Texten ist die des romantischen Träumers, ein verliebter Simplicius, der durchaus weiß, wie die Welt läuft, sich aber entschieden hat, alles nicht so kompliziert zu nehmen: "Eigentlich muss man nichts müssen, außer Küssen muss man nichts", postuliert er fröhlich in "Küssen" - und mokiert sich in den Strophen über Selfie- und Instagram-Wahn. Dazu jodeln im Hintergrund schönste -Beach-Boys-Choräle, es seufzen die Streicher. Allein aus der selbstgewissen Schönheit dieser schwelgenden Musik heraus, kann sich das von Druck und Stress geplagte Neuzeit-Individuum mal ein seufzendes Aufatmen leisten. (…)Verbrennen Sie mit Max Richard Leßmann all sein Geld im "Lavendelfeld", gehen Sie mit ihm ins Salzwasserfreibad ("Keine Langeweile") oder basteln Sie mit Papier, Melodie und fechten Küssen eine schöne Ballade ("Lied aus Dir". Hören Sie dabei Montand, Morricone oder Muppetshow heraus. Entwaffnend uncool.(Spiegel)

Noch besonderer wird es bei "Coward". Zunächst doppelt Yael nur das Klavier. Den Großteil des Liedes aber macht dann feiner Satzgesang aus, vor dessen Kulisse Naim ihre inneren Ängste besingt. Gegen Ende entfaltet der Titelsong "Older" seine leisen Schwingen zwischen Lykke Li und Christina Perri.

Den Höhepunkt des Albums markiert aber weder neckische Leichtigkeit, noch eine nachdenkliche Ballade. Sondern das mittendrin angesiedelte "Trapped". Die Folk-Elemente sind vorhanden, ein ruhiger Beat zieht sich durch das Stück, Backgroundchor und Bläser sorgen für Harmonie, Streicher fetten die Basis an. Verpackt ist das alles in eine fingerschnippende Tanznummer. Als Taktgeberin verkörpert Yael Naim Eleganz und Verführung, stimmlich brilliert sie. In diesem wiegenden Mid-Tempo geht sie vollends auf.

Eigentlich hat "Older" alles, was es braucht: eigenen Stil, Abwechslung, eine tolle Sängerin. Häufig fehlt aber das mitreißende Quäntchen. "IMA" berührt, "Trapped" ist nahezu perfekt, "Coward" besticht mit Ungewöhnlichkeit. Sie haben es. Die anderen Tracks sind durch die Bank gut, können sich aber leider nicht immer richtig durchsetzen.

(laut)

Ihre Vielfalt lassen sich Naim und ihr jahrelanger musikalischer Partner David Donatien, der auch diesmal an einigen Stücken beteiligt ist, also nicht nehmen. Ob Soul-Anklänge oder Gospel-Gewippe wie in "Walk walk" – Naim bringt in knapp 40 Minuten vieles unter, ohne dabei an Authenzität einzubüßen. Umso ärgerlicher, dass ausgerechnet der Titelsong in allzu sanftem Klavier- und Gitarrenspiel untergeht. Doch neben dem energiegeladenen "Take me down" oder dem malerischen "She said" kann das schon mal passieren. Und nichtsdestotrotz ist Yael Naim gewappnet für den zweiten Durchbruch. Jetzt heißt es nur noch: Daumen drücken!

(Plattentests)

Auf “1983″ setzt Sophie Hunger wieder fröhlichere Töne an, die Grundstimmung der Platte ist eine Positive. Mit Liedern wie “Invisible” oder “Lovesong To Everyone” möchte man direkt in den Frühling starten. Stellenweise zeigt sie sogar ihre wütende Seite, Stücke wie “Approximately gone” mit lauten Gitarren und einem bellenden Gesangpart im Refrain lassen Sophie Hunger in ein ganz neues Licht rücken. Trotzdem verzichtet sie nicht vollkommen auf die Melancholie. Ihre Texte handeln schließlich nach wie vor von den großen Dingen des Lebens und sie bringt ihre Kritik an der Gesellschaft und an der Politik mit einer Leichtigkeit auf den Punkt, die ihresgleichen sucht. (...)

Die Zeiten der schüchternen Schweizerin hinterm Piano sind also vorbei. Die neue Sophie Hunger besteht auf Aufbegehren, ohne dabei die Melodien und den Kampf mit der Wirklichkeit in ihren Stücken vermissen zu lassen. Sie stellt ein weiteres Mal unter Beweis, dass sie eine der stärksten Popmusikerinnen ist, die unsere Zeit zu bieten hat.
(mainstage.de)

Bislang hatte ich Martha Wainwright der Schublade “Frau singt Folk / Pop / Rock” zugeordnet. Entsprechend desinteressiert stand ich ihrer Musik gegenüber. Und obwohl ich mich nie intensiv mit Edith Piaf oder ihren über 200 Songs befasst habe, interessierte mich Martha Wainwrights Album mit ihren Interpretationen einer Auswahl unbekannterer Songs des Spatzes von Paris.

Martha Wainwright stammt aus Montreal. Daher erfüllt sie mindestens eine Qualifikation, welche eine Musikerin mitbringen sollte, die sich an Edith Piafs Songs herantraut: Sie spricht französisch. Musik sollte Martha auch im Blut liegen, sind doch ihre Eltern Musiker und auch ihr Bruder Rufus hat sein Talent schon unter Beweis gestellt. Vielleicht befähigen sie ja diese Voraussetzungen, ein solch ambitioniertes Vorhaben zu meistern.

Das Album wurde während drei ihrer Auftritte im New Yorker Dixon Place Theatre im Juni 2009 aufgezeichnet. Zwei Sachen machte Martha auf jeden Fall richtig: Sie wählte nicht die “Hits” der Piaf und sie trifft m. E. einen guten Mittelweg zwischen Neuinterpretation und Huldigung der Originale. Während diese zu einem großen Teil von der Traurigkeit der Piaf lebten, spielt Martha Wainwright mit einer relativen Leichtigkeit. So eignen sich die Songs nicht zur Untermalung trister französischer Filme sondern zur Unterhaltung der Hörer. Vielleicht stellt “Sans Fusils, Ni Souliers, A Paris” sogar eine Alternative zu Weihnachtsliedern während des Familienfestes dar: Mindestens zwei Generationen sollten sich mit diesem Album anfreunden können und irgendwie besinnlich klingt es auch.

Eine Live-Version des Songs “La Foule”:

Bei dem Versuch, die Kunst von Element of Crime in Worte zu fassen, muss man bald einsehen, dass die eigene Sprachgewalt sich neben der von Sven Regner ungefähr ausnimmt, wie zwischen Legastheniker und Purlitzerpreisträger.
(Andreas Schulz, amazon.de)

Immer da wo du bist bin ich nie ist wieder ein typisches Element of Crime Album geworden, dessen 11 Songs man begeistert begrüßen darf, so wie einst ungeduldig wartende Leser jeden neuen Roman von Georges Simenon. Hier wie dort dreht sich alles um die Betrachtung der kleinen Dinge im Alltag, die umso größer werden, je näher man an sie herangeht. Die parabelförmige Flugbahn eines Kinderschuhs auf einem Spielplatz gerät Sven Regner mühelos als brillanter Einstieg zu einer ebenso originellen wie schönen Liebeserklärung ("Am Ende denke ich immer nur an Dich"), -und das ist nur eines von ganz vielen Beispielen auf diesem Album! Auch in musikalischer Hinsicht ist alles in Butter, aufgrund der bewährten Mischung aus Balladen ("Bitte bleib bei mir") und rockig angehauchten Songs ("Euro und Markstück"). Arrangements mit Stilmitteln aus Country und Straßenfolk haben der Band Vergleiche mit Dylan, Diddley & Co. eingetragen. Das mag stimmen, aber eigentlich bleiben sie schlicht und einfach Element of Crime, und damit immer nur sich selbst treu.
(Andreas Schulz, amazon.de)

Geradezu prädestiniert für entspannte Sonntage sind Delerms wohlarrangierte Chansons, wie sie auf dessen drittem - in Frankreich bereits im September erschienenen und dort die Chartspitze stürmenden – Album vorhanden sind. Mag man beim ersten Hören noch (vergeblich) nach Überraschungen suchen, so macht sich der wahre Wert des Album erst in der Folge bemerkbar: Es sind die Nuancen, die sanft von Delerm gekitzelt, leise hervor treten, es ist die warme Grundstimmung, die er durch die zurück haltende Instrumentierung und durch deren Klang erzeugt und es ist die Stimme, die charmant und unaufgeregt sowie mit angenehmem Timbre aus den Lautsprechern schallt. Kleiner, aber feiner Bonus: Das Duett mit Neil Hannon – en francais! (westzeit)

Eine Art Konzeptalbum hat sie nun
erschaffen, um den Charakter Alicia, halb Blume, halb Mädchen.
Anspruchsvoller Pop zwischen elektronischen Sounds und Klängen von Flöte,
Cello oder Percussion. Atmosphärischen Tracks wie "Le vieil amant" stehen
flottere Stücke wie "Dame de Lotus" oder das hitverdächtige "Fleur de
saison" zur Seite. Gesungen wird in englisch und französisch. Charmante
Platte.