Ordentlich, aufgeräumt, befreit von vielem Magie- und Mystik-Gedöns, das Khans Musik aus dem Einerlei der Björk- und Kate-Bush-Epigonninen heraushob, das könnte und müsste man jetzt böserweise sagen. Langweilig und beliebig ist "The Haunted Man" trotzdem nicht, und das sagt einiges aus über die zweifach Mercury-Prize-Nominierte aus Brighton. Vom nackigen Selbstermächtigungs-Cover (fotografiert von Naturalist Ryan McGinley) bis zu Song-Texten, in denen sich Khan als starke, gereifte Persönlichkeit gibt, zeugt hier alles von einer großen Reduktion - und die kriegt man nur hin, wenn man genau weiß, was man will. Hinter musikalischem Bombast verstecken, was oft genug zur Vertuschung von Unsicherheiten dient. Doch damit ist es nun vorbei: ""And in this horror show/ I gotta tell you/ You're more than a superstar", singt Khan in "Laura" an eine imaginäre Freundin gerichtet, die es noch nicht geschafft hat, sich aus den billigen Verführungen des Glamour-Lifestyles zu lösen und ihren Namen "tattooed on every boy's skin" sehen will. Khan ist jenseits solcher Teenie-Phantasien angelangt, sie weiß, dass die Frau das eigentlich starke Geschlecht ist - und die Hand des Kerls auch geduldig festhalten muss, wenn er mal wieder von seinen Männlichkeits-Dämonen heimgesucht wird, "standing by my haunted man". Neben "Laura" und dem Titelsong ist das Hausfrauen-Klagelied "All Your Gold" einer der besten Songs des Albums: Sparsames Geklingel auf hüpfender Perkussion, dazu eine direkt aus den Achtzigern importierte Michael-McDonald-Harmonie - fertig ist der zeitgeistig in Pop-Zusammenhänge übersetzte R&B-Track. Wie trefflich: Musikalisch beeinflusst habe sie der Achtziger-Retro-Soundtrack zu Nicolas Winding Refns Film "Drive" und seinen alten Chromatics-Nummern. Die haben übrigens auch mal eine elektronische Coverversion von "Running Up That Hill" gemacht, da schließt sich der Kreis zu Natasha Khan und ihrem kalt glänzenden dritten Album. Fragt sich nur, wie viele Kate-Klone die Welt noch verkraftet. 

(Spiegel)

Bat For Lashes zu Besuch in Deutschland:

15.11.12 Berlin, Huxleys Neue Welt

Earlier this year Edith has presented "What I've Become" - dark melancholic acoustic ballad with Melissa Horn-smelling light vibratto and in November she's ready to digitally release first part of her upcoming album "Kill The Clown". Though it contains only three tracks currently we get another single "Dance In Circles" - beautiful dramatic but light pop-rock song that we would probably compare with atmosphere of Eskobar albums (Peter worked with them also), relaxed Edith's vocal and lovely building melody finalize the whole pack. Another great tune of EP is "Black Hole" that is closer to "Dance In Circles" rather than "What I've Become" and is exactly that side of Edith we fall for more. 

(Swedish Stereo)

En sensationellt bra platta med popmusik i sina renaste former. Inte nog med att Edith Backlund sjunger bra, hon bjuder också på ett knippe oerhört starka låtar. Influenserna sträcker sig från 60-talets glättiga melodier och arr (”On The Run”) via Sparks 70-tal (”Until We meet Again”) och in i ren nutid – ”Over Now” måste exempelvis vara den bästa låt som Amy Winehouse aldrig sjöng. Samtidigt bär varenda låt Edith Backlunds eget främsta signum, den sköna och tonsäkra rösten. ”Kill The Clowns” är en platta som har många liv och infallsvinklar. Det är ungefär som att kliva/titta in i ett kalejdoskop. Mönstret ändrar sig efter hur man vrider och vänder. Ett av årets hittills bästa album!

(allas)

Even during the first chords it comes clear, that SEAPONY developed without leaving their established sound. The opening track “Outside” starts with cheery guitars attended by swinging drums later on. From this moment on, SEAPONY takes you away with dreamy sounds driven by waves of catchy guitar riffs and tender vocals, which seem to be aspirated by a ghost in the shape of Jen Weidl. Central issues are memories, craving for love, heartbreak, leaving, dreaming and momentariness.

All songs work together and seem to be the perfect match for leaving everyday life by drifting away into a world full of love, freedom and some kind of lightness. Even when Jen Weidl sings about broken promises and longing for attention like in Tell me so, she sounds so feathery that even sad stories get a romantic touch. While the whole record is furthered by guitar-driven songs about (bitter)sweet life, there are some special tunes, that persuade by particular dominating guitar parts. For example in Follow or Prove to me the guitar is fractional set to the background and in another moment it captures the listener by being wonderful present and disarming. Never be is an outstanding impellent song starting with energetic guitar chords and danceable drums. But after leaving the SEAPONY-caused dreamland for three minutes, Sunlight comes along with acoustic guitar and rarely inserted tambourine, which accompanies the listener to the rest of the record consisting of coherent songs.

It isn’t that easy to assert oneself as an outstanding band within the growing genre of lo-fi, indie dream pop. Falling is a strong record, playing with the attitude and magic of this genre and coming up with some guitar sounds full of energy. SEAPONY accomplished to create a LP that works as a perfect soundtrack for Sunday morning coffee or road trips into sun without being just background music. The sound is hope, the lyrics are passion – and all together Falling is made for bearing summer days in mind while autumn is going to catch us.

(Nothing But Hope And Passion)

Was gibt es über Jens Lekman zu sagen, was hier nicht schon längst bekannt wäre? Richtig! Nichts. Der 31jährige Schwede landet hier in schöner Regelmäßigkeit in der Top 10 unserer Jahrescharts (Bevor Ihr das jetzt alle überprüft: 2007 landetet er mit seinem Album ‚Night Falls Over Kortedala‘ lediglich auf Platz 27, was allerdings nur daran lag, dass ich [aus was für Gründen auch immer] vergaß, eine Benotung abzugeben. 12 Punkte von mir hätten wahrscheinlich zu einem komfortablen 10. Platz gereicht. Locker. Um mich dieses Versäumnisses zu rehabilitieren bin ich vor genau einem Jahr auf die weite, abenteuerliche und verstörende Fahrt [im Autoradio lief ununterbrochen Lady Gaga] zu einem Konzert Jens Lekmans nach Nijmegen gegangen und habe versucht, durch maßloses Herumtanzen um Jens‘ Anerkennung zu buhlen und mich endlich zu entsühnen. Im Nachhinein glaube ich, dass es ihm ziemlich egal war. Wobei: Als wir schon wieder in unserem Lady Gaga-Cab Richtung Deutschland saßen, spielte er noch ‚Black Cab‘ im Foyer des wunderschönen Concertgebouw De Vereeniging:



Dass er gewartet hat bis wir weg waren, nehm ich ihm schon ein wenig übel. Naja, vielleicht entschuldigt er sich ja irgendwann bei mir) und wie sagte Dirk vor nicht allzu langer Zeit passenderweise:

Euch Jens Lekman noch einmal vorzustellen hieße Knäckebrot nach Stockholm tragen.

Also:

Ein reduziertes Album ist es geworden, musikalisch wirkt es fast aerodynamisch. Der Fokus liegt klar und deutlich auf den Texten und der Stimme, die diese vorträgt, dabei wird Lekmans unbändige Pop-Affinität allerdings niemals venachlässigt. Schon das Intro macht klar, was den Hörer in den kommenden 38 Minuten erwartet: „Every Little Hair Knows Your Name“ ist ein Klavier-Solo; wie könnte es auch anders sein, ist das Klavier doch das Herzschmerz-Instrument schlechthin. (byte.fm)

Ein solcher Einstieg ist natürlich in erster Linie für aufmerksame und geduldige Musikliebhaber gedacht, die gewillt sind, sich ein wenig Zeit zu nehmen, um die ausgeklügelten Arrangements und durchdachten Texte in angemessener Weise zu goutieren. Schließlich wird viel geboten, von schwelgerischen Melodien über überraschende Einsprengsel bis hin zu sorgfältig platzierten Akkordeon. […] Wer hinter die ansprechende Fassade blickt, entdeckt wie gewohnt eine Fülle von unterhaltsamen Geschichten mit zahlreichen Anspielungen und lustigen Zeilen. Aber anders als zuvor findet sich diesmal in den Liedern auch einer Spur von Traurigkeit, die dem Album eine Tiefe verleiht, wie man sie Lekman nicht zugetraut hätte. Obwohl diese Trübsinn offenbar auf Liebeskummer zurückzuführen ist, stellt er in künstlerischer Hinsicht einen Glücksfall dar, denn er steht dem bisher eher distanziert und kühl wirkenden Schweden so gut zu Gesicht, dass "I Know What Love Isn’t" getrost als kleiner Meilenstein in seiner verhältnismäßig kurzen Karriere bezeichnet werden kann. (valve-magazine.net)

Als ich “Side by side” im ersten Durchlauf unbedarft hörte dachte ich: “Oh, eine amerikanische College-Band, die Wilco, The Weakerthans und William Fitzsimmons toll findet.”

 

Doch Brokof kommt auf Berlin. Dort wurde die Band 2007 gegründet und nach dem Debüt “Softly, softly, catchee monkey” aus dem Jahr 2010 veröffentlichen die Herren Fabian Brokof (Gesang, Gitarre), Arne Bergner (Gitarre, Klavier), Rocco Weise (Bass) und Christian Kohler (Schlagzeug) nun mit “Side by side” ihr zweites Album. Darauf mischen sich gefällige Indiepopklänge mit Folk. Stellenweise wird diese Mischung gar Singer-/Songwriter-intim. Die halb-melancholisch/ halb-hoffnungsvolle Stimmung des Werks ist eher was für einen lauen Sommerabend aber wahrscheinlich lässt sich ja auch der Herbst gerne durch stellenweise betörenden mehrstimmigen Gesang begleiten.

 

“Side by side” lebt von den schon erwähnten Harmonien und der herrlich entspannten Grundstimmung. Americana- und Folkpop-Freunde sollten den Berlinern mal ein Ohr leihen.

Meine anfängliche Skepsis gegenüber dem folklastigen “Cooperate” wandelte sich in Freunde über die Existenz des Songs. Darüber hinaus haben es mir “A thousand times” und “The one” angetan.

Der “Terrorverlag” meint:

BROKOF verzichten auf viel Tamtam und Glitzer und beschränken sich lieber auf das Wesentliche. So liefern sie den Soundtrack für eine Generation der Bedenkenträger zwischen Ratlosigkeit und Aufbruch. Ein freundlicher, mal rockender, mal munter trabender Beat liefert den lebensbejahenden Grundrhythmus, zu dem die Band unaufgeregt die Themen anspricht, die viele umtreiben. Gleichzeitig ist der Sound so intim und bisweilen auch durchaus melancholisch, um eine angenehme Nähe und Vertrautheit aufkommen zu lassen.

 

Das Album als Stream:

 

Das Video zu “Lost in the city”:

 

Brokof auf Tour:

• 28.11 Dresden, Thalia Kino
• 29.11 Mittweida, Studentenclub
• 30.11 Weimar, Kasseturm
• 01.12 Stuttgart, Merlin
• 04.12 Fürth, Kofferfabrik
• 06.12 München, Glockenbachwerkstatt
• 08.12 Hamburg, Molotow
• 09.12 Rostock, Peter Weiss Haus

Der Besitzer eines eigenen Plattenlabels - Carrack-UK - offenbart auf "Good Feeling" jedoch sein wohl größtes musikalisches Talent, wenn er den Blue Eyed Soul als Kunstform erstrahlen lässt, die in einer solchen Klasse und Grandezza allenfalls noch von Zeitgenossen wie Elvis Costello und Nick Lowe beherrscht wird. Vom letztgenannten Künstler hat sich Carrack für sein neues Album ebenso einen Song ausgewählt wie von Bruce Springsteen. Und eine Zusammenarbeit mit Chris Difford von Squeeze hat ebenfalls zu der meisterlichen Umsetzung dieses Dutzend Songs beigetragen, die fürwahr nicht den geringsten Missmut aufkommen lassen. "Good Feeling" PUR!

Einen besseren Zeitpunkt für dieses Album hätte sich Paul Carrack kaum ausdenken können, denn etwa zeitgleich mit der Veröffentlichung von "Good Feeling" würdigt die BBC das Schaffen dieses begnadeten Musikers, der jetzt schon auf seine fünfte Schaffensdekade zusteuert, mit einer neuen Dokumentation. Und für Blue-Eyed-Soulsänger Paul Carrack aus Sheffield zählt auch Zeitlebens nur ein musikalisches Motto: "The full Monty" – "Ganz oder Gar nicht" - einer der Erfolgreichsten englischen Filme der letzten 50 Jahre. Musik spielt darin eine Hauptrolle. Und er spielt natürlich auch in Paul Carracks Geburtsstadt.

(hr-online)

Comebacks, auf die die Welt gewartet hat, oder? (XI)

It starts like all the best Deacon Blue records – gradually, subtly, waiting and wondering – just like Raintown, their debut, did 25 years ago. Then it eases into the melodic drive-pop that made the Glasgow band a household name. Produced by ex-Delgado Paul Savage (King Creosote, Admiral Fallow), The Hipsters feels nostalgic and resonant, from opening hymn ‘Here I Am In London Town’ to the chiming reflection of ‘Laura From Memory’ (a perfect DB album track, and that’s no faint praise: they frequently outshone the singles). Yet it breaks new ground: ‘Stars’ is a rush of celestial piano-rock; ‘Turn’ slowly flushes with covetous wrath; the harmonic echo-pop of ‘The Outsiders’ sounds like a wistful, joyous homecoming. Let’s welcome them back with open arms.

(The List)

The lead single and title track provides the promise of optimistic, sunlit, indie-flecked arrangements, which does follow through for the most part. The rhythmic thump of The Rest and That’s What We Can Do prove to be perfect examples.

Beyond that, The Hipsters does sway briefly into gentler terrain, the sinuous balladry of She’ll Understand complementing the more upbeat numbers effectually. The back-and-forth vocal play between Ricky Ross and Lorraine McIntosh is as congruent as ever – no huge surprise given they’re a married couple – acting as an unpremeditated reminder of the magic of their 1988 benchmark Real Gone Kid.

The Hipsters proves that Deacon Blue are showing their age, in the most positive way – their tightly-defined chemistry, accomplished storytelling and knack for melodies have been finely honed over the past 25 years. And while the title lends itself to all manner of trend-conscious pretension, there are no such gimmicks present.

Instruments win out against any threat of desk over-twiddling, not a million miles from the safer moments of Snow Patrol or latter-day Take That, and something which would translate agreeably to the live stage.

This isn’t a band attempting to recapture their halcyon days – Deacon Blue are doing what they’ve always been able to do with aplomb, atop some well-considered, refined and timely production. There’s no huge statement to be made, no desperate clawing for another shot – merely a legitimate love for what they do. And on The Hipsters, that’s made very evident indeed.

(BBC)

Comebacks, auf die die Welt gewartet hat, oder? (X)

EI8HT is a mature pop record and this will no doubt put off the ‘trendy’, whilst some people’s perception of Nik may be stuck in the 80s, Kershaw himself has long since unshackled himself from the trappings of the decade.  That is not to say that his sometimes quirky sound is lost, you need only listen to his ode to our addiction to  gadgets and gizmos, ‘Stuff’ or ‘Enjoy The Ride’ with the cheeky line ‘I hope you wear, your funky pants’ to find the ‘Kershaw’ sound is still firmly imbedded throughout.

‘These Tears’ kicks things off with just a hint of 80s synth magic to take the edge off a rueful chorus that has Nik declaring ‘these tears are all I have, all I have to remind me, these sweet tears are all I have’.  First single ‘The Sky’s The Limit’ is, on first listen, a gentle even slightly safe track, but the more you hear it the more the soaring melody washes over you and you can hear the master ‘pop’peteer at work.  It is no wonder everyone from Lulu to Let Loose have employed his services over the years

The album is well paced as whilst this is unashamedly a pop record and there are no dramatic surprises, the flow throughout means there is never a dip in quality and whether it is the gushing pop froth of ‘You’re The Best’ or the restrained splendour of ‘The Bell’ nothing feels forced or out of place.  Nik has far more than a few pretty tunes up his sleeve however and lyrically ‘EI8HT’ is bursting with tongue-in-cheek humour one minute and honest emotion the next.  Perhaps the most pedestrian track is ‘Rock Of Ages’ which is a little too by the numbers but it still has a chorus that is hard to ignore.

‘EI8HT’ marks the first studio album for six years but this time has clearly been well spent.  This is an album of instant pop hooks and slow burn beauty, a proper pop record from a proper pop star.  Hopefully this will mark the start of a new chapter and more albums will follow, now wouldn’t that be good…

(Tape To Tape)

Now in Ei8ht, Nik Kershaw takes the past, crumbles it into little pieces and remoulds his career to great effect whilst knowing that his loyal followers will get this new album and take it to their hearts.

Nik is joined on the album by the very able musicianship of Erik Rydningen on drums, Paul Geary on bass and the backing vocals of Chesney and Keely Hawkes. These vocalists and musicians add to some of the great work already laid down by Mr. Kershaw and on tracks such as The Sky’s The Limit, Bad Day You’re Having and Red Strand the session musicians enhance what is already excellent work.

Although the music of the 21st century could be considered slightly more sophisticated that the time from when Nik Kershaw first stormed the charts, he has however had the good fortune to release a few albums since 1999, this one is by far the best he has produced since his 1980’s heyday. The music and lyrics are near perfect and are some of his most poignant and touching in a 30 year career.

(Liverpool Student Media)

Nothing beats opening the album with an uplifting pop stomper, so that’s exactly what Nik does. ”These Tears” sets an incredible mood for the album, showing straight away what an amazing performer, lyricist and composer Kershaw is. Even though the full album is a pop album, it’s very much pop with a twist; The styles and influences baffle, confound and delight as he effortlessly jumps between genres. Take ”Red Strand” for example, which is a lovely folk pop ballad, and an absolute highlight of the album. There is something for everybody on this album. Not only will the album wow you away, it’s also the perfect reminder why Kershaw has been nominated for three Ivor Novello and four Brit Awards. Absolutely brilliant.

(Glopopmusic)