Final Days Society - You Can

Na endlich. Da nun auch Oliver begeistert ist, können wir uns erneut Final Days Society zuwenden. 2015 veröffentlichten Suwat Khanh (Gesang, Bass), Pierre Olsson Kruse (Gitarre), Andreas Jeansson (Gitarre, Keyboards), Marcus Knutsson (Gitarre) und Victor Galeano (Schlagzeug) ihr drittes Album „Icebreaker“, für das Oliver erst vor wenigen Tagen sein 8-Punkte-Urteil einreichte. Da vorher „Firestarter“ (2020) nicht vor Gericht gestellt werden konnte, sind wir nun bereits bei „You Can“, dem fünften Studioalbum der Schweden, die nun ohne Knutsson als Quartett musizieren, angelangt.

Anders als beim Vorgänger mit seinen sechs Liedern, werden uns diesmal sogar neun Songs gereicht, was nicht heißt, dass sich Final Days Society kurz fassen würden: das finale „Jag Älskar Dig“ läuft über 11 Minuten, das Album insgesamt klar über eine Stunde. Neben den etwas härteren Momenten (beispielsweise zu Beginn von „You Are“) erleidet der Sänger gleich doppelt einen Screamo-Anfall („Feel Something“ und „Signals“). Ansonsten gibt es bombastischen Prog-Rock („Not Even Death“) für Freunde von Sigur Rós bis Alcest. Und das ist Oliver ja. 

Was es leider nicht gibt, sind Videos zum hier Einfügen oder eine Vinyl-Veröffentlichung. Aber für 8 € gibt es „You Can“ digital über Bandcamp und die früheren Album kosten zurzeit nur 3 €.

The album moves like a story, tracing the band’s experiences from the past years up until now. Each track adds another piece of that journey, from difficulty to clarity, from tension to renewed purpose. The album title »You Can« symbolizes the band’s belief in crossing boundaries, both musically and personally. It is a reminder not to wait to pursue what you want to achieve, and above all, to never stop doing what you love. While rooted in their own experiences, the band hopes listeners will use the music to form stories of their own.

Sonically, the record carries both the weight of what the band has lived through and the sense of direction they’ve rediscovered. The sound is honest, dynamic and deeply emotional – true to Final Days Society’s signature blend of atmosphere, melody, vocals and cinematic depth, with a distinct scandinavian touch.

(Doomed Nation)

10 Schallplatten, die uns gut durch den Mai bringen

10. Midge Ure - A Man Of Two Worlds (2 LPs, Black Vinyl) 8.5.2026

9. Super Furry Animals - Precreation Percolation (Red Vinyl) 1.5.2026

8. Ed O'Brien - Blue Morpho (Limited Special Edition, »Psyche« Orange Vinyl) 22.5.2026

7. Kraftwerk - Radio-Activity (50th Anniversary Edition, Picture Disc) 8.5.2026

6. The Smashing Pumpkins - Gish (35th Anniversary Edition, remastered, 180g, Gray with Pink and Purple Splatter Vinyl) 29.5.2026

5. Future Islands - From A Hole In The Floor To The Fountain Of Youth (Blue/Apricot Colored Vinyl, 2 LPs) 22.5.2026

4. Tori Amos - In Times Of Dragons (2 LPs, Smoke Vinyl) 1.5.2026

3. Camera Obscura - Biggest Bluest Hi-Fi (Black Vinyl) 8.5.2026

2. Get Well Soon - Minus The Magic (Vinyl) 22.5.2026

1. Suede - Sci-Fi Lullabies 2 (2 LPs, Black Vinyl) 29.5.2026

The Reds, Pinks And Purples - Acknowlege Kindness

Mit über 200 komponierten Songs und 9 Alben in den letzten sieben Jahren spielt der mittlerweile 54-jährige Glenn Donaldson in seiner eigenen Liga. Und selbstverständlich sind wir auch weiterhin Fans von The Reds, Pinks And Purples, wie man den bisherigen Platzierungen seiner bei Platten vor Gericht vorgestellten Alben entnehmen kann:

2020: Platz 32 für „You Might Be Happy Someday“ (7,667 Punkte) 

2021: Platz 65 für „Uncommon Weather“ (7,375 Punkte) 

2022: Platz 19 für „Still Clouds At Noon“ (7,833 Punkte) 

2022: Platz 17 für „Summer At Land’s End“ (7,833 Punkte) 

2022: Platz 4 für „They Only Wanted Your Soul“ (8,167 Punkte) 

2023: Platz 16 für „The Town That Cursed Your Name“ (7,875 Punkte) 

2024: Platz 41 für „Unwishing Well“ (7,625 Punkte)

2024: Platz 5 für „This Is Adult Art School“ (8,167 Punkte)

2025: Platz 40 für „The Past Is A Garden I Never Fed“ (7,500 Punkte)

Auf „Acknowlege Kindness“ schlägt Donaldson nun einen eher nostalgisch, melancholischen Weg ein und versucht dabei Alben wie „California“ (American Music Club) und „16 Lover’s Lane“ (The Go-Betweens) nachzuspüren. Klavier und Akustikgitarre sind dominanter als auf früheren Alben („Worthy Of Love“, „Doubt In Vain“). Und klingt „Houses“ nicht schön nach The Cure? Gitarrigen Indierock, den es zuletzt gleich mehrmals von The Reds, Pinks And Purples zu hören gab, sucht man diesmal vergebens. Mit „Blue Heron Lake“ und dem sinisteren Titelsong wird aber die Tradition der Lieder, die auch ohne Worte auskommen, fortgeführt.

„Acknowlege Kindness“ ist als  CD und LP (Dark Cloud Vinyl, Fog Glass Vinyl) erhältlich.

 

Holly Humberstone - Cruel World

Für den kommenden Sommer habe ich - den Tagesausflug nach Lokeren zu Editors und Suede einmal außen vor gelassen -  noch kein einziges Festival Ticket. Zurzeit liebäugele ich mit dem Traumzeit Festival, das mich u.a. mit Kettcar, Betterov Apparat, White Lies, Sprints, Brigitte Calls Me Baby und Dressed Like Boys lockt, und dem Golden Leaves Festival. Während ich schon mehrmals die Reise nach Duisburg angetreten habe, muss ich gestehen, noch nie beim Festival in Darmstadt gewesen zu sein. 

Die Macher des Golden Leaves Festival hoffen auf einen sonnigen Spätsommer und locken mit einem Programm, das - auch wenn es nicht so offensichtlich kommuniziert wird - auf ein stark weibliches Lineup setzt. Ich würde gern Ende August am Steinbrücker Teich Agnes Obel, Mine, Kat Frankies BODIES, Hundreds, Austra, Pale Waves und Poliça sehen. 

Ebenfalls dort auftreten wird Holly Humberstone, die in ihrer englischen Heimat bereits zwei Top Ten Alben vorzuweisen hat: „Paint My Bedroom Black“ (2023; #5) und „Cruel World“ (2026; #4). Ihrer aktuellen Veröffentlichung gelang sogar der Sprung in die deutschen Charts (#45). Die 12 Songs, die eindeutig mit dem Label Pop zu versehen sind, komponierte Holly Humberstone zusammen mit ihrem musikalischen Partner Rob Milton, der auch die Produktion übernahm, und weiteren professionellen Songwritern. Bei den Kritikern kommt „Cruel World“ ebenfalls gut weg, so sind aktuell bei Metacritic 80/100 Punkte hinterlegt.

Bedroom-Indie winkt aus dem Hintergrund, aber auch Seventies- und Nineties-Pop. Nicht weit weg sind zu guter Letzt die großen Pop-Autorinnen der Gegenwart. Mit mindestens drei Songs schließt Humberstone scheinbar mühelos zur Swift- und Rodrigo-Liga auf: „White Noise“ verarbeitet den Liebeskummer aus der Clubtoilette heraus.„To Love Somebody“ bemüht sich darum, ihn positiv aufzuladen – die Botschaft: Wenn du gerade tief fällst, bedeutet das, dass du irgendwann ganz oben warst.

Und in „Red Chevy“ wiederum fleht sie: „Kiss me like you fuckin’ mean it.“ Ein luftiges Saxofon bläst dazu ein paar Ad-Libs. Ohnehin wird auf diesem Album viel gezweifelt, viel gefleht, viel gesucht, aber eben auch: die Welt umarmt. 

(musikexpress)

 

 

Thrillhouse - Smile

Die erste Vorladung (VII-MMXXVI)

Personalien:

Sam Baldwin und Jack Nielsen lernten sich wohl 2018 in einer Kneipe in Brighton kennen und gründeten zusammen die Band Thrillhouse. 

Beim Bandnamen hätte das Duo etwas besser aufpassen müssen, denn in den USA wählten bereits zuvor eine Heavy Band und ein DJ diesen Namen aus. 

Tathergang:

2023 veröffentlichten unsere Thrillhouse mit „Something About This Place“ ihr Debütalbum, das ihnen Vergleiche zu The National und Arcade Fire sowie Support von BBC Introducing, Radio X und KEXP einbrachte. Beim Indie-Label Spirit of Spike Island aus Manchester ist nun der Nachfolger „Smile“ (Ocean Blue Vinyl, Glowing Sun Red Vinyl) erschienen. 

Einer schwarze Leoparden-Dame aus Sibirien, die auf Instagram wohl über 6 Millionen Follower hat, gefällt wohl der Song „Wanna See You Smile“ besonders, denn sie unterlegte eines ihrer Videos mit der Musik von Thrillhouse. Wäre ja schön für Sam Baldwin und Jack Nielsen, wenn sich die Millionen Klicks auch hinsichtlich ihrer eigenen Musik auszahlen würden und sie neben Luna the Pantera noch weitere Fans hinzu gewinnen könnten.

Plädoyer:

Thrillhouse-Frontmann Sam Baldwin befand sich in einer persönlichen Krise, als er mit den Arbeiten an dem Album begann. Geplagt von einer Trennung und einer Reihe von Verlusten, flossen diese Emotionen in seine Kompositionen ein. Damit einher ging auch ein musikalischer Wandel, denn der Indiepop mit 80ies-Referenzen (The Cure, Echo & The Bunnymen, Talking Heads) hat sich eindeutig in Richtung Folk und Folkrock verschoben, so dass man beim Hören von „Smile“ viel häufiger an Tom Petty, Bob Dylan, The Travelling Wilburys, The War On Drugs oder Mumford & Sons denken muss. Ich hätte mir mehr Songs wie „I'll Still Be There“ gewünscht, dertatsächlich nach The Cure trifft Shout Out Louds trifft Arcade Fire klingt.

Zeugen:

Opening track ‘Wanna See You Smile’ displays a greater lever of maturity and pose than their earlier material: coasting on a gentle dappling instrumentation and an indelible melody infused with a degree of melancholy and ethereal backing vocals. As almost the title track, it’s a warm embrace, welcoming you into their world.

‘See You’ has an alt. country delivery, upbeat with wailing guitars and the distinct vibrant vocals of Baldwin with an added twang, while ‘I’ll Still Be There’ drifts into a new wave sparkle, reminding me a little of the greatly underrated band Thrashing Doves, with Baldwin’s urgent vocals and the anthemic delivery, cinematic and hair-raising. (…)

Thrillhouse have an inherent ability to deliver the most buoyant and sparkling tracks that combine a degree of hyperactivity with a pop sensibility that positively shimmers. The band is beginning to get the respect it deserves after years of creative output. They marry an accomplished musicianship with a precise scientific ear for melody and rhythm.

(Backseat Mafia)

Indizien und Beweismittel:

 

 

 

 

Ortstermine:

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Urteile:

Nun sind die werten Richter gefragt...

Tomora - Come Closer

Die Wege von Tom Rowlands, einer Hälfte von The Chemical Brothers, und der norwegischen Musikerin Aurora Aksnes hatten sich zuvor bereits mehrfach gekreuzt: Auf dem 2019 veröffentlichten „No Geography“ setzte Aurora die Tradition bekannter Gastsänger*innen (u.a. Beth Orton, Noel Gallagher, Hope Sandoval oder Richard Ashcroft) auf den Alben der Chemical Brothers fort, war auch als Songwriterin an drei Stücken beteiligt und trug ihren teil dazu bei, dass deren neuntes Album mit dem Grammy Award ausgezeichnet wurde. Tom Rowlands revanchierte sich als Songwriter, Produzent und Musiker auf zwei Liedern von „What Happened to the Heart?“ (2024), dem letzten Studioalbum von Aurora.

Offensichtlich passte es musikalisch zwischen den Beiden, sonst hätten sie sich nicht erneut  zusammen getan und gemeinsam 12 Songs aufgenommen, die sie unter dem Namen Tomora nun veröffentlicht haben. Dabei war die Kooperation ursprünglich gar nicht darauf ausgerichtet, ein komplettes Album zu veröffentlichen. Bevor der Kofferwort-artige Projektname, der sich auf den Vornamen der Protagonist*innen zusammensetzt, bekannt wurde, streute Rowlands Songs wie „Ring The Alarm“ oder „Somewhere Else“ bereits in seine DJ Sets ein, wodurch bereits klar sein sollte, in welche musikalische Richtung (Elektro, Big Beat und Electronica mit reichlich repetitiven Momenten zum Tanzen) dieser Trip geht. Wäre da nicht der Altersunterschied von über 25 Jahren, könnte man hier auch von The Chemical Siblings sprechen.

„Come Closer“  ist als CD und LP (Total Eclipse Black Vinyl, Pink Nebula Vinyl, Pink And Black Swirl Vinyl, Glow In The Dark Vinyl) erhältlich.

Stattdessen gibt es einen wilden Ritt durch verschiedene Gradationen von Techno-, Drum’n’Bass und Clubgrooves, die Rowland mit fiebriger Intensität aus seiner Maschinerie holt und auf der anderen Seite Auroras – oft brutal zerhackte – Vokal-Elemente, die zuweilen klingen, als wolle sich die Gute als Sängerin durch Nickeligkeit selbst diskreditieren. Mit dem Kerngeschäft der ansonsten gesanglich geschickt mit Harmonien und Melodien hantierenden Songwriterin hat das also nicht mehr viel zu tun. Stattdessen ist klar erkennbar, dass sowohl Rowland wie auch Aurora die Extreme suchen (und finden).

(Gästeliste)

 

 

 

Maria Taylor - Story’s End

Maria Taylor hat seit ihrem letzten Album, dessen Veröffentlichung bereits sieben Jahre zurück liegt, ihre Verbindungen zu Bright Eyes wieder intensiviert. (auch wenn ich nicht weiß, ob sie wieder Conor Oberst dated). So war sie in die Entstehung der Companion-Serie involviert, die Bright Eyes 2022 und 2023 zu allen ihren Studioalben veröffentlichten. Außerdem ging sie anschließend mit der Band als deren Schlagzeugerin auf Tour. 

Da wundert es nicht, dass Conor Oberst (Gesang bei „Sorry I Was Yours“), Mike Mogis (diverser elektronische Gerätschaften bei sieben Songs) und Nate Walcott (Streicherarrangements von vier Liedern) sich auch mit Gastbeträgen auf ihrem neuen Album verewigten. Passender Weise erschien „Story’s End“ als eine der ersten Veröffentlichungen auf dem 2024 von Conor Oberst gegründeten Label Million Stars Records (Black Vinyl, Cats Eye Colored Vinyl, Emerald Colored Vinyl).

Ansonsten zeigt Maria Taylor auf „Story’s End“ das ganze Spektrum ihres Schaffens: Es gibt verträumten, Streicher durchtränkten Folkpop („Story’s End“, „Powerlines“, „Nathaniel“), Folk-Momente mit sanft säuselnden Flötentönen („Be Careful What You Want“) oder an der Nahtstelle zum Country („Everything Is Fine (My Loves)“), cineastischen, beschwingten Indiepop („Shades Of Blue“, „Never Thought I’d Feel New“), mit „Tricky“ einen aufgrund seiner Beats (und nicht nur seines Titels wegen) an Trip Hop gemahnenden Song sowie am Ende eher unerwartet gitarrigen Indierock („Change Is Coming Soon (Green Butterfly Sequel)“).

Die lange Wartezeit hat sich gelohnt, „Story’s End“ könnte das bisher stärkste Soloalben der einen Hälfte von Azure Ray sein.

Die Songs selbst versinken dabei weder in Wehmut noch etwa verpuffen sie in hedonistischer Belanglosigkeit. Die Balance zwischen Düsternis, Melancholie, Empowerment, Hoffnung und Akzeptanz ist dabei ausschlaggebend. Während die Up-Tempo-Tracks wie „Shades Of Blue“ oder „Never Thought I’d Feel New“ von einem eher kämpferisch/trotzigen Drive getragen werden, tendieren die balladesken Nummern wie „Story’s End“ oder „Sorry I Was Yours“ (bei dem Conor Oberst als Duettpartner fungiert) eher zur melancholisch/nachdenklichen Seite. Eine genaue Trennlinie gibt es indes nicht – und so gehören die Tracks, die (auch musikalisch) keiner bestimmten Gemütslage eindeutig zugeordnet werden können – beispielsweise „Tricky“ oder „Powerline“ – zu den interessantesten des Albums. Bestes Beispiel dafür ist der abschließende Track „Change Is Coming Soon“, der als fast schon lamentöse Ballade beginnt, dann aber auf halbem Wege zu einer fast schon stürmischen Hymne aufblüht und die eigentlich positive Botschaft des Songs (und des ganzen Albums) dann mit einem ermunternden Gitarrensolo entsprechend überzeugend markiert.

(Gästeliste)

 

 

They Might Be Giants - The World Is To Dig

10 Fakten zum neuen Album von They Might Be Giants:

1. Der Albumtitel, „The World Is To Dig“, ist von dem 1952 erschienenen Kinderbuch „A Hole Is to Dig“ von Ruth Krauss inspiriert . John Flansburgh besitzt sein Exemplar aus seiner Kindheit auch heute noch. Zum Albumtitel sagt er folgendes: „I was trying to think of a title that would be positive. We live in this terrible political moment that I think is frightening everybody, and I didn't want the title to be reactive to that, but at the same time, I also sort of wanted to spread a little bit of positive, just sort of immediate positivity.“

2. Ursprüngliche wählten They Might Be Giants ein Foto eines natürlichen Erdfalls aus der Washington Post als Cover für ihr Album aus, aber als der Vertrag fast abgeschlossen war, hielten die Massenentlassungen bei der Washington Post die Band jedoch davon ab, dieses Foto als Cover zu nutzen:

3. Beim endgültigen Cover handelt es sich um ein Gemälde des Yosemite Valleys im Stile der Hudson River School, einer amerikanischen Kunstbewegung der Mitte des 19. Jahrhunderts, die von einer Gruppe von Landschaftsmalern gegründet wurde, deren ästhetische Vision vom Romantizismus beeinflusst war. Der Urheber ist umstritten, es wird aber Thomas Hill zugeschrieben. 

 

4. Seit 1986 haben They Might Be Giants 24 Studioalben veröffentlicht. 2018 erschienen sogar drei Alben innerhalb eines Jahres. Zwischen ihrem letzten Album, „Book“, und nun „The World Is To Dig“ vergingen aber 4 Jahre, 5 Monate und 2 Tage. Für diese Rekord-Wartezeit führen They Might Be Giants drei Gründe an: die COVID-19 Pandemie, die Folgen eines Autounfalls von John Flansburgh und gesundheitliche Probleme von John Linnell. 

5. Tatsächlich begannen They Might Be GIants mit den Aufnahmen bereits vor der Veröffentlichung von „Book“ (2021). Ende 2025 waren die Arbeiten am Album abgeschlossen, nachdem früherer Albumversionen durch schnellere Versionen ersetzt wurden, sie neues Material hinzufügten, Remixe erstellten und die Songreihenfolge änderten. Letztendlich finden sich auf dem Album 18 Songs, die 44:28 Minuten laufen. 

 

6. Bei They Might Be Giants bleiben immer zahlreiche Lieder übrig, die nicht zum Album passen. So startete das Jahr 2026 mit der Veröffentlichung der „Eyeball“ EP, welche die Songs „Eyeball“, „The Glamour Of Rock“ und „Peggy Guggenheim“ bietet.

7. Aus dem Album wurden im Februar und März vier Singles vorab herausgebracht: „Wu-Tang“, „Sleep’s Older Sister“, „Outside Brain“ und „Overnight Sensation (Hit Record)“. Eine Hit Single war nicht dabei und daher bleibt „Birdhouse In Your Soul“ aus dem Jahr 1990 der größte Erfolg der Band: Platz 6 im UK und Platz 3 in den US Alternative Airplay Charts.

 

8. Bei „Overnight Sensation (Hit Record)“ handelt es sich um die Coverversion einer 1974 veröffentlichten Single der Band Raspberries. Der Song erreichte damals Platz 18 der US Charts. Als Solokünstler war der Sänger der Band in den folgenden Jahren noch erfolgreicher: Eric Carmen gelangen in den USA drei Top 10 Singles: „All By Myself“ (1975; #2), „Hungry Eyes“ (1987; #4) und „Make Me Lose Control“ (1988; #3).

9. Auch nach so vielen Jahren kann es noch Premieren für They Might Be Giants geben: Der Song „Je N'en Ai Pas“ ist komplett in Französisch verfasst und enthält französische Ausdrücke, die John Linnell speziell für die Aufnahmen lernen musste. 

10. „The World Is to Dig“ wurde am 14. April als CD, Kassette und LP (translucent red Vinyl) veröffentlicht.

 

Snail Mail - Ricochet

Am gleichen Tag wie das gestern vor Gericht gestellte „Creature Of Habit“ kam auch „Ricochet“ in die Plattenläden. Jedoch fand das neue Album von Lindsey Jordan nicht nur weniger Käufer*innen sondern sammelte auch weniger Punkte bei Metacritic, nämlich insgesamt 74/100. Auch hinsichtlich der Deutschlandkonzerte (eins, am 20.06.26 im Berliner Columbia Theater) und der Vinylveröffentlichungen (vier, Black Vinyl, White Vinyl, Red Vinyl und Gold Vinyl) kann Jordan nicht mit Barnett mithalten. Beim Rolling Stone, der auch schon gestern zitiert wurde, gab es ebenfalls ein halbes Sternchen weniger (dreieinhalb):

„Ricochet“ ist Snail Mails Coming-of-Age-Werk. Die Musik führt die der ersten beiden Alben weiter: Nineties-Alternative-Rock, Emo und ein milder Grunge. Doch der Sound ist nun opulenter – Streicher und große Hallräume öffnen die Kulissen. Die Produktion übernahm unter anderem Mitch Easter, und das ist eine interessante Wahl. Easter produzierte Anfang der Achtziger die ersten Alben von R.E.M. und ist für den Jingle-Jangle-Sound jener Jahre bekannt.

Vielleicht spürt man seinen Stil in den Gitarrenarrangements zum Beispiel von „Butterfly“, einem gleichzeitig aufgekratzten und watteweichen Lied. Beim sanften „Hell“ denkt man wirklich ein bisschen an Easters berühmteste Klienten, der Refrain ist aber Power-Pop wie von Juliana Hatfield. „Nowhere“ verbindet Death Cab For Cutie mit Radiohead zur Zeit von „In Rainbows“. Der größte Moment gehört dem epischen Titelsong, der an die Melancholie der Smashing Pumpkins erinnert. 

(Rolling Stone)

Nach „Lush“ (2018) und „Valentine“ (2021) veröffentlicht die 26-jährige US-Amerikanerin auch ihr drittes Album unter dem Namen Snail Mail via Matador Records. Kreative Kraft im Studio war Aron Kobayashi Ritch von der Band Momma, der nicht nur produzierte und arrangierte sondern auch zahlreiche Instrumente einspielte. 

Im Vergleich zu Courtney Barnett wird es von mir mehr Punkte für Snail Mail geben, da gleich vier Songs mit Streichern aufgehübscht wurden und ich ihre Shoegaze- („Tractor Beam“) und 90ies Indierock-Einflüsse („Agony Freak“ lässt an Garbage und „Cruise“ an The Smashing Pumpkins denken) zu schätzen weiß. 

 

 

Courtney Barnett - Creature Of Habit

Oh, haben es die Australier etwa ihrer Courtney Barnett krumm genommen, dass sie ihren Wohnsitz von Melbourne nach Los Angeles verlegt hat und ihr eigenes Label Milk! Records nach 12 Jahren dicht gemacht hat? 

Wie ließe sich sonst erklären, dass ihr viertes Album - nachdem die Vorgänger trotz Indie-Status Garanten auf Top 5 Platzierungen waren („Sometimes I Sit and Think, and Sometimes I Just Sit“ #4, „Tell Me How You Really Feel“ #2 und „Things Take Time, Take Time“ #5) - in ihren heimischen Charts nur Rang 19 erreichte?

An schlechten Plattenkritiken kann es nicht gelegen haben, denn bei Metacritic steht „Creature Of Habit“ bei 80/100 Punkten. Die 10 Songs wurden bereits in Kalifornien aufgenommen, was vielleicht eine Hinwendung zu Americana erklärt, und von Courtney Barnett zusammen mit Stella Mozgawa von Warpaint, John Congleton (Sigur Rós, Franz Ferdinand, mogwai, Death Cab For Cutie) und Marta Salogni (Depeche Mode, Björk) produziert. Neben Barnett und Mozgawa kamen weitere bekannte Musiker*innen ins Studio: Flea von den red Hot Chili Peppers spielt Bass auf „One Thing At A Time“, Katie Crutchfield aka Waxahatchee singt auf „Site Unseen“ mit oder Samuel Shepherd (Floating Points) spielt Synthesizer auf „Same“.  

„Creature Of Habit“ ist ein großartiges Album über den Mut, sich selbst infrage zu stellen, Gewohnheiten abzulegen und sich auf Neues einzulassen. Von dem knurrig-verzerrten Bass und der Forderung nach Geradlinigkeit des ungestüm-rohen Openers, „Stay In Your Lane“, sollte man sich nicht täuschen lassen. Denn die meisten Songs auf Barnetts viertem Studioalbum sind nicht so spröde und schroff inszeniert wie auf ihren früheren Veröffentlichungen. Sie flirtet weniger mit dem Garagenrock und mehr mit Americana. Selten wurde Neugier, die zu Paranoia werden kann, sanfter vertont als in „Wonder“, das dem Album seinen poppigsten Moment beschert. Und selten wurden Introspektion und Selbsterkenntnis so zärtlich und doch so schonungslos protokolliert wie in „Mantis“.

(Rolling Stone)

„Creature Of Habit“ ist in diversen LP-Varianten erhältlich: Sugar Plum Strawberry Vinyl, Cloudy Clear Vinyl, Transparent Green & Yellow Smash with Cream & Pink Splatter Vinyl, Another Beautiful Day Caramel Vinyl, Gold Vinyl, Black Vinyl, Mantis Green Vinyl. 

Courtney Barnett in Deutschland:

05.10.26 Berlin, Huxley’s neue Welt

06.10.26 Köln, Bürgerhaus Stollwerck

 

 

Requin Chagrin - Décollage

Die erste Vorladung (VI-MMXXVI)

Personalien:

Requin Chagrin ist das musikalische Projekt der aus Ramatuelle an der Côte d’Azur stammenden Marion Brunetto.

Tathergang:

In Paris gründete Brunetto, die auch in den Bands Alphatra und Les Guillotines spielt, das Projekt Requin Chagrin, benannt nach ihrem Krafttier, einem kleinen im Mittelmeer vorkommenden Hai. Der Einfluss von Indochine war damals enorm, so dass es nicht verwundert, dass sie nach ihrem Debütalbum „Requin Chagrin“ (2015) von KMS Disques, das von Nicola Sirkis, dem Frontmann von Indochine, gegründet wurde, unter Vertrag genommen wurde. Später begleitete sie Indochine auf Tour oder war auf deren Song „Girlfriend“ zu hören. Nach den Alben „Semaphore“ (2019) und „Bye Bye Baby“ (2021) steht nun „Décollage“ in den Plattenläden (black Vinyl, white Vinyl), auf dem Marion Brunetto verstärkt mit Vintage-Synthesizern und Drum-Machines experimentiert, um den klassischen Surf-Gitarren-Sound um eine spacige, futuristische Ebene zu erweitern.

Während Brunetto im Studio meist alles alleine einspielt und das Album auch selbst produzierte, wird sie live derzeit von Gaël Etienne (Gitarre, Keyboards), Joseph Deschamps (Bass) und Axel Le Ray (Schlagzeug) unterstützt. Ausnahme unter den 11 Titeln ist der Song „Lucky Star“, ein Duett mit Sade Sanchez  von den L.A. Witches.

Plädoyer:

Eine Platte, wie für Oliver gemacht, daher sollten wir später auch seinem Plädoyer lauschen.   

Zeugen:

L’album s’ouvre avec Décollage (morceau éponyme), une intro synthétique, et une basse nerveuse et ronde à la fois, très présente, qui tient le morceau à bout de bras, une mélodie qui a un peu du mal à prendre avant que le fantastique refrain n’arrive, que le rythme ne s’accélère — une sorte d’éclair qui donne au morceau une vraie force. On retrouve la même montée en puissance progressive, avec des guitares ou des synthés qui préparent le terrain jusqu’au refrain qui accroche immédiatement l’oreille.

C’est aussi le cas de Parachute, le premier morceau sorti en single, la première perle de l’album : guitares claires qui rappellent la mélancolie lumineuse de Beach Fossils et la new wave des années 80, et de nouveau un refrain fantastique difficile à oublier. Sauf que Parachute est remplacé par For You et que l’album change encore de niveau. Le gimmick aux synthés, la basse font immanquablement penser au meilleur d’Orchestral Manoeuvres. La seule chose qu’on peut reprocher à ce morceau est d’être trop court. À part ça, il est parfait : outre le synthé et la basse, la batterie accompagne parfaitement la ligne et donne un rythme presque léger pour accompagner une mélodie incroyable et des paroles tristes, mais en dansant. Dans la même veine, avec la même réussite, il y a aussi Ultra fort et Altitude, autres morceaux dont on va avoir du mal à se détacher, pour leurs mélodies, leurs refrains imparables, leurs accroches, leurs paroles, le ton juste et touchant.

(Benzine)

Indizien und Beweismittel:

 

 

Ortstermine:

-

Urteile:

Nun sind die werten Richter gefragt...

Deary - Birding

Die erste Vorladung (V-MMXXVI)

Personalien:

Aus London stammt das Trio Deary, das aus Ben Easton (Gitarre), Rebecca ‚Dottie‘ Cockram (Gesang, Gitarre) und Harry Catchpole (Schlagzeug) besteht und seinen Bandnamen gern kleingeschrieben sieht.

Tathergang:

deary gründeten sich während der COVID-Pandemie, als Ben Easton für eine musikalische Neuausrichtung von einem gemeinsamen Freund die Sängerin Dottie Cockram empfohlen bekam. Man lernte sich kennen, sprach über die gemeinsame Liebe zu Cocteau Twins, Slowdive und My Bloody Valentine, freundete sich an und gründete eine Band. Seit 2023 veröffentlichten sie über Sonic Cathedral erste Musik, erst im letzten Jahr stieß Harry Catchpole am Schlagzeug.

In Brighton und London nahmen deary als Trio die 11 Songs ihres Debütalbums auf, das sie auch selbst produzierten. Dabei wurden sie von Iggy B (Piroshka, Spiritualized, 2:54) unterstützt, der oftmals Künstler*innen ihres neuen Labels Bella Union Records im Studion betreut. 

„Birding“ ist als CD und LP (black Vinyl, clear Vinyl, sky blue and green marble Vinyl) Anfang April veröffentlicht worden. 

Plädoyer:

Dottie Cockrams ätherischer Gesang lässt an Elizabeth Fraser (Cocteau Twins) oder Harriet Wheeler (The Sundays) denken, wodurch man schnell beim Label Dreampop („Garden Of Eden“) wäre. Hinzu kommen die verhallten Gitarrenwände von Easton und das teils wuchtige (und gelegentlich Trip Hop-artige („No Sweeter Feeling“) Schlagzeug von Catchpole, so dass Slowdive („Alma“) oder My Bloody Valentine („Smile“) in die Shoegaze-Richtung deuten. 

Zeugen:

Opener “Smile” and single “Seabird” feature subtle hooks that soar above a rhythmic drive that keeps the ethereal textures from drifting too far into ambient territory, while “Blue Ribbon” and “Alma” sound Lush-like as a beautiful mix of peppy beats are served over a swirling wash of sound with a distinctive blend of sweetness and fragility.

Elsewhere, the production allows the arrangements to breathe, trading in buoyant dynamics for a breezy, melodic openness. “Gypsophilia” and “Birding” are prime examples of ethereal dreamscapes that sparkle with a relaxed air.

Birding doesn’t rewrite the rulebook of dream-pop or invent a new tonal language, and may not be as innovative or groundbreaking as Cocteau Twins or Slowdive records; however, it offers a wealth of familiar joys that captures the classic 4AD shimmer without the experimental opaque-ness, and is just as rewarding a listen as the classics that inspired it.

(Under The Radar)

Indizien und Beweismittel:

 

 

 

Ortstermine:

23.05.26 Düsseldorf, Ratinger Hof

Urteile:

Nun sind die werten Richter gefragt...

The New Pornographers - The Former Site Of

Bleiben wir auch heute noch in Kanada und kommen zu einer Band, die mittlerweile zehn Studioalben angehäuft hat. Das sind bei einer nur um drei Jahre längeren Bandhistorie zwei mehr als bei den gestern vorgestellten Wintersleep. Hinzu kommen zahlreiche Soloalben von Neko Case und Carl Newman (als A.C. Newman) sowie dem früheren Mitglied Dan Bejar (als Destroyer). 

Dabei hätte „The Former Site Of“ eigentlich noch schneller auf „Continue As A Guest“ (2023) folgen sollen, jedoch kam wohl einerseits Neko Cases letztes Album „Neon Grey Midnight Green“ und andererseits der Vorfall mit Joe Seiders dazwischen: Im April 2025 wurde Seiders, Schlagzeuger von The New Pornographers seit 2014, wegen - und hier kann man wirklich von „Nomen est omen“ sprechen -  des Besitzes von Kinderpornografie festgenommen. Im Juni 2025 bekannte er sich schuldig und wurde zu drei Jahren Haft verurteilt. Zwischenzeitlich hatten seine restlichen Bandmitglieder die Trennung von ihm verkündet und entschieden sich, seine Aufnahmen für „The Former Site Of“ zu tilgen und neu einspielen zu lassen.

„The Former Site Of“ darf stilistisch als Fortführung des eher ruhigen, melancholischen und introspektiven Vorgängers gesehen werden. Songs wie „Great Princess Story“ oder „Pure Sticker Shock“ bestechen durch den mehrstimmigen Gesang von Carl Newman, Neko Case und Kathryn Calder und werden oftmals durch feine elektronische Schnörkel verziert. Alls Songs stammen ausnahmslos aus der Feder von Newman, der das Album auch produzierte, und Case übernimmt auf keinem der 10 Lieder den Leadgesang. Stürmischen Indierock sucht man hier vergebens, auch wenn die Single „Votive“ dem am nächsten kommt. Das entspannt groovende und mich an Beck erinnernde „Calligrphy“ wäre mein Skip-Track. Das Gegenstück: Der finale, sich über 6:28 Minuten aufbauende und einen fulminanten Schlusspunkt setzende Titelsong.

„The Former Site Of“ ist über Merge Records als CD und LP (black Vinyl, opaque red/orange marbled Vinyl clear with black splatter Vinyl) erschienen. 

  

The New Pornographers haben immer einen Plan, klingen dabei aber so lässig, als hätten sie keinen. Auf „The Former Site Of“ erzählt die kanadische Formation um A. C. Newman in sorgfältig gewobenen Liedern zwischen Pop-Appeal und Indie-Flair von Menschen in persönlichen und gesellschaftlichen Ausnahmesituationen.

Auch auf ihrem zehnten Album erscheinen hier und da Americana-Elemente („Ballad Of The Last Payphone“). Dank Synthie-Accessoires klingt es mitunter, als wären sie in einem heimeligen Raumschiff aufgenommen worden – pulsierend, präsent und doch auf eine angenehme Art unspektakulär.

(Rolling Stone)

 

 

Wintersleep - Wishing Moon

Ostern - und ich konnte kein passendes Albumcover, zum Beispiel mit einem Hasen, finden. Am besten passt noch dieses Osterei-artige Gebilde auf der Plattenhülle zu „Wishing Moon“. Von Wiederaufserstehung kann man bei Wintersleep auch nicht wirklich sprechen, aber zumindest liegt „In The Land Of“, das siebte und bis dato letzte reguläre Studioalbum der Kanadier, fast auf den Tag genau sieben Jahre zurück.

Nun also 12 neue Songs von den drei Wintersleep-Gründungsmitgliedern Paul Murphy (Gesang, Gitarre), Tim d'Eon (Gitarre, Keyboards) und Loel Campbell (Schlagzeug), die seit knapp zwei Jahrzehnten von Jon Samuel (Keyboards, Gitarre) begleitet werden. Aktuell scheint sie am Bass nicht mehr Mike Bigelow sondern wieder Chris Bell zu unterstützen, bei den Aufnahmen war wohl aber Dustin Bookatz von The Besnard Kakes dabei. Zusammen zog man sich in Nicolas Vernhes’ (The War On Drugs, Spoon,  Animal Collective) Studio in der Mojave-Wüste nahe Pioneertown, Kalifornien, zurück, um das Album möglichst live aufzunehmen. 

Dieser unmittelbare und authentische Aufnahmeprozess in der Wüste scheint sich auch auf raue und trockene Rocker wie „Stranger Now“, „I Got A Feeling“ oder „Wait For The Tide“ direkt ausgewirkt zu haben. An anderer Stelle experimentieren Wintersleep mit krautrockigen Grooves („Wishing Moon“) oder zeigen sich von ihrer folkigen Seite  („Redrawn“).

„Wishing Moon“ wurde am 27. März über Dine Alone Records als CD und Doppel LP (Black Vinyl, White & Green Marbled Vinyl, Gold & Green And Cream Swirl Vinyl) veröffentlicht.

Wintersleep in Deutschland:

19.04.26 Köln, Garagen Club

21.04.26 Hamburg, Molotow

22.04.26 Husum, Speicher Husum

23.04.26 Berlin, Mikropol

 

 

Robyn - Sexistential

10 Fakten zum neuen Album von Robyn:

1. „Sexistential“ ist, wenn man die drei 2010 veröffentlichten (Mini-)Alben aus der „Body Talk“-Reihe mitzählt, das neunte Studioalbum von Robyn. Der Titel „Sexistential“ ist eine Kombination der Wörter „Sex“ und „existenziell“, war ursprünglich als Insiderwitz gedacht, jedoch stellte Robyn irgendwann fest, dass der Titel das Album und seine musikalische Ausrichtung treffend beschreibt.

2. „Sexistential“ liefert 9 Songs in 29:27 Minuten. Damit ist es das kürzeste Album in der Discographie von Robyn und bleibt sogar hinter dem halbstündigen Mini-Album „Body Talk Pt. 1“ zurück.

3. Um so erstaunlicher, da sich Robyn seit der Veröffentlichung ihres letzten Albums „Honey“ (2018) reichlich Zeit ließ. In der Zwischenzeit vergingen 7 Jahre, 5 Monate und 1 Tag.

 

4. In ihrer schwedischen Heimat kamen bisher alle ihre Alben in die Top 10, wobei „Robyn“ (2005), „Body Talk Pt. 1“ (2010), „Body Talk Pt. 2“ (2010) und „Honey“ (2018) jeweils die Spitze der Charts erreichten. In Deutschland dauerte es bis zum Jahr 2010, das Robyn in die deutschen Hitlisten kam, für „Honey“ (#38) ist die höchste Platzierung verzeichnet.

5. Seit 2005 veröffentlicht Robyn ihre Musik auf dem eigenen Label: Konichiwa Records. Die Standard Versionen des Albums gibt es auf CD, Kassette und LP (black Vinyl).

6. Natürlich ist „Sexistential“ auch in anderen LP-Varianten erhältlich: white Vinyl, magenta Vinyl und deluxe clear Vinyl mit alternativem Artwork (extra clear PVC sleeve, gatefold jacket, and 28-page insert).

  

7. Als erste Single des Albums wurde „Dopamine“ im November 2025 veröffentlicht. Der Song erreichte Platz 9 in Schweden und ist damit dort ihre neunte Top 10 Single. Auf Platz 1 schaffte es lediglich „Dancing On My Own“ (2010). In Deutschland ist dies „With Every Heartbeat“ (mit Kleerup) auf Rang 38.

Anfang des Jahres folgte noch die Doppel-A-Seiten-Single „Sexistential“ / „Talk To Me“ und vor einigen Tagen später „Blow My Mind“.

 

8. „Sexistential“ sollte im Sound der „Body Talk“-Trilogie folgen, warum Robyn erneut mit dem schedischen Produzenten und Songwriter Klas Åhlund zusammenarbeitete. Weitere Protagonisten sind u.a. Joseph Mount von Metronomy, Jonathan Bates von Mellowdrone, Taio Cruz, Svein Berge von Röyksopp oder Max Martin (Britney Spears, Backstreet Boys, NSYNC, Pink, Katy Perry, Coldplay, The weekend).

9. Bei Metacritic steht „Sexistential“ aktuell mit einem glänzenden Metacrore von 82/100 Punkten da, auch wenn die Werte von „Robyn“ (86/100), „Body Talk“ (86/100) und „Honey“ (89/100) nicht ganz erreicht werden können.

Schon im Eröffnungsstück, „Really Real“, kristallregnet es wonnevoll die mit den allerfeinsten Raffinessen der modernen Audiodesign-Zauberei überzuckerten Beats und Synthesizer-Sounds. „Dopamine“ erinnert an „Dancing On My Own“: Auch hier explodiert ein Arpeggiator, nur diesmal vor Freude statt vor Liebeskummer. Robyn feiert ihren zweiten Frühling. Wer dazu nicht mittanzt, ist selber schuld. Oder hat Rheuma.

„Sucker For Love“ schlägt völlig mühelos die Brücke von Kraftwerk über The Knife zu Charli XCX. „Talk To Me“ klingt wie von Skrillex produzierte Ace Of Base, gesungen von Taylor Swift, abzüglich Hochglanz-Erotik. Robyns Sehnen und Sinnlichkeit haben nichts mit spießiger, keimfreier Soft-Porn-Ästhetik zu tun. Die neun Stücke von „Sexistential“ zelebrieren vielmehr den weiblichen Körper, der sich keinem männlichen Blick unterwirft und – öderweise noch immer auf junge Frauen fixierte – Schönheitsideale unterläuft, mit Zeilen wie: „My body’s a spaceship with the ovaries on hyperdrive.“

Es ist erstaunlich, wie eine wenig divenhafte, frei von Kapriolen und zwischen ihren Auftritten zurückgezogen lebende Schwedin jedes Mal die Konkurrenz alt aussehen lässt, wenn eines ihrer Alben erscheint. (…) Robyn erfindet auf „Sexistential“ das Electropop-Rad nicht jedes Mal, aber schon verblüffend oft neu – und macht sich ihre Dancefloor-Welt, wie sie ihr gefällt.

(Rolling Stone)

10. 25 Konzerte hat Robyn bisher weltweit zwischen Juni und November 2026 angekündigt. In Deutschland wird sie am 8. Juli in der Berliner Uber Arena gastieren.

Deadletter - Existence Is Bliss

„Wenn sie das Saxophon streichen, werden die groß“, sagte ich letztes Jahr zu meiner Freundin, als Deadletter am frühen Nachmittag bei brütender Hitze das Palastzelt des Maifeld Derbys abrissen. Energetischer Post-Punk und mit Sänger Zac Lawrence eine Frontmann, der sich den Begriff Rampensau redlich verdiente, sorgten für meine Aussage. Das Londoner Sextett - Zac Lawrence (Gesang), Alfie Husband (Schlagzeug), George Ullyott (Bass), Will King (Gitarre), Sam Jones (Gitarre) und Poppy Richler (Saxophon) - hatte 2022 eine erste Ep und 2024 das Debütalbum („Hysterical Strength“) folgen lassen, dem zwei Jahres-Rhythmus treu bleibend steht nun „Existence Is Bliss“ in den Plattenläden. Und ja, das Saxophon ist doch dabei und macht das, was ein Saxophon wohl leider machen muss.

Deadletter zeigen auf ihrem zweiten Album eine klangliche Weiterentwicklung – weg vom reinen, rohen Post-Punk hin zu einem atmosphärischeren, fast schon cineastischen Sound mit luftigen Synthesizern und elektronischen Akzenten zu soziopolitischen Texten. 

„Existence Is Bliss“ ist als CD und LP (Transparent Pearl White Vinyl, Transparent Edge Glow Blue Vinyl, Transparent Sparkle Vinyl) erhältlich und Menschen zu empfehlen, die gern Fontaines D.C., Shame, Gang Of Four und LCD Soundsystem hören. Und sich nicht am Saxophon stören. 

 

„Existence Is Bliss“ zeigt nun: Hier nascht jemand nicht nur die trockenen Dropse des Post-Punk, sondern plündert nach Lust und Laune den Süßwarenladen der Pop-Historie. „Purity I“ zitiert gleich mal Pink Floyds „On The Run“, bevor es sich mit treibendem Beat und schnittigen Riffs vor Franz Ferdinand verbeugt.

„To The Brim“ hat ein herrlich versponnenes Folk-Intro, Saxofone aus der Hölle und eine in die Dunkelheit hinabkletternde Hookline. Immer wieder trötet es hier, als hätten sich Madness in einen Song von Pere Ubu verirrt. Unheilvoll? Euphorisch? Alles eins! Wie im windschiefen „What The World Missed“, das eine Ballade von Beck sein könnte. Oder in „Focal Point“, in dessen Unterbewusstsein The Cures „A Forest“ schlummert. Anderswo geistern Schatten von The Blue Nile, Wire und Can. Die Rasierklinge, auf der Deadletter reiten, ritzt einen Spalt in dicke Häute. 

(Rolling Stone)

Neue Gerichtstermine: April / Mai

April

03.04.

Deary - Birding

Maria Taylor - Story’s End


10.04.

They Might Be Giants - The World Is To Dig

Wu Lyf - A Wave That Will Never Break

17.04.

Bosse - Stabile Poesie
T’Pau - Be Wonderful

Tomora - Come Closer

24.04.

Crocodiles - Greetings From Hell

Julia Cummings - Julia

Foo Fighters - Your Favorite Toy

Metric - Romanticize The Dive

Christin Nichols - Christin Nichols

The Reds, Pinks And Purples - Acknowlege Kindness

Tempers - Delusion

Mai

01.05.

Tori Amos - In Times Of Dragons

The Boo Radleys - In Spite Of Everything 

Maya Hawke - Maitreya Corso 

08.05.

Broken Social Scene - Remember The Humans 

Aldous Harding - Train On The Island 

The Haunted Youth - Boys Cry Too 

Lambert - I Am Not Lambert

Lykke Li - The Afterparty
Midge Ure - A Man Of Two Worlds

15.05.

Kevin Morby - Little Wide Open

Rostam - American Stories

22.05.

Bleachers - Everyone For Ten Minutes

Future Islands - From A Hole In The Floor To A Fountain Of Youth

Get Well Soon - Minus The Magic 

Ed O’Brien - Blue Morpho

29.05.

Die Toten Hosen - Trink aus, wir müssen gehen! 

Madsen - Smile

Paul McCartney - The Boys Of Dungeon Lane