Fish versprach zum Ausklang seiner Karriere einen würdigen Abschluss und er hält tatsächlich Wort. Was er hier zusammen mit seinen vielen Mitstreitern und langjährigen Co-Writer Steve Vantsis abliefert, ist in allen Belangen würde- und wundervoll. Angefangen bei der erstklassigen Produktion, den abwechslungsreichen und vielschichtigen Arrangements, und der einmaligen Stimme von Fish, die im Alter an Gelassenheit gewonnen aber an Charakter nichts verloren hat, bekommt man hier ein rundum packendes Abschiedsgeschenk eines einmaligen Akteurs und Geschichtenerzählers der Progressive Rock Szene.

Man kann am Ende dieser langen Reise eigentlich nur den leisen Wunsch äußern, Fish möge es sich mit dem Karriereende doch bitte noch einmal überlegen.

(Betreutes Proggen)

10 Fakten zum neuen Album von Muse:

„Algorithm“ ist Epilog mit zeitgemäß aufgearbeiteten Videospiele-Sounds, „Pressure“ Popmusik mit Glam-­Gitarre, das Falsett im Refrain bereitet das folgende „Propaganda“ vor, eine Art Prince-Hommage, der Timbaland (einer von diversen Gastproduzenten) ein wenig US-R&B verpasst. R&B treibt auch das mit orientalischer Melodie drapierte „Break It To Me“. Wie weit das weg ist vom kondensierten Triosound, den Mutt ­Lange für „Drones“ inszenierte! „Some­thing Human“ gerät zu fast süßlichem Akustikgitarren-Pop mit Eighties-­Synths von einem, der zu lange auf Tour war und seine Liebste vermisst.
„Dig Down“ ist Cyborg-­Gospel, „Get Up And Fight“ flirtet mit Dance, doch die Klänge sind fast nostalgisch, bis die Breitwand­gitarren das Lied wieder nach Hause holen. (…)
Die neue Freude an Synthies, Beats und Stilvielfalt passt sich freilich in die hier angestammten Sounds ein. Überdrehte Gitarren, Akkorddrama, Rock-Punch, Queen-Chöre, Brian-May-­Soli, Glam-Riffs – auch 2018 spielen sie ­ihre Musik mit Großbuchstaben. Bestes Beispiel dafür ist der Auftakt, „The Dark Side“, ein ganz typisches Lied. Gitarren-Arpeggio, opernhafte Gesangslinie, Megachorus: So geht ­Muse.
(Rolling Stone)

Statt größenwahnsinnig drauflos zu rocken, haben Muse für SIMULATION THEORY einen Sound entwickelt, der wie die CD-Beilage zum nerdigen P.M. Magazin klingt. Das ist Musik für Leute, die Rockkonzerte wegen der Anwesenheit anderer Menschen meiden.
Es riecht hier nicht mehr nach dem Plastikschweiß der Arena, eher nach dem miefigen Muff eines Jugendzimmers, dessen Fenster ihre Hauptfunktion verloren haben. Damit finden Muse eine neue Bestimmung: Mit SIMULATION THEORY spielen sie 80s-seligen Nerd- und Nostalgierock, mit Science-Fiction-Sounds und Drummaschinen aus dem Museum. Muse sind jetzt The Killers ohne Freunde.
(musikexpress)

Deutschland-Woche bei Platten vor Gericht, Tag 7

Wer?

Woher?

Wie viel?

Wann?

Welche?

Wie lang?

Wie hoch?

Wie?

Was?




Warum?
Darum soll man „Letters To Maro“ kaufen:

Fragile, niemals zu überladene Kompositionen, die feinfühlige Dynamik verwenden, aber auch immer Raum für verträumte Momente bieten. Mit ihrem leicht verschnörkelten, aber immer sehr melodischen Kunst/Art Rock gelingt ein eleganter Brückenschlag zwischen moderner, einnehmender Klangästhetik, bei gleichzeitiger Verwendung von eher ungewöhnlichem Instrumentarium wie Electroharfe, Wavedrum oder Mandoline, aber ebenso sehr sparsam eingesetzen Mellotron- und Synthesizerpassagen.
Dennoch bleiben instrumentale Solopassagen eher die Ausnahme. Vielmehr wird ein dichtes Geflecht aus Klängen zu einer luftigen Musik-Melange, einem Art cineastischen Breitwandsound ohne zu offensichtlichem Rockkontext, verwoben. (…) „Letters To Maro“ funktioniert vor allem durch seine sparsamen, aber effektvollen Harmonien und ein verschachteltes Sound Design und schraubt die Gitarrenarbeit und den Härtegrad gerade im Vergleich zum Vorgänger „Last“ sehr deutlich zurück.
(Betreutes Proggen)

Frequency Drift setzen ihre Karten weiterhin auf emotionale und leicht epische Lieder, die zwar technisch nicht immer komplexe Taktwechsel vollführen, aber von sanft streichelnd bis zu laut polternd wechseln. Bereits “Dear Maro” stellt gewaltige Klangwände gegen nachdenklich gesungene Zeilen und offenbart auch gleich das lyrische Konzept, hier elf Briefe über Veränderung und Verlust zu präsentieren. Kein Wunder waren Künstler wie der Schriftsteller Haruki Murakami eine Inspiration, man spürt diese asiatische Kunstader schnell heraus.
(artnoir)

Die Bayreuther setzen aktuell in solchem Maß auf sperrige Grooves, wie man es vielleicht nicht einmal von einer Prog-Band erwarten würde. Virtuosität drückt sich auf "Letters To Maro" nur selten und dann treffsicher aus, kunstfertig ist die Scheibe aber zu jeder Minute. Erschließt man sich die Rhythmik des am besten im Ganzen statt im Einzelnen pro Song gehörten Materials erst, ist es aber im Grunde gar nicht so komplex, zumal durch die Härteminderund viele Freiräume im Klangbild entstanden sind.
Andreas Hack und E-Harfenistin Nerissa Schwarz rücken die Klassik stattdessen in den Mittelpunkt, wodurch ihre aktuellen Stücke zu kammermusikalischen Kunstwerken werden.
(Musikreviews)

Wann?
Das sind die Konzerttermine für Frequency Drift:
19.10.2018 Schwäbisch Gmünd / a.l.s.o. - Kulturcafé
08.11.2018 Kulmbach / Dynamic Commerce GmbH
15.12.2018 Königshofen / Kulturschock
19.01.2019 Erkrath / Stellarium

Es ist sphärischer, melancholischer, zarter Electro-Pop zu hören, der stark an Mobys "Wait for me" erinnert. Songs wie "Glass" oder "Hope" steuern, einem recht simplen Trick folgend, immer auf ihren Höhepunkt im letzten Songdrittel zu. Dann ziehen Drums an, der Sound verdickt sich durch mehr Hall, mehr Stimmen, und das war's. Abrupt löst sich alles auf. Elena Tondra säuselt sich durch einige Songs, wobei es eher Statements sind, die sie von sich gibt, etwa: "I can't be bothered with the teachers / Always trying to shape the way I act." Die Mehrzahl der Stücke ist jedoch, ganz soundtrackkonform, instrumental. Gestöhnt wird in "The right way around" oder "Flaws" trotzdem.(Plattentests)

Einschneidendste Ruptur auf dieser schamanischen Reise durch die Seele des Postrock ist »Party In The Dark«, das mit einem für Mogwai-Verhältnisse völlig enthemmten Gesangsteil aufwartet.(intro)

Seit der Jahrtausendwende haben sich die Schotten in ihrer Musik geöffnet. Sie halten dabei aber an genau den richtigen Bestandteilen ihrer Musik fest, und verleihen ihnen mit elektronischen Sounds, mit Synthies noch mehr Prägnanz.Die ruhigen Stücke wie AKA 47 überraschen, weil der erwartete Break ausbleibt. Stattdessen steigert sich das Album über mehrere Songs hinweg, wird brachialer und findet in harten Metalriffs den Höhepunkt – um danach wieder langsam zum Ende hin abzubauen.(flux.fm)

Verzerrungen und Unschärfen im Sound geben dem ganzen Look zusätzliche Rockigkeit, selbst bei den keyboard- oder klavierlastigeren Parts saugt immer auch eine Gitarre Distortion statt Staub. Schwer wogen die "Brain Sweeties", krautig-motorisch kommt "Crossing the road material", verspult-ambientös, weil ohne Beats wirken die Rhodes-Sounds in "Aka 47". Bei "20 Size" setzen sie wie in ihren Anfängen herrlichst auf Gitarrennoise-only, "1000 Foot Face" agiert mit Chorgesang und Captain Future-Synthies zu tribal Drums im Universum, das formidable "Don´t belive the fife" beginnt sanft , um sich dann zu einem klassischen, breitbeinigen Riffgewitter zu entwickeln. Ziemlich brachial-sonic bis atonal gewürzt kommt auch das großartige " Battered at a Scramble" als Opener für den klanglichen Exorzismus am Albumende, der sich in dem Koloss von Titelstück phantastisch entlädt.(flight13)

Mogwai in Deutschland:
14.10.17 Berlin - Columbiahalle
16.10.17 Hamburg - Docks
17.10.17 Köln - E-Werk
02.11.17 Leipzig - Täubchenthal
03.11.17 München - Backstage

10 Fakten zum neuen Album von Public Service Broadcasting:

Das neue Personal sorgt dafür, dass die elektronisch-ambienten Klangflächen früherer Tage erdigeren Songstrukturen gewichen sind. Neben klassischen Instrumenten und gelegentlichem Gesang spielt aber noch immer die menschliche Stimme die erste Geige, eingespielt vom Tonband, aus dem Fernsehen oder Radio. Bisweilen klingt das wie ein gemeinsames Projekt von Pink Floyd und The Police, gleichzeitig sphärisch und krautrockig vor sich hinpulsierend. Die politische Botschaft liegt in der melancholischen Grundstimmung. Wenn Progressive Rock, dann so.(musikexpress)

9. Metacritic sieht das Album aktuell bei 80/100 Punkten bei 9 berücksichtigten Kritiken:

Every Valley is certainly an important and timely record, but happily it's also an extremely satisfying and moving one. While it may not have the obvious scope of their breakthrough record The Race for Space it has something important to tell us about the times we live in and the hard, heartbreaking lessons we should all be learning from the past.(Drowned In Sound)

Raw, harsh, mechanical – this is how music inspired by heavy industry typically sounds. Every Valley however is lush and symphonic, more interested in expressing the human spirit of the mining communities than aestheticising the conditions in which they toiled. There’s certainly a degree of sentimentality afoot – with all the shimmering strings and twinkling xylophones there couldn’t not be – but the overall picture of the mining years is a nuanced one, a celebratory but critical overview of a pivotal period in British history. (The Skinny)

08.11.17 München, Kranhalle
18.11.17 Berlin, Frannz Club
20.11.17 Hamburg, Knust
26.11.17 Köln, Yuca

10 Fakten zum neuen Album von Roger Waters:

Mindestens einen Augenblick auf diesem Album gibt es, in dem der Gedanke sich aufdrängt, dass der Alte jetzt komplett verrückt geworden ist. Bei den ersten Klängen von „A Bird In An Gale“ beispielsweise, wo ein technoides Bollern im Unklaren lässt, ob wir uns auf einem Gefechtsstand oder im Club befinden. Dabei zeigen diese Augenblicke nur, dass in Roger Waters (…) mit 73 noch immer jener zerquälte und zugleich zärtliche Geist waltet, der uns „Atom Heart Mother“, „Welcome To The Machine“ oder „Sheep“ geschenkt hat.Und es ist alles hier, von den exzessiven Field Recordings (hechelnde Hunde, pumpende Herzen, tickende Uhren, schreiende Möwen, Stimmen aus dem Fernseher, auch die von Donald Trump) über hypnotische Bassläufe und weibliche Chöre bis hin zu gleißenden Keyboardflächen. Allein die E-Gitarre ist weitgehend verbannt, ersetzt durch ein filmisch auftretendes Orchester aus Streichern und Bläsern. Spürbar die ordnende Hand von Produzent Nigel Godrich (Radiohead), spürbar auch der Ingrimm, mit dem Waters heiser den Zustand der Welt beklagt. Düster und versöhnlich zugleich. Pink Floyd, wie sie 2017 klingen sollten.

PVG: Volker, „Misplaced Childhood“ gehört zu deinen liebsten Platten. Wo liegt "F.E.A.R." in deiner persönlichen Bestenliste von Marillion?

Volker: Ich bin ganz ehrlich, ich habe da irgendwann den Überblick verloren. Tendenziell war mir Fish aber schon der bevorzugte Sänger. Das Debüt-Album mit Hogarth ist mir wohl aus seiner Ära das Liebste. Ich denke damit würde ich F.E.A.R. irgendwo im Mittelfeld verorten.

PVG: „Clutching At Straws“ (1987) ist das letzte Marillion Album, das ich kenne. Es sollten seitdem noch 14 weitere folgen. Irgendetwas empfehlenswertes dabei?

Volker: Wie oben erwähnt, Seasons End fand ich ziemlich gut, auch besser als Clutching At Straws. Ansonsten kämen mir wohl spontan Brave und Marbles in den Sinn.

PVG: Die letzten Platten von Marillion wurden nur möglich, weil Fans sie vorfinanziert haben. Warst du in die PledgeMusic-Kampagne zu „F.E.A.R.“ involviert? Vielleicht mit der 200 Euro teuren, signierten „Ultimate Edition Presented in a Luxury Box“?

Volker: So weit geht meine eigentlich über die Jahre eh etwas erkaltete Liebe dann doch nicht.

PVG: Andere Alben und Künstler, in die du bereits im Vorfeld Geld gesteckt hast?

Volker: Lass mal überlegen, wer mir da einfällt. The Polyphonic Spree, Tristen, Ian McCulloch waren auf jeden Fall dabei.

PVG: Zurück zu „F.E.A.R.“: 5 Songs in 66 Minuten - was ist denn da schief gelaufen?

Volker: Wie magst du keine langen Songs? Dann empfehle ich doch direkt hinterher das neue Album der Neal Morse Band. Aber du hast schon Recht, für solch lange Lieder muss man sich schon sehr anstrengen, um die Spannung hoch zu halten. Ein usm andere Mal gelingt das hier, manchmal nicht. Andererseits war Misplaced Childhood ja irgendwie auch nur 1 Track (Ok auf Vinyl 2) und funktioniert auch heute noch grandios.

PVG: Am Ende des 19-minütigen „The Leavers“ gibt es ein Gitarrensolo, dass mich an Marillion denken lässt, so wie ich sie kenne. Die Stimme von Fish hat sich aber ziemlich verändert…

Volker: Mich wundert natürlich, dass du dich an Marillion überhaupt noch erinnerst in unserem hohen Alter und nach einer totalen Abkehr von solcher Musik deinerseits vor jetzt auch schon fast drei Jahrzehnten. Für mich bleibt Fish wie gesagt das Non Plus Ultra, allein weil seine Stimme einen dermaßen hohen Wiedererkennungswert hatte. Den höre ich bei Hogarth nicht.

PVG: Was, Fish ist nicht mehr bei Marillion?!?

(Schweigen)

PVG: Nun gut, „F.E.A.R“ steht für „Fuck Everyone And Run“, eine Textzeile aus „The New Kings" - gibt es gute Gründe vor dem Album nicht davon zu laufen? Schließlich lautet ein Kommentar der Band: „Es könnte sein, dass man sich bei FEAR als einen dieser Marillion-
Meilensteine erinnert, so wie Misplaced Childhood ein Meilenstein ist oder Brave. Oder auch Marbles."

Volker: Jetzt empfehle ich oben Brave und Marbles, und nun kommst du selbst damit um die Ecke. 

PVG: Das sagt doch die Band selbst.

Volker: Misplaced Childhood war für mich ein Meilenstein, auch Script For A Jesters Tear. Diesen Status werden die neuen Werke nicht erreichen. Müssen sie aber auch nicht, das tun die wenigsten Alben dieser Tage, wenn überhaupt. Mir ist nämlich erst kürzlich wieder aufgefallen, wie viel tiefer emotional verwurzelt die Musik aus den 80ern und frühen 90ern bei mir ist. Also die Zeit, zu der alles noch neu war, jede Party ein Ereignis, jede unerwiderte Liebe ein Untergang, jedes Sitzenbleiben eines Freundes der Sommerferienkiller. Also so zwischen 13-23 Jahren. So sehr mich Musik auch heute noch begeistern kann, und so sehr ich mir ältere Musik "erarbeite", diesen Level von damals erreicht sie nicht mehr. 

PVG: Und ich dachte schon, du schließt jetzt mit „F.E.A.R.“ steht für „Fucking Epic Ageless Record“.

Volker: Nein, aber das macht sie nicht schlecht, ganz im Gegenteil. Man muss sich halt mal auf die Strukturen einlassen. Den Progressive Part werde ich euch dieser Tage aber wohl nicht mehr schmackhaft machen?!

PVG: Sigur Rós zählen da nicht? Hast du schon vom 23. - 27.03.2017 frei genommen?

Volker: Du kennst doch meinen Terminkalender, nie Zeit. Im Ernst, was ist da?

PVG: Dann findet in den CenterParcs Port Zélande in den Niederlanden eine Marillion Convention statt. Eine Marillion Convention! Sachen gibt es! Tagsüber Tretbootfahrten und Paintball mit Frau und Kindern, abends Marillion Konzerte, zwischendurch vielleicht Boule mit der Band.

Volker: Wenn es dann zur großen Wiedervereinigung aller Marillion-Teile kommt, wäre ich sofort da. Fish stand ja durchaus schon mal wieder bei einem Konzert kurz mit auf der Bühne. Allerdings macht das glaube ich seine Stimme nicht mehr mit. Those were the days.

Den ewigen 'Meiner ist am längsten'-Vergleich des Prog-Rock startet die Band mit dem Opener "El Dorado", der satte siebzehn Minuten ohne herausstechende Merkmale monoton voran robbt. Uninspiriert kleben sie dafür ein bisschen Pink Floyd ("The Gold") mit ihren abgenutzten Trademarks aneinander. Dabei vergessen Marillion, dem Song eine langsam aufkeimende Idee einzupflanzen, und bleiben beim drögen Stückwerk.
In dieser Welt, in der Minuten mehr als Kreativität zählen, setzen Marillion mit "The Leavers" noch einen drauf. Zwanzig Minuten, in denen Hogarth ohne neue Eingebung noch einmal "Montréal" vom Vorgänger aufkocht und dieses nur noch um die "The Remainers"-Perspektive ergänzt. Zwanzig austauschbare Minuten, deren Fragmenten es egal ist, in welchem Track sie unterkommen.
Zwischen all diesem substanzlosen Bombast wirken die auf das Wesentliche konzentrierten "White Paper" und das arg am Coldplay-Sound angelegte "Living In F.E.A.R." (Living In Fuck Everyone And Run?) regelrecht erlösend. Doch rechtzeitig zum ausufernden "The New Kings" packen sie die rechthaberische Kapitalismuskritik-Keule aus. Wie das Kind, mit dem niemand spielen mag, mahnt Hogarth mit erhobenen Zeigefinger. Gleich zu Beginn versucht er sich an einer misslungenen Thom Yorke-Imitation. Wie so oft stechen einzig Rotherys überschwängliche und viel zu kurz kommende Soli aus diesem Schwulst positiv heraus.
"F E A R" verfügt über die staubige Ausstrahlung einer Steuererklärung. Marillion schreiben ihre Musik nicht, sie verbuchen sie. Anstatt dabei moderne Technik zu nutzen, greifen sie weiterhin auf manuelle Kontenblätter zurück. So verkommen sie endgültig zu den Ellbogenflicken tragenden Buchhaltern des Prog-Rock.
(Laut)

 



2015 ist noch nicht lange vorbei...

Am stärksten in diese Kerbe schlägt später "27 Years". Hier kommen die verdrogten Desert-Wurzeln recht deutlich zum Vorschein. Ansonsten orientieren sich Black Book Lodge auch soundmäßig eher an modernen Prog-Releases und überschreiten die Schwelle zum Post Metal. Das macht "Entering Another Measure" auch so unglaublich schwer zu fassen. Die Schere zwischen den hier gemeinsam präsentierten Musikwelten öffnet sich eigentlich sehr weit. Doch Black Book Lodge fusionieren die Elemente wie selbstverständlich.

Das Video zu “27 years”:


Black Book Lodge auf Tour in Deutschland:

• 05.09. Düsseldorf
• 06.09. Köln
• 08.09. Berlin
• 09.09. Hamburg
• 10.09. Osnabrück
• 11.09. Weinheim
• 12.09. Dresden