B O K E H - room 42

Die erste Vorladung (VIII)

Personalien:

Die aus Neuseeland stammende und in Berlin lebende Produzentin/Musikerin/Filmschaffende Chloë Lewer steckt hinter dem Künstlernamen B O K E H.

Tathergang:

Chloë Lewer ist auch als eine Hälfte der Band Charity Children bekannt. Eine erste EP namens „Don’t Leave The Fire“ veröffentlichte sie 2017 als B O K E H während ihre Band mit Elliott McKee pausierte. Nun bringt sie ihr selbst komponiertes, eingespieltes und produziertes Debütalbum heraus. Der Albumtitel „Room 42“ nimmt Bezug auf ein Hotelzimmer, in dem die Aufnahmen während des Lockdowns 2020 begannen und den 42. Breitengrad südlicher Breite, der durch ihre Heimat läuft.

„Room 42“ kann über die Bandcamp-Seite als LP bezogen werden.

Plädoyer:

Moderner, oftmals melancholischer Elektropop mit 90ies R’N’B-Einschlag, garniert mit Saxophon-Klängen („Tell Me All The Things“, „Lavender Jeans“), reichlich Stimmerverzerrungen („Withdrawals From Your Body“, „The Longest Goodbye“) und Rap-Einlage (Lex Leosis auf „Simple Little Things“). Fehlen noch die Punkte Ballade, Duett und Coverversion. Diese werden alle im abschließenden „The End Of The World“ (im Original von Skeeter Davis) zusammen mit Bonaparte abgehakt.

Zeugen:

The album serves as a culmination of B O K E H's desire to explore themes of human warmth, sensuality, tenderness, intimacy, self-love, and liberation from self-imposed fears.

Listeners can expect a modern, cinematic, electro-indie pop sound with a nostalgic 90's twist. B O K E H skilfully blends various genres to create a unique sonic experience, with her confessional vocals ranging from soft and vulnerable to sassy and bold. Throughout the album, there is a consistent theme of romance and desire, often accompanied by a touch of inescapable melancholy.

(muzic.net.nz)

Indizien und Beweismittel:

 

Ortstermine:

Keine bekannt.

Urteile:

Nun sind die werten Richter gefragt...

Fury In The Slaughterhouse - Hope

10 Fakten zum neuen Album von Fury In The Slaughterhouse:

1. Eine Wartezeit von über 13 Jahren - wie zuletzt zwischen „Don’t Look Back“ (2008) und „Now“ (2021) - wollte die wiedervereinigte Band ihren Fans wohl doch nicht zumuten. „Hope“ erscheint heute, am 28. Juli 2023, zwei Jahre, drei Tage und 5 Monate nach seinem Vorgänger. 

2. Die Reunion von Fury In The Slaughterhouse hat sich auch in den Charts als Erfolg bewiesen: „Now“ konnte den Rekord von „Brilliant Thieves“ (1997; #3) toppen und bis auf Platz 2 der Album Charts kommen. Ob bei der Band die Hoffnung besteht, dass mit „Hope“ erstmals Platz 1 erreicht werden kann? 

3. Der Albumtitel bezieht vermutlich eher auf die Awareness- und Spendenkampagne #HoffnungVerändertAlles, mit der die Band auf ihrer laufenden Open Air Tour auf die Arbeit von insgesamt 17 verschiedene NGOs und gemeinnützige Organisationen aufmerksam macht:

 

4. Passend zu dieser Aktion ist auch der Anfang Juli veröffentlichte Song „Don’t Give Up“, der das Album auch eröffnet. Im dazugehörigen Videos werden einige der gemeinnützigen Organisationen kurz präsentiert:

 

5. „Hope“ bietet 11 Songs in 39:09 Minuten und ist als CD (Digisleeve) und LP (black Vinyl, Gatefold Cover) erhältlich. 

6. Wer schnell genug ist, ergattert vielleicht noch die Schallplatte in der limitierten Auflage auf 180g schwerem, orange marbled Vinyl.

7. Fans greifen möglicherweise zur limitierten Fanbox. Diese bietet für rund 60€ ein Box Set inklusive CD im Digisleeve, eine 7" Vinyl, ein Songbook mit den kompletten Lyrics aller Fury In The Slaughterhouse Songs in der Zeit von 1988 - 2023, einen Hope Pin und einen handsignierten Kunstdruck des Covers im Format 17,5cm x 17,5cm. 

8. Auf der open angesprochenen Vinyl Single befindet sich der Song „Good Day To Remember“, der im letzten Sommer anlässlich des 35-jährigen Bestehens der Band veröffentlicht wurde, aber nicht den Weg auf „Hope“ gefunden hat. Auf der B-Seite der Single wird sich eine nicht näher definierte „Überraschung“ befinden.

 

9. Mit „Better Times Will Come“ erschien im November 2022 ein erster Song aus „Hope“. Diesem folgte einen Monat später „So Are You“ und im April 2023 „Always Now“ und „More Than A Friend“.

 

10. Für die zahlreichen Open Air-Konzerte kann man sich mit reichlich Hope-Merchandise ausstatten: Hoodie, T-Shirt (in drei Farben), Cap (in zwei Farben), Strohut, Gymbag, Sonnenbrille, Festivalarmband und Feuerzeug. Das sind die noch anstehenden Konzerttermine: 

28.07.23 Gelsenkirchen, Amphitheater (ausverkauft)

29.07.23 St. Goarshausen, Loreley (mit Thees Uhlmann)

10.08.23 Dresden, Junge Garde

11.08.23 Erfurt, Central Park

12.08.23 Berlin, Zitadelle Spandau (mit Thees Uhlmann)

18.08.23 Braunschweig, BraWo Bühne

19.08.23 Hannover, Gilde Park Bühne (ausverkauft)

26.08.23 Lübeck, Kulturwerft Gollan

01.09.23 Losheim am See, Strandbad Open Air

02.09.23 Gießen, Kultursommer

09.09.23 Stuttgart, Freilichtbühne Killesberg

10.09.23 Köln, Tanzbrunnen

 

"Don't give up when the sea gets rough", rät der Opener im Refrain, der standesgemäß die Welt umarmt. Doch verlieren sich gerade die Songs der ersten Hälfte häufig in Plattitüden und gut gemeinten, aber weniger gut geschriebenen Auf-die-Beine-Helfern. Man fühlt sich ob der positiven Anpackmentalität fast ein bisschen schlecht als Kritiker, aber den Text von "Better times will come" haben Fury In The Slaughterhouse halt schon gefühlt zehnmal besser umgesetzt und bei der musikalischen Begleitung sieht's kaum anders aus. Tiefpunkt ist die Sentimentalität von "So are you", das die Feuerzeuge Handylichter mit schierem Willen aus der Tasche zieht. Das Englisch schwankt zwischen "geht so" und "I become a cheeseburger, please", wenn Kai Wingenfelder mit Inbrunst "Every mother loves the silence in opposition to the violence" intoniert. (…)

Zwar ist das Ende von "Hope" deutlich besser als der Anfang, weil die Band wieder mehr Spannung und Düsternis reinbringt. Aber auch hier gilt es, das belanglose Tralala von "Why worry" zu überstehen. Das entspannte schwelgende "Island in the sun" und der Drummachine-Nebel "Ghost in the city" gehen als zumeist zurückhaltende Stücke aber völlig klar, auch sich wenn letzteres leider den Weg zum viel zu offensichtlichen Chorus nicht verkneift. Die schönste Überraschung ist aber der durchgeknallte Hidden Track "Who am I?", der den launigen Irish-Pub-Schunkelsong "Far cry from home" noch einmal rücklings in den Hintern tritt. 

(Plattentests)

Jim Bob - Thanks For Reaching Out

Kaum zu glauben, dass es schon 30 Jahre her sein soll, dass uns Carter The Unstoppable Sex Machine im Jahresrhythmus vier tolle Alben präsentierten. Nun versucht Jim Bob (ohne Fruitbat) diesen Lauf zu wiederholen, auch wenn die Chancen noch einmal Platz 1 der britischen Album Charts zu erreichen („1992 - The Love Album“) gegen Null tendieren. 

2020 überraschte er uns mit „Pop Up Jim Bob“ und erreichte prompt Platz 26 im Vereinigten Königreich sowie Rang 10 bei Platten vor Gericht, im folgenden Jahr schloss sich „Who Do We Hate Today“ an (UK Platz 34 und PVG Platz 54). 2022 wurde mit der Compilation „The Essential Jim Bob“ überbrückt, und jetzt legt er nach und wiederholt sein Erfolgsrezept: Cherry Red Records bietet „Thanks For Reaching Out“ als CD (incl. ’This is My Mixtape’, a collection of cover versions recorded especially for the album), Kassette und LP (pressed in solid purple in a gatefold sleeve with a 2024 calendar) mit unterschiedlichen Covern des Künstlers Mark Reynolds an.

Jim Bob präsentiert sich in den 12 Songs textlich gewohnt kritisch-humorvoll-sarkastisch, wenn er sich mit Putin („The Day of Reckoning“), Bezos/Branson („Billionaire in Space“) oder den Taliban auseinandersetzt („This is End Times“), und musikalisch erneut in Carter USM-Form („We Need To Try Harder (We Need To Do Better)“), mit Glam Rock-Ausflügen („goesaroundcomesaround“), als 110-sekündigen Punkrock-Ausbruch („Toxic Man“) oder als Rockabilly („Sebastian’s Gone On A Ridealong“). 

 

Mit Platz 96 in den UK Album Charts konnte der Erfolg nicht ganz wiederholt werden (vermutlich haben zu wenige das Video oben gesehen) - und bei Platten vor Gericht? 

 

The album kicks off with its title track, previously released as a single, which offers a feeling of hope and romance in an “effed up world”. With its Jam/Strange Town vibe and Terry Edwards (Madness, Higsons, Gallon Drunk, Holy Holy) on saxophone and trumpet, it’s a great opener and declares, “This is my Long and Winding Road, my God Only Knows, my Up the Junction, typed up on a bus and sent from my iPhone”.

The other single from the album, the jaunty Sebastian’s Gone on a Ridealong, caused some controversy on social media with its depiction of Jacob Rees Mogg. It’s a fun track and the lyrics were ‘inspired’ by Boris Johnson’s (now hopefully redundant) habit of riding around with the emergency services in order to get a photo opportunity. (…)

The album’s last full track Prince of Wales is a melancholy pub ballad and features the great lyric, “Crying over spilt milk isn’t worth it. You only end up with spilt salty milk.”. The lyrics retain enough puns to annoy former NME and Melody Maker journalists, something that can only be a good thing.

(We Are Cult)

 

From humble beginnings, opening (and title) track ‘Thanks For Reaching Out’ soon bursts into life like blossom in spring, and with a muscular riff, elbows its way straight to your memory bank. It’s the musical equivalent of Bonfire Night with flames licking the sky and rockets exploding overhead, and such is its all-encompassing effervescence that you wonder how anything could follow. A punky blast is how, angular and spiky guitars are married to call-to-arms vocals (always a good combination) and the resultant sound sweeps the listener along on upon a boisterous beat powered by razor-sharp riffs and a Mick Jones wail. Yet, Jim Bob knows when to apply the brakes, and the change of pace during ‘Sebastian’s Gone On A Ridealong’ is fairly arresting, and finds fun suddenly turning into disaster (as it so often does).

(The Midlands Rocks)

 

Like Baxter Dury, Mr Morrison has his own formula he’s been using over the last three albums and it works a treat. He knows how to pen an song and he nails the sound to his lyrics every time in his own inimitable way. Opener, Thanks For Reaching Out is a joy to listen to from the opening vocals to the fanfares of trumpets and backing chorus shouts. A love song with a heart. The Day Of Reckoning is a glam punk dark stomper on the subject of God keeping an audit on Putin. “They’ll be spreadsheets of your crimes, dating back to the first time, death and murder crossed your mind and made you smile” I take it he won’t be visiting Russia any time soon then…

Bernadette (Hasn’t Found Anyone Yet) harks back to Blur’s Modern Life Is Rubbish era and has a 70’s Kinks vibe flowing throughout. (…)

Jim Bob has done good with his band of Hoodrats complimenting his vocals  with an array of quality musicians. A cracking end to a great trilogy of artwork by Mark Reynolds, clever lyricism and infectious tunes that will keep you entertained throughout the summer. There’s life in the old sex machine yet!

(Louder Than War)

10 Schallplatten, die uns gut durch den August bringen

10. Supergrass - Life On Other Planets (2023 Remaster, White Vinyl & Green/Black 10") (25.8.2023)

9. Talking Heads - Stop Making Sense (Limited Deluxe Edition, 2 LPs) (18.8.2023)

8. Grouplove - I Want It All Right Now (LP) (4.8.2023)

7. Liam Gallagher - Knebworth 22 (Sun Yellow Vinyl, 2 LPs) (11.8.2023)

6. Miles Kane - One Man Band (Transparent Yellow Vinyl) (4.8.2023)

5. The View - Exorcism Of Youth (Red Colored Vinyl) (11.8.2023)

4. Wolf & Moon - To Get Lost (LP) (11.8.2023)

3. The Smashing Pumpkins - Siamese Dreams (2 LPs, remastered, 180g) (18.8.2023)

2. The Smashing Pumpkins - Mellon Collie And The Infinite Sadness (4 LPs, remastered, 180g, Limited Edition) (18.8.2023)

1. Mull Historical Society - In My Mind There's A Room (LP) (18.8.2023)

The Lilac Time - Dance Till All The Stars Come Down

„The Band That Nobody Knew“ heißt der abschließende Song auf dem neuen Album von The Lilac Time und irgendwie hat die Band um Stephen Duffy damit Recht, denn keine ihrer elf Platten konnte sich in den offiziellen UK Album Charts platzieren!

Auch das schwermütige und getragene „Dance Till All The Stars Come Down“ dürfte nicht für eine Premiere sorgen, denn einerseits wird das Album (als CD und LP) nur über das eigene kleine Label Poetica veröffentlicht und andererseits konzentrieren sich die Duffy Brüder (zu denen sich Stephens Frau Claire und Ben Peeler gesellen) nahezu komplett auf Gesang, Banjo, akustische sowie Pedal Steel Gitarren, lassen Schlagzeug und Bass außen vor und gehen vom Folk noch einmal einen deutlichen Schritt in Richtung Country. Auf „A Makeshift Raft“ versucht sich Stephen Duffy sogar im Jodeln!

 

Opener "Your Vermillion Cliffs" wraps rhymed credos like "It's not what happens to you/It's how you react" in a striding campfire folk before the more wistful "The Long Way" reflects on decades past, when things looked like they were getting better only to eventually reverse course again ("This may be as good as it gets/And don’t waste time having regrets"). That song closes its eventually harmonized verses by stressing the importance of finding your people. Along with album contributor Ben Peeler, the Duffys pick up the tempo for jauntier reminiscence "Candy Cigarette" ("Nothing sweet is free") and cautionary waltz "Adiós and Goodnight" ("We all need to sing in times of such sorrow"), but most of the songs here embrace a reflective midtempo as lyrics seek -- and usually find -- a positive outlook. With its layered guitars, lap steel, and plucked banjo, an exception may be the closer, "The Band That Nobody Knew," a melancholy meditation on the unreliability of memory, individually and especially culturally. On the whole, Dance Till All the Stars Come Down's elegant and poignant protest makes for a strong and timely inaugural outing for the Lilac Time's own Poetica label.

(All Music)

Andrew Bird - Outside Problems

Passend zum Künstler und dem Albumtitel beginnt „Outside Problems“ mit Vogelgesang, doch danach gibt es kein weiteres Gezwitscher, weder von Bird noch von anderen Vögelchen. 

Die acht Songs sind instrumental gehalten und zeigen das Konzept, welches Andrew Bird bereits gern auf dem Vorgänger umgesetzt hätte, nämlich mit Geige (oder anderen Saiten-Instrumenten), Verstärker und Loop-Station ins Freie zu gehen, um dort stundenlang zu spielen und die freien Improvisationen direkt aufzunehmen. Nun bekommen wir das musikalische Rückrat von dem im letzten Jahr veröffentlichten „Inside Problems“ zu hören, zu welchem der Multi-Instrumentalist abends auf dem Sofa zur Gitarre noch Texte ersann und die Songs später mit kompletter Band einspielte.

Dem Einwand „Gesang hin oder her, aber ein Andrew Bird Album ohne Pfeifen kann kein richtiges Andrew Bird Album sein!“ kommt der Künstler zuvor und tiriliert am Ende bei „Mo Teef“ doch noch. 

„Outside Problems“ ist als CD und LP (black Vinyl) erhältlich.

 

Listeners can challenge themselves to see how many parallels they can spot between the two albums while experiencing the magic that is the musical improvisation in “Outside Problems.”

Many of the tracks feature a fairly simple-sounding formula that starts with a minimalistic violin-plucking pattern. After a couple of rounds, Bird builds on the theme, layering complementing plucking patterns or putting his bow to the string. “Mancey” and “What We Saw” are perfect examples.

Musical improvisation can be a tricky art form, but Bird makes it sound easy, making this album a real treat.

(ABC News)

Meursault - Meursault

Französischer Wein, ein Roman von Albert Camus, eine schottische Band.

Meistens muss man ein wenig scrollen, um bei der Internetrecherche auf die Indie-Rock-Band aus Edinburgh zu stoßen, die vor einigen Tagen mit dem selbst betitelten „Meursault“ ihr sechstes Studioalbum veröffwentlicht hat.

Eigentlich müsste man eher von einem Kollektiv sprechen, denn der Songwriter Neil Scott Pennycook (Gesang, Piano, Gitarre, Samples, Synthesizer) hält, bei wechselndem Lineup, die Zügel fest in seinen Händen.

Beim aktuellen Album wirkten Drew Boyd (Gitarre, Geige, Madoline), Robyn Dawson (Geige, Gesang), Calum MacLeod (Gitarre, Bass, Gesang), Fionnbarr Byrne (Synthesizer, Geige, Gitarre, Gesang), Emma Capponi (Flöte, Gesang), Reuben Taylor (Orgel) und Graeme Young (Schlagzeug) mit. 

Pennycook entwarf die Geschichte der Figuren „Meursault“ und „Sarah“, die in einer postapokalyptische Welt von Europa nach Amerika aufbrechen, verabschiedete sich dann aber von der Idee eines reinen Konzeptalbums, um auch Persönliches einfließen zu lassen oder über sein musikalisches Projekt Meursault zu reflektieren. 

Die acht Songs haben mächtigen, opulenten, energetischen Indierock („Making The Most Of The Raw Materials Of Futility“), vom Piano („Erik“)  oder Saiten-Instrumenten getragenen, balladesken Folkrock („Teacher, Was I Wrong To Burn“) und gitarrigen Post-Rock („Rats In The Corn“) zu bieten und sind digital oder als black Vinyl zu haben. Das sind aktuell meine drei Favoriten:

 

Making the Most of the Raw Materials of Futility is a relentless thrill-ride, its tense verses propelled towards euphoric choruses by gloriously chaotic synths that sound like Pac-Man on steroids, while Teacher, Was I Wrong To Burn is disarmingly specific as it delves into Pennycook’s personal life. The beautiful, weighty closing track is true to life in the way it elects not to tie things up neatly by its conclusion, and is all the more moving and relatable as a result. Few things are sugar-coated in Meursault songs. Instead, we face reality head on, bolstered by Pennycook’s empathy, passion and conviction: 'And if it seems like a lot / This is God’s work, Son’.

(The Skinny)

 

‘Rats In The Corn’ has harmonica-infused folksiness, while being arch and blunt in details that would make Cormac McCarthy (RIP) smile. Its six minutes conclude in a teetering breakdown that Meursault often cook up live but haven’t always been able to replicate on record. ‘Another, Again’ completely reimagines the song ‘Another’ (from 2010’s ‘All Creatures Will Make Merry’) to the point that it may as well be a new song – the lo-fi woodwinds manage to evoke a Prohibition-era speakeasy.

‘Making the Most of the Raw Materials of Futility’ is the seeming centrepiece, pulsing with synths and pounding drums that hit hard after a couple songs of fairly wispy piano. It’s this album’s ‘Dull Spark’, ‘A Few Kind Words’ or ‘Crank Resolutions’. The fast-paced jolt of energy that’s sure to be memorable live. ‘WOLF!!!’ is a bit of a comedown, not undeserved after this, but it’s just preparing the turf for the real pièce de résistance of the album, the album’s final song: ‘Teacher, Was I Wrong To Burn’.

(Is This Music?)

 

And what songs they are! It’s a deeply personal work – a sense in which you feel that questioning too deeply would open too many wounds and confront too many ghosts. Certain phrases leap out at you – in ‘WOLF!!’ (sic), the idea that unlike the boy from Aesop’s fable ‘When I cried wolf, there was a wolf every time.’ The mantra of ‘Meursault’ (the track) ‘If you’ve nothing nice to say, try singing it to me.’ Perhaps strongest of all are the album’s opener ‘Rats In The Corn’ which serves as the last voice on the BBC before everything went dark, or the closing ‘Teacher, Was I Wrong To Burn’ with its themes of suicide, which leave the listener feeling that they have been caught reading someone’s personal diaries, and left with too many questions that they dare not ask.

Yet it may surprise you that it’s not a bleak record because its beauty transcends it all. Amazingly, he’s done it again. Now let us hope that the majority of the record-buying public catch up. Me? I’ll be in a corner somewhere. I’m not crying, you’re crying…

(God Is In The TV)

Blur - The Ballad Of Darren

10 Fakten zum neuen Album von Blur:

1. Dafür, dass die Fans von Blur auf den Nachfolger von „The Magic Whip“ insgesamt 8 Jahre, 2 Monate und 24 Tage warten mussten, wurden sie dieses Jahr mit Alben von Graham Coxon (The Waeve), Damon Albarn (Gorillaz) und erstmals Dave Rowntree entschädigt.

2. Als Produzent arbeitete James Ford bereits mit Damon Albarn (auf „The Now Now“ von Gorillaz) und Graham Coxon („The Waeve“) zusammen, so dass die Wahl für den Nachfolger von Stephen Street, der zuletzt „The Magic Whip“ und insgesamt sechs der acht Blur Alben produziert hatte, nicht überraschend kam. Die Aufnahmen fanden von Januar bis Mai 2023 in Albarns Studio 13 in  London und in Devon statt.

3. Damon Albarn hatte zuvor Demoversionen von 24 Songs aufgenommen. Auf „The Ballad Of Darren“ schafften es davon lediglich 10, so dass das Album mit einer Laufzeit von 36:03 Minuten das kürzeste in der Karriere von Blur ist, die bisher immer mehr als 50 Minuten neue Musik geboten hatten.

4. Jedoch existieren insgesamt drei Bonus Tracks: „The Rabbi“ und „The Swan“ auf der Deluxe CD und „Sticks And Stones“ als Zugabe in Japan.

5. Damit wären wir bereits bei den weiteren physischen Tonträgern von „The Ballad Of Darren“ angelangt: Es gibt das Album auch als Kassette und Schallplatte auf black Vinyl, clear Vinyl, red Vinyl und ocean blue Vinyl zu kaufen. Darüber hinaus gibt es diese limitierte LP im Store von Blur: limited edition clear and black deluxe marbled vinyl, 7" black vinyl featuring two bonus tracks and deluxe cd, housed in a gatefold outer sleeve, includes an exclusive poster and a 12 page booklet.

6. Nicht zu vergessen ist die ausverkaufte, auf 10 000 Exemplare limitierte Aflage von Blood Records: exclusively pressed to animated zoetrope picture disc.

7. Das Plattencover ziert ein Foto des britischen Fotografen Martin Parr, welches er 2004 im Gourock Outdoor Pool in Gourock, Schottland aufgenommen hat.

8. Der Albumtitel ist eine Referenz an Darren "Smoggy" Evans, einen früheren Bodyguard von Blur, der aktuell für Damon Albarn arbeitet. Zunächst sollte ein Bild von ihm die Plattenhülle zieren, jedoch wurde es, da Darren Evans nicht diese Art von Aufmerksamkeit will, auf die Innenhülle verschoben. 

 

9. Mit „The Narcissist“ und „St. Charles Square“ veröffentlichten Blur zuvor zwei Singles, welche auch, als bisher einzige neue Songs, bei den bisherigen Konzerten dargeboten wurden. 13 Auftritte hatten Blur dieses Jahr schon in Europa, 13 weitere werden folgen - keines in Deutschland.

 

10. Da Blur in den letzten 25 Jahren nur vier Alben veröffentlicht haben, beschränken sich die gesammelten Bewertungnen bei Metacritic auf diese: „13“ (1999; 79/100 Punkten), „Think Tank“ (2003; 83/100), „The Magic Whip“ (2015; 81/100) und „The Ballad Of Darren“ als neuer Sopitzenreiter mit aktuell 85/100.

Blistering first single ‘The Narcissist’ is a striking reflection on the effects of fame with a near-perfect hook. Coxon’s spacious playing continues on ‘Avalon’, sitting naturally alongside some slight but euphoric piano refrains from Albarn. Closer ‘The Heights’ appears to nod to the faithful, treasuring the connection that exists between band and audience. Tense, manic strings chop away at the languid celebration, presaging a gathering storm of noise that reaches its peak only to be plunged abruptly into silence. No neat resolutions here, folks. Onwards.

(Clash Music)

At the risk of being too on the nose, The Ballad Of Darren leans hard into the ‘ballad’ of the album’s title. It’s reasonably consistent for Blur’s albums to have a cohesive sound to them, and in this case it’s a gentler approach, an almost-pop record with strong choruses but more ambling verses. There’s a 70s alt-pop feeling similar to Lou Reed or John Cale’s solo work, especially in the string arrangements on ‘The Ballad’, the verses on ‘Avalon’, and ‘Russian Strings’. (…)

The overarching sentiment is melancholia, self-reflection as a reckoning, a tallying up of shifting priorities and personal losses along the way.

The peak of this is ‘The Narcissist’, a perhaps harsh self-assessment of the thrill of performing and ultimately an ode to what keeps pulling Blur back together. If their late 90s records were marked by the fallout of Britpop and the fallout of relationships, The Ballad Of Darren is marked by this existential contemplation — not quite a breakup or a crisis, but the weight of the changes through the years. It’s a statement of where Blur are now.

(The Quietus)

The Pigeon Detectives - TV Show

Man könnte, mit Blick auf den Albumtitel, wohl sagen, dass die Einschaltquoten der Pigeon detectives von Staffel zu Staffel rapide gesunken sind. Während sich die ersten beiden Alben („Wait For Me“, 2007, und „Emergency“, 2008) des Quintetts noch hoch in den englischen Hitlisten platzierten (#3 bzw. #5), konnten „Up, Guards And At ’em!“ (2011; #30) und „We Met At Sea“ (2013; #41) nicht an die Erfolge anknüpfen und sich jeweils nur eine Woche in den Charts halten. Zuletzt verfehlte „Broken Glances“ (2017) die Top 100 gänzlich.

Sechs Jahre sind seit dieser Enttäuschung vergangen, aber The Pigeon Detectives legen mit „Falling To Pieces“, dem Opener ihres sechsten Albums los, als sei es 2007 und energetischer Indierock der heiße Scheiß. „Lovers Come And Lovers Go“, „I Can’t Stop“ und „Purple Skies“ schlagen später in die gleiche Kerbe. „Summer Girl“, das nächste von insgesamt nur 9 Liedern, setzt auf einen elektronischen Beat und eine eingängige Melodie, so dass alle Fans von The Wombats verzückt sein müssten. Möglicherweise schlägt sich hier die Handschrift des Produzenten Richard Turvey nieder, der zuvor u.a. Blossoms oder The Courteeners betreute.

 „TV Show“ läuft insgesamt keine halbe Stunde (und genau so schnell dürften die meisten Songs auch schon wieder vergessen sein), ist aber (neben black Vinyl) in fünf unterschiedlichen limitierten LP-Varianten erhältlich:

1.  Red Vinyl

2. Green Marbled Vinyl

3. White and Black Marbled Vinyl

4. Red with Black Splatter Vinyl 

5. Blue, Yellow and White Splatter Vinyl 

 

There’s not a shred of ingenuity that’s gone into TV Show, let alone anything different from any past iteration of this band. The guitars and bass are expectedly fast-paced and jumpy on Falling To Pieces and Lovers Come And Lovers Go, in a way that feels dated without explicitly being weighed down by it. Meanwhile, the way the electronic elements and production are added into Summer Girl and the title track portend some form of modernity without accomplishing too much in that sense. It’s the weird sensation that TV Show gives off—an album that could theoretically exist in the modern indie landscape, but lacks any sort of spark or fully-formed concession to energy that could make that convincing. As much as The Pigeon Detectives want to sound like gung-ho indie lads once again, you can’t escape how rote and workmanlike their efforts sound.

(The Soundboard)

`Lovers Come And Lovers Go` is a rock out that harks back to the breezy earworms that the band became celebrated for. Although retaining a fast pace `The Warning` is a more reflective observational offering.

Again `Dreaming Of A Song` is a fairly introspective composition that evolves slowly, rolls along and kind of sucks you in. There was an interesting passage midway with an understated guitar solo and complementing drum rim rhythm that gave the track a further poignant appeal. There`s almost an urgency to share `I Can`t Stop` a driving rock out with vocals that have a delightful inflection at times. It does take a brief time out around the two thirds mark before resuming its melodic journey.

Title track `TV Show` isn`t a ballad but a slower shimmering contemplative reverie that may well be an analogy of the band itself. There`s a recurring guitar riff that introduces us and guides us through `Hard To Love` which may be a lyrical echo of life on the road.

(Maximum Volume Music)

 

Jenny Lewis - Joy’All

Die Freude am fünften Soloalbum von Jenny Lewis hielt sich wohl bei allen in Grenzen. Während die bei Metacritic gesammelten Plattenkritiker noch auf einen Metascore von 79/100 Punkten kommen, ließen Käufer und Hörer die Sängerin von Rilo Kiley ziemlich im Stich und sorgten für enttäuschende Chartplatzierungen: „Joy’All“ erreichte lediglich Platz 147 in den USA und verfehlte die Charts im Vereinigten Königreich komplett.  

Dabei mangelte es nicht an unterschiedlichen Tonträgern (CD, Kassette und mehreren LP-Versionen (black Vinyl, green Vinyl, red/green Splatter on yellow Vinyl), einem renommierten und vielfach ausgezeichneten Produzenten (Dave Cobb, der auch schon häufig für Jason Isbell and The 400 Unit, Brandi Carlile oder Chris Stapleton arbeitete) oder einer Extraportion Aufmerksamkeit, die das Video zu „Puppy And A Truck“ durch einen Gastauftritt von Harry Styles erhielt:

 

Aber vielleicht liegt es an der musikalischen Ausreichtung des Albums, denn - wie sich bei der Wahl des Produzenten schon erahnen ließ - Jenny Lewis bewegt sich auf dem in Nashville aufgenommenen „Joy’All“ einen deutlichen Schritt in Richtung Americana, 70ies Westcoast-Pop und Country.

Zumindest einem Plattenrichter dürfte „Joy’All“ also Freude bereiten…   

The songs “Psychos”, “Apples and Oranges”, “Essence of Life”, “Cherry Baby” and “Chain of Tears” work the best. They are mostly slower songs, which hold a more satisfying balance of joy and melancholy. Based on her distinctive acoustic guitar, they are able to manoeuvre wordy lyrics while still being melody driven. The common denominator being that they’re the most reminiscent of the old sound. Joy'All ends up being a bit of everything and never establishing a clear enough character. The injection of joy is refreshing yet contrived, and all the simultaneous changes seem too big of an undertaking for her collaborators, who are not able to cultivate her sound.

(The Line Of Best Fit)

  

‘Puppy And A Truck’ is a wonderful, carefree blast of storytelling, the innocence of the delivery hiding the sting in the tail: “I was infatuated with an older man / And then I dated a psychopath…” ‘Apples And Oranges’ drops the tempo a little, before easing into the bucolic sunset songwriting of ‘Essence Of Life’. Heartbroken and yearning, it’s a real highlight.

‘Giddy Up’ pivots back towards pop, and truly few do it better. If ‘Cherry Baby’ wonders why “life’s a mystery” then ‘Love Feel’ has the answers, with Jenny Lewis certain in her emotions. An album that is succinct yet also broad in its scope, ‘Joy’All’ closes on a classic feel – the countrified strum of ‘Chain Of Tears’ could easily find its place on Neil Young’s ‘Harvest’ for example.

Her first since 2019’s ‘On The Line’, ‘Joy’All’ finds Jenny Lewis chasing her instincts, working with light and energy. On the closer, she warns “if it ain’t right it’s wrong…” – on ‘Joy’All’ everything feel’s right.

(Clash Music)

Julie Byrne - The Greater Wings

Die erste Vorladung (VII)

Personalien:

Julie Byrne ist eine US-amerikanische Singer/Songwriterin, die ursprünglich aus Buffalo im Bundesstaat New York stammt.

Tathergang:

Als Autodidaktin hat sich Byrne das Gitarrespielen nach dem Vorbild ihres Vaters beigebracht. Nach zwei frühen EPs, deren Veröffentlichung mittlerweile mehr als ein Jahrzenhnt zurück liegen, erschienen die beiden Alben „Rooms With Walls And Windows“ (2014) und „Not Even Happiness“ (2017).

Die Aufnahmen von „The Greater Wings“, das über einen längeren Zeitraum hinweg zwischen Chicago, New York und Los Angeles geschrieben wurde, begannen noch mit ihrem langjährigen kreativen Partner Eric Littmann, der jedoch im Alter von 31 Jahren im Juni 2021 verstarb. Fertiggestellt wurde das Album mit dem Produzenten Alex Somers (Sigur Rós, Jónsi, Of Monsters And Men, Damien Rice, Gordi, Sin Fang).  

„The Greater Wings“ ist als CD und LP (black Vinyl, sky blue Vinyl, blood moon coloured Vinyl) seit dem 7. Juli erhältlich.

Plädoyer:

Von Trauer und Liebe geprägter warmer, verträumter Folk zu akustischer Gitarrer und klarer, tiefer Singstimme. Dazu ein wenig Piano („Moonless“), Synthesizer („Summer Glass“, „Conversation Is A Flowstate“), Harfe („Summer’s End“) oder Streicher („The Greater Wings“). 

Zeugen:

Man mag auf den zehn Stücken musikalische Referenzpunkte abhaken, schließlich grüßen Künstlerinnen wie Sharon Van Etten, Angel Olsen oder Sophie Hunger applaudierend vom Wegesrand. Man muss aber auch festhalten: Julie Byrne hat ihren eigenen Ton gefunden und mit dem dritten Album den unwiderstehlichen Höhepunkt ihres bisherigen Schaffens eingespielt. 

(Plattentests)

Bei Metacritic steht „The Greater Wings“ aktuell bei 91/100 Punkten.

Indizien und Beweismittel:

 

Ortstermine:

Aktuell keine auf dem europäischen Festland geplant.

Urteile:

Nun sind die werten Richter gefragt...

Grouplove - I Want It All Right Now

Einmal tief in den energetischen Indierock der 90er Jahre eintauchen und bei den Pixies genau hinhören („Wall“, „Cheese“, „Malachi“): hier ein wenig schrilles Gebrüll, dort den männlichen und weiblichen Gesang verschmelzen, dazu Mitsing-Melodien im Stadionformat und immer wieder auf Leise-Laut-Dynamiken setzen. 

Fertig ist das sechste Album von Grouplove, die mit neuem Label (Glassnote Records) und renommierten Produzenten (John Congleton (Death Cab For Cutie, St. Vincent, The Decemberists, Regina Spektor)) an die Erfolge ihrer frühen Alben anknüpfen möchten. Eingängige Popsongs zu dominierenden Keyboard-Klängen und elektronischen Beats sollen dieses Unterfangen offensichtlich begünstigen („Climb“, „Francine“), trüben jedoch den eingangs erwähnten Ansatz. 

Für den Gesang und das Songwriting sorgen bei Grouplove Hannah Hooper (Gesang, Keyboards) und Christian Zucconi (Gesang, Gitarre), die miteinander verheiratet sind und aufgrund der Schwierigkeiten ihrer Tochter mit der Sinnesverarbeitung ihren textlichen Schwerpunkt neu justierten. Das Quintett wird von Ben Homola (Drums), Daniel Gleason (Bass) und Andrew Wessen (Gitarre) vervollständigt.  

„I Want It All Right Now“ ist seit Anfang Juli als LP auf black Vinyl und in limitierter Auflage als pink/black Swirl Vinyl erhältlich.

Immerhin ist der Sound super: Produzent John Congleton hat beim glasklaren Klavier, dem groovy Bass und den fetten Gitarren ganze Arbeit geleistet. Wenn der Band jetzt noch einfallen würde, wie sie die hohe Produktionsqualität mit ebenso interessanten Ideen füllen würde! So bleibt es – bis auf „Climb“, das mit treibendem Schlagzeug, wabernden Synthesizer-Linien und Hannah Hoopers aggressivem Gesang überzeugt – bei viel Glanz und wenig Substanz.

(musikexpress)

 

„All“ regt sich künstlich über Sozialneid auf. Der Sound ist auf Arcade Fire und The War On Drugs getrimmt. Anderswo glaubt man sich in einem Gewimmel aus Festival-Klangschwaden zwischen Tame Impala, Pixies und MGMT. Immerhin die süße Verzweiflungstat „Tryin’“ und das entspannt groovende „Francine“ wissen zu gefallen. Doch Grouplove fehlt eindeutig eine eigene Handschrift.

(Rolling Stone)

Anohni And The Johnsons - My Back Was A Bridge For You To Cross

10 Fakten zum neuen Album von Anohni And The Johnsons:

1. Von 1995 bis 2015 bestand die Band Antony And The Johnsons, die in diesem Zeitraum vier Alben veröffentlichte. Seit 2015 nennt sich Antony Hegarty Anohni und produziert seitdem Musik unter diesem Namen. 2016 veröffentlichte sie das Album „Hopelessness“. Im Mai 2023 verkündete Anohni die Wiedervereinigung unter dem Namen Anohni And The Johnsons, der nun das Album „My Back Was A Bridge For You To Cross“ folgt.

2. Reichlich Personalwechsel bei The Johnsons seit 2015: Lediglich Doug Wieselman (Klarinette, Saxophon) und Rob Moose (Gitarre, Geige) blieben, während sechs Mitglieder die Band verlassen haben und durch Jimmy Hogarth (Gitarre), Leo Abrahams (Gitarre, Piano), Chris Vatalaro (Schlagzeug) und Sam Dixon (Bass) ersetzt wurden. 

3. Jimmy Hogarth, der übrigens mit Sarah Nixey (Black Box recorder) verheiratet ist, produzierte das Album und fungierte bereits bei Amy Winehouse, Duffy, Sia, James Blunt oder James Morrisson als Produzent oder Songwriter.

4. Auf dem Plattencover von „My Back Was A Bridge For You To Cross“ sieht man Marsha P. Johnson, auch bekannt als Malcolm Michaels Jr., ein amerikanischer Aktivist der Schwulenbewegung und eine selbsternannte Drag Queen, die 1992 im Alter von 46 Jahren verstarb.

 

5. Das Video zur ersten Single „It Must Change“, die am 16. Mai 2023 veröffentlicht wurde, stammt von den englischen Filmmachern Iain Forsyth & Jane Pollard, die auch schon Videos für Nick Cave And The Bad Seeds, Tindersticks oder the Veils drehten. Im Clip steht das Model Munroe Bergdorf im Mittelpunkt. 

6. „It Must Change“ ist als 7’’ Single auf blauem Vinyl und mit der B-Seite „Her Sovereignty“ käuflich zu erwerben.

 

7. Mit „Silver Of Ice“ folgte am 13. Juni die zweite Single, die es in einer limitierten Auflage von 200 Stück auch auf 7’’ Vinyl (mit der B-Seite „Without Me“) zu kaufen gab. Der Text wurde von einem Gespräch inspiriert, das Anohni mit Lou Reed wenige Wochen vor dessen Tod im Jahr 2013 führte. Der Text wurde direkt aus seinen Worten über einen Eiswürfel in seinem Mund und seine Erkenntnis über die Schönheit von kaltem Wasser abgeleitet.

 

8. „Why Am I Alive Now?“ wurde am 5. Juli, zwei Tage vor dem Album, veröffentlicht. Das Video stammt von Hunter Schafer, ein US-amerikanisches Model, Schauspielerin und LGBTQIA*-Aktivistin, und hat Fashion, Davia Spain & Massima Bell in den Hauptrollen. 

9. „My Back Was A Bridge For You To Cross“ bietet insgesamt 10 Songs in 41:19 Minuten und ist als CD und LP über Secretly Canadian erschienen. Die Schallplatte gibt es auf black Vinyl, white Vinyl und yellow Vinyl.

10. Bis auf das Debütalbum sind alle Alben von Antony Hegarty/Anohni bei Metacritic gelistet: „I Am A Bird Now“ (2005; 88/100 Punkten), „The Crying Light“ (2009; 80/100), „Swanlights“ (2010; 79/100) und „Hopelessness“ (2016; 83/100). „My Back Was A Bridge For You To Cross“ staht aktuell bei 86/100 Punkten.

Auf »My Back Was a Bridge for You to Cross« dominieren nun jedoch die zumeist sanften Gitarrenklänge von Produzent Jimmy Hogarth (…).

Zusammen mit der reaktivierten Band The Johnsons gelangen Anohni einige sinnliche, an Paul Weller erinnernde Northern-Soul-Nummern, darunter »Can’t«, das sich mit trauriger Vehemenz gegen den Tod eines geliebten Freundes stemmt. Die behutsam swingende Ballade »Sliver of Ice« wurde von einer Geschichte inspiriert, die ihr Lou Reed kurz vor seinem Tod erzählt habe (…).

Zorn über die Verhältnisse bricht sich auch noch Bahn, aber wohldosiert und eingehegt in Wohlklang, etwa in »Go Ahead« über das selbstzerstörerische Verhalten eines Freundes oder Haters, in dem Anohni herausfordernd über verzerrtes Gitarrengeheul singt: »You are an addict, / go ahead, hate yourself, / I can’t stop you«. Doch die Frust-Eruption mündet in harmonischeren Ausklängen.

In »Scapegoat«, dem elegischen Mittelstück des Albums, findet Anohni schließlich im auf- und abwogenden Sirenenklang der Gitarren einen »Purple Rain«-Moment.

(Spiegel)

Blondshell - Blondshell

„The best albums of 2023… so far!“ - Nach den ersten sechs Monaten des Jahres zog der NME vor einigen Tagen eine erste Zwischenbilanz und positionierte in seiner Liste zwischen Depeche Mode, Boygenius, The National, Jen Cloher und Lana Del Rey auch das Debütalbum von Blondshell.

Unter dem Namen BAUM tendierte die in New York aufgewachsene und in Los Angeles lebende Sabrina Teitelbaum zwischen 2017 und 2019 in Richtung Pop, war damit aber nicht zufrieden und schlug mit der Umbenennung in Blondshell auch einen rockigeren Pfad ein. Ihr Produzent Yves Rothman unterstützte diese Entscheidung, nachdem er eine akustische Demoversion des Songs „Olympus“ gehört hatte.

Die Songs ihres Debütalbums schrieb sie während der COVID-19-Pandemie und entsagte dabei Alkohol, Drogen und professionellen Songwritern, die sie zuvor noch unterstützt hatten. Mit Partisan Records wurde auch ein unabhängiges Label gefunden, welches „Blondshell“ auf CD, Kassette und LP (black Vinyl, clear Vinyl) veröffentlichen wollte. 

Die 9 Songs sind musikalisch stark von den Genres geprägt, die Mitte der 90er Jahre den Alternative-Bereich dominierten: Indierock, Grunge, Slacker Rock und Britpop. Daher darf das Album Freunden von Hole, The Smashing Pumpkins, Belly, Blur, PJ Harvey oder The Cranberries empfohlen werden.

Und was hatte der NME im April in seiner 5 Sterne-Review zu „Blondshell“ zu sagen?

‘Veronica Mars’, which sports a chugging guitar riff alongside sly reflections on the Kristen Bell-starring 2004 TV drama and teenage media consumption, tells us that “Logan’s a dick, I’m learning that’s hot”. On ‘Joiner’, amidst substance misuse and self-harm, humour finds a place next to the sincerity: “I think you watched way too much HBO growing up”, she says with a wry grin. Even on ‘Sepsis’, Teitelbaum willingly puts herself at the butt of the joke: “I’m going back to him, I know my therapist’s pissed / We both know he’s a dick, at least it’s the obvious kind”. This is a record stuffed with barbed and memorable one-liners. (…)

‘Blondshell’, then, is a complete triumph in several ways. Rarely do emerging artists receive the benefit of the doubt to change tack, recalibrate their sound and allow their lived experiences to develop and find their way into the music. Too often is that creator pigeonholed or, worse, written off – and such could have been the case for Teitelbaum. Instead, we have one of the alternative rock albums of the year, and one to treasure tightly for quite some time.

(NME)

Vulpix - Innocent Pleasures, Repeated Measures

Die erste Vorladung (VI)

Personalien:

Vulpix ist ein Feuer-Pokémon der ersten Generation, das sich in Vulnona weiterentwickeln kann.

Vulpix ist aber auch das Ein-Mann-Bandprojekt von Jordan Barrow aus Melbourne.

Tathergang:

2013 ein erster Song namens „Hazy“, 2014 die erste, über das eigene Label Breathlessness veröffentlichte 4-Track-EP „Swarms“ - und dann erst einmal gar nichts mehr. Offensichtlich hat Jordan Barrow seitdem zu selten sein Schlafzimmer verlassen, um Bonbons oder Kilometer zu sammeln, um seinen Bedroom-Dreampop zügig zur nächsten Entwicklungsstufe (also Debütalbum) zu verhelfen. Aber 9 Jahre nach „Swarms“ war es dann Ende Juni doch so weit: „Innocent Pleasures, Repeated Measures“ wurde digital und über Spirit Goth Records als Kassette veröffentlicht.

Plädoyer:

Auf 12 Songs bewegt sich Jordan Barrow zwischen Janglepop, Dreampop und Shoegaze, so dass man den Einfluss seiner Lieblingsbands (The Radio Dept., The Smiths, The Cure, My Bloody Valentine, Nothing, New Order) auch recht gut heraushören kann. 

Zeugen:

Eines der Dinge, die ich am meisten am Debüt von VULPIX mag, ist, dass es auch eine viel poppigere Seite hat, die einen in ihre verträumte Welt entführt. Etwas, das man sofort zu schätzen weiß, wenn man mit "Red Moon", einer der großartigen Singles des Albums, beginnt. Hier lässt er sich von einem viel lebendigeren und melodischeren Sound mitreißen, der ihn direkt mit der Welt von Sarah Records oder einer Band wie The Pains of Being Pure at Heart verbindet. Ein Einfluss, der in dem wunderbaren und sehr leuchtenden "Weekend Off" noch deutlicher wird. Sogar in "Lo-Life", wo die Drum-Maschinen ins Spiel kommen und mit einem umwerfenden Gitarrensatz verschmelzen. Er ist auch in der Lage, noch poppiger zu werden und einer weiblichen Stimme die Zügel in dem wunderschönen "I Am Just A Shell" zu überlassen.

(Don’t Eat The Yellow Snow (übersetzt))

Um im Vergleich mit Josh Hwang / Castlebeat zu bleiben, bewegt sich auch Barrow von Post-Punk-Stilmerkmalen, die bei Joy Division, The Cure und Jesus & Mary Chain beginnen, über New Wave, der klirrende Gitarren und Synthies mischt, bis in die Gegenwart mit einer großen Frische und Suggestionskraft. Und wie Hwang - der nicht zufällig Inhaber des Labels Spirit Goth Records ist, für das VULPIX aufnimmt - macht Jordan im kreativen Raum seines musikalischen Schaffens praktisch alles selbst und greift nur hier und da auf ein paar geliehene Frauenstimmen zurück.

(Just Another Pop Song (übersetzt))

Indizien und Beweismittel:

 

Ortstermine:

Nicht bekannt.

Urteile:

Nun sind die werten Richter gefragt...