Platten vor Gericht

Laura Gibson - La Grande

2012-01-30T18:14:00.000+01:00

"Folk! Mehr Folk!", forderte ein Leser Ende des letzten Jahres.

Nachdem die ersten Januarwochen doch eher den Eindruck erweckten, wir wären hier bei Dreampop- oder Shoegazer-Platten vor Gericht und nachdem Volker schon schriftlich seinen Ausstieg aus "musikalischen Differenzen" formulierte, können First Aid Kit und nun Laura Gibson die Folk-Fraktion hoffentlich ein wenig beruhigen und besänftigen.

Laura Gibson, eine aus Portland stammende Singer/Songwriterin, wechselte für ihr drittes Album "La Grande", benannt nach einer Kleinstadt in Oregon, vom kleinen Indie-Label Hush Records zum etwas größeren Barsuk Records und zeigt sich als wahre Multi-Instrumentalistin (akustische und elektrische Gitarre, Bass, Percussion, Piano, Orgel, Vibraphon und Marimba). Dennoch fanden sich auch Joey Burns von Calexico und Mitglieder von The Dodos und The Decemberists im Studio als Helfer ein. Daher hören wir nicht, wie es das Plattencover zunächst vermuten lässt, spartanischen Folk zu Lagerfeuer-Romantik, sondern abwechslungsreich arrangierte Songs, die auch einmal das Tempo anziehen, die Rhythmik stark betonen und gelegentliche Schlenker in Richtung Jazz, Südstatten-Rock, Vaudeville oder Country & Western unternehmen.

Warum singt Laura Gibson nur die ganze Zeit in eine Gießkanne hinein?

Kein zartes Lämmchen möchte sie mehr sein, sondern eine Löwin, wie sie in der rustikalen Bossa-Nova-Variation „Lion/Lamb“ sogar ausdrücklich mitteilt. Das maunzt sie dem Geliebten allerdings so sanft ins Ohr, dass man ihr die Verwandlung in eine fauchende Raubkatze, die die Krallen ausfährt, doch nicht ganz abnimmt. Zwar schlägt Laura Gibson im Anschluss an den flotten Auftakt wieder leisere Töne an, etwa in dem verwunschenen „Skin, Warming Skin“ oder dem dünnhäutigen „Milk-Heavy, Pollen-Eyed“, das davon handelt, wie man immer wieder stolpernd und strauchelnd trotz aller Widrigkeiten zu einem geliebten Menschen zurückkehrt. Oft genug gelingt es ihr jedoch, dabei einen eigenwilligen Sound zu entwickeln, der sie etwas weg führt von den Konventionen des Alternative Folk. Sie traut sich, kann aber auch was. Ihr Album jedenfalls, das Stilelemente von Blues und Gospel aufgreift, lässt keine Sekunde lang die Zügel schleifen, bleibt stets hochkonzentriert, originell und spannend.
(faz.net)

Eher ist es die Produktion mit all den flirrenden Instrumenten, die sich um Gibsons charmante Stimme scharen, die wirklich wunderschön ist. Der Raum wird genutzt mit all der Kaminromantik und den Wohnküchengrundrissen. Für Gibson-Alben ist das Schlagzeug die Zukunft. Das hat den großen Wurf unterstützt. Munter gibt es Spielfreude vor, die Gibson nutzt, um sich noch mehr in ihre Songs zu legen. Flötengesäusel und Pedal-Steel-Pferdeäpfel sind nur kurze Wegbegleiter, doch immer wenn sie auftauchen wird Gibsons Musik zeitlos.

Gibson vertraut ihren Songs, die wie hingetupft wirken und doch bei näherer Betrachtung Kleinarbeit aufweisen können. Wirklich traumhaft arrangiert. Jedes Picking sitzt. Gibson hat es geschafft, ihre Stärken zu bündeln, etwas Wärme und Farbe in ihr Spiel zu lassen und das macht La Grande bemerkenswert. Die Stile werden miteinander verwoben, so dass ein kleines Ungetüm heranwächst, dass dieses Jahr wirklich auf die Country- und Folkprobe stellt. Da müssen die anderen Folkbarden und SingersongwriterInnen schon ganz tief in ihre Seelen horchen. La Grande ist schon eine 2 mit Sternchen.

Gibson wirft Holz nach, um den weiblichen Hintergrundchor Feuer unterm Arsch zu machen. Und dann gibt es noch Hawaii. Geh auf Entdeckungsreise! Es lohnt sich.
(jahrgangsgeraeusche.de)

Laura Gibson - La Grande by cityslang

Mint Julep - Save Your Season

2012-01-29T17:51:00.000+01:00

Würde man Platten nur nach dem Cover auswählen, dann müsste "Save Your Season" eigentlich in jedem Einkaufswagen liegen. Da aber auch der Inhalt zählt, sollten Freunde von Slowdive, Cocteau Twins, Lush oder Metric zu Mint Julep greifen.

2007 wurde die Band in Boston von dem Ehepaar Keith und Hollie Kenniff gegründet. 2008 veröffentlichte das mittlerweile in Portland lebende Paar das stark limitierte Album "Songs About Snow". Im August letzten Jahres folgte "Save Your Season", welches seit einigen Tagen auch regulär in Deutschland erhältlich ist, mit düsterem, von Hollies zarten und zierlichen Gesang veredelten und mit viel Hall und Synthie-Schwaden umgebenen Dreampop. Dieser bietet zudem gelegentliche Ausflügen in Richtung Ambient (dem eigentlich Metier von Keith Kenniff), Elektro (wenn Kraftwerk, New Order oder Junior Boys schön grüßen lassen) und Shoegaze (dann dürfen auch die Gitarren etwas dominanter werden).

Also das Musikjahr 2011 war bisher für jede Menge Enttäuschungen gut – eigentlich hat mich bisher kein Album rundum und komplett begeistern können. Das wird sich aber aller Voraussicht nach Ende November ändern, denn dann kommt «Save your season», das zweite Werk des Duos Mint Julep aus Portland. Legten die beiden 2008 schon ein sehr anständiges, vor allem verträumtes Shoegazealbum vor, scheinen sie sich nun selbst weit zu übertreffen. Jedenfalls legen die vier bisher vorab bekannt gewordenen Songs diesen Verdacht nahe. Eine gewisse Abkehr von den dreampoppigen Sounds ist unüberhörbar, nun wird mit deutlich mehr Schmackes nach vorne gespielt und auch verstärkt Elektronik eingesetzt.

Herausgekommen sind dabei so wunderbare Perlen wie «Why don’t we», das ich hiermit einfach mal zu meinem (vorläufigen?) Lieblingslied des Jahres küre. Wunderbarer Refrain, tolle Atmosphäre und ein mystisches Video, was will man mehr? Ja, wirklich, Mint Julep retten mir meine (Musik-)Saison.
(coast-is-clear)

Hier kann man sich das komplette Album anhören.

Lana Del Rey - Born To Die

2012-01-28T12:29:00.004+01:00

Lana Del Rey sorgte in den letzten Wochen und Monaten für reichlich Gesprächsstoff, der Hype dürfte sicherlich auch noch einige Zeit so weiter gehen und wenn im Dezember das Pop-Jahr 2012 reflektiert wird, so wird ihr Name auf keinen Fall fehlen. Wer außer der Single "Video Games" noch nichts von dieser Dame gehört hat, benötigt dringend einige Fakten oder Floskeln, um für den zukünftigen Pop-Smalltalk gerüstet zu sein und nicht wegen etwaiger Unwissenheit mit verblüfften Augen angesehen zu werden:

"Den Clip zu "Video Games" soll sie ja selbst an ihrem iPhone geschnitten haben."

"Sie heißt ja ursprünglich Lizzy Grant und war schon Monate vor ihrem Durchbruch als Singer/Songwriterin in New Yorker Clubs unterwegs."

"Es gab auch schon 2008 eine erste EP und 2010 ein Album, von dem niemand recht Notiz nahm und welches von ihrem Management wieder zurückgezogen wurde."

"Hübsche Frau - aber die Lippen sind doch wohl aufgespritzt, oder?"

"Während das Konzerttagebuch von ihren Live-Qualitäten begeistert ist (und nicht nur von diesen!) hat sie sich im US-Fernsehen wohl ziemlich blamiert."

"Der Stil- und Namenswandel ist doch nicht authentisch. Da steckt doch ihr Management dahinter! (...) Oder ihr Vater, der soll ja Millionär sein."

"Diese Lippen!"

"Born To Die" dürfte sicherlich zu den Alben 2012 zählen, die am heißesten erwartet wurden. Dabei konnte man, wenn man Augen und Ohren offen hielt, nicht nur die 3 vorab bekannten Songs "Video Games", "Blue Jeans" oder "Born To Die" hören, sondern noch einige andere, so dass die Platte nun nur noch mit relativ wenigen Überraschungen aufwartet. Genauer gesagt: mit relativ wenig positiven Überraschungen.

"Born To Die" spinnt die bombastisch orchestrierte Idee des Pop-Noir von "Video Games" geschickt weiter und klingt wie eine Mischung aus Madonnas "Frozen" und "The Power Of Goodbye". "Off To The Races" zeigt, dass Lana Del Rey nicht nur mit tiefer Stimme croonen kann (wie Cat Power), sondern auch in höheren Stimmlagen (Ähnlichkeiten zu Kylie Minogue oder Minnie Mouse) agieren und dadurch dem Album mehr Vielfalt verleihen kann. Ein sicherer Pop-Hit mit R'n'B-Appeal. Es folgen die tollen "Blue Jeans und "Video Games" bevor mit "Diet Mountain Dew" und seinen Hip Hop Beats ein weiterer bereits zuvor bekannter Song kommt.

Es folgen 7 weitere Titel, die zwar dem selben Schema (Retro-Bombast trifft minimale Beats) folgen, aber bei weitem nicht so überzeugen können: "Dark Paradise" und "Radio" sind seichte bis belanglose Popsongs, die auch von Britney Spears stammen könnte, "Carmen" ist ein aufgeblasener und schwülstiger Schmacht-Fetzen und "Million Dollar Man" klingt als wäre er bei einem James Bond-Soundtrack ausgemistet worden.

Die Deluxe Version des Albums kommt mit den verzichtbaren Bonus-Tracks "Without You", "Lolita" und "Lucky Ones".

LANA DEL REY - Born to die from Yoann Lemoine on Vimeo.

Die Songkollektion mit dem etwas zu marktschreierischen Titel Born To Die beendet den kurzen Siegeszug über die gerade gängigen Inszenierungen von Weiblichkeit im Pop mit einem Rutsch ins, sagen wir es doch, Normalmaß. Spielten der Charts-Hit „Video Games“ und „ Blue Jeans“, die beste Lee-Hazlewood-Ballade nach Lee Hazlewoods Tod, mit den großen Gefühlen aus der Ära der vordigitalen Unterhaltung, intoniert von einem gefallenen Retro-Girl, das sich vor der Welt mit seinen dunklen Geheimnissen zu entblättern wusste, geht der Rest des Albums einfach nur in Ordnung. Die Künstlerin ist erlöst vom frühen Hype, die Fans dürfen sich ihre Lana Del Rey jetzt eine Nummer kleiner malen: Sie muss sich mit den breiten Keyboardflächen der Ebenen abmühen, mit Tribal Beats, die aus dem Baukasten von ein paar Mainstreamproduzenten gekommen sind, die nichts Besseres zu tun haben, als Lana Del Reys exquisite Nancy-Sinatra-Stimme in einen Bombastpopkontext zu befördern („Off To The Races“ und „Dark Paradise“) oder gleich in den Dienst eines schlappen amerikanischen Mainstream-Radio-Songs („Summertime Sadness“). Es gibt diese Momente, in denen die Sängerin sich auf dem coolen Gitarrentwang der Rock’n’Roll-Gründerjahre mit der Eleganz einer Diva zu bewegen weiß, aber ohne das glamourös-heimelige Bilderwerk ihrer ersten beiden Songs verfliegt der Zauber des Morbiden und Mysteriösen sehr schnell. Lana Del Rey ist nach dem frühem Höhenflug wieder auf dem Boden gelandet. Nicht mehr und nicht weniger.
(musikexpress.de)

Youth Lagoon - The Year Of Hibernation

2012-01-26T14:41:00.001+01:00

Viele von uns, zumeist Freunde von Listen und Statistiken, übertragen die Daten ihrer gehörten Songs bei last.fm. Das tun bekanntlich noch viele andere Menschen und daher verwundert es nicht, dass last.fm nun die Hörgewohnheiten des letzten Jahres in einigen amüsanten Statistiken erfasst. Leider fehlt eine Auflistung der beliebtesten Platten, aber ein Blick auf die Künstler mit den meisten Hörern (Adele vor Lady Gaga und Foster The People) lässt auch Schlussfolgerungen zu.

Das "Jahr in Musik" zeigt graphisch, welche Auswirkungen zum Beispiel der Tod von Amy Winehouse auf die Hörgewohnheiten der Scrobbler hatte. Sehr amüsant, also die Grafiken und nicht ihr Tod.

Kurios ist die Liste der Neuentdeckungen: Denn dort führt vor dem "neuen" Künstler Noel Gallagher's High Flying Birds und der armen / unsäglichen Rebecca Black eine Band namens Youth Lagoon.

Hinter Youth Lagoon verbirgt sich der 22jährige Trevor Powers aus San Diego, Kalifornien. "The Year Of Hibernation" wurde über Fat Possum Records im September veröffentlicht und war einige Monate später auch in Deutschland erhältlich. Passend zum Albumtitel sind wir aber erst jetzt erwacht und begrüßen "Das Jahr des Winterschlafs" eben 2012.

Der verhaltene / verhallte / verzerrte Gesang von Powers mag vielleicht beim Hören weder einem weiblichen, noch einem männlichen Ursprung eindeutig zugeordnet werden. Die Platte liefert in etwas mehr als einer halben Stunde 8 schön traurige, verträumte / einlullende Lieder, die mit dem Stempel "Dreampop" oder "Chillwave" versehen werden dürfen. Mehr geboten bekommt man beim Kauf des Vinyl: Neben dem Download-Code ist eine Single mit zwei Bonus-Tracks ("Bobby" und "Ghost To Me") beigefügt, die sich nahtlos in den Klang und das Niveau des Albums einfügen.

Youth Lagoon - July from Tyler T Williams on Vimeo.

Zu hören bekam man melancholischen Indie-Pop, bei dem Sänger Trevor Power aus der Ferne singt, um seinen zerbrechlichen Stimmklang möglichst bescheiden auf einen Lo-Fi-Sound zu betten. Einen Sound, der mal verschwommen, mal klar und mal kraftvoll elektrisierend ist.

Youth Lagoon holt den Hörer aus dem Einschlafmodus im Schlafzimmer und führt ihn dann zum Küchenfenster, das einen bewölkten Sternenhimmel rahmt. Dann befiehlt er einen "Year of Hibernation"-langen Blick in die Ferne und lässt den Hörer dann ganz beruhigt schlafen gehen...
(musikexpress.de)

Youth Lagoon - Montana from Tyler T Williams on Vimeo.

Erst nach mehrmaligem Hören erschließt sich einem die düstere Ebene dieses Albums. Zunächst bleibt einem der in Zuckerwatte gebettete Lo-Fi-Sound im Ohr kleben, doch keine Angst: Medizinische Tests belegen, dass im Gehörgang keine Kariesgefahr droht. Besonders nicht bei diesen Melodien, die zwar zuckersüß daherkommen, aber dennoch gewisse Spannungsbögen wie in "July" aufweisen. Genau im richtigen Moment setzen die elektronischen Drums ein, um dem weichgezeichneten Gesamtbild zumindest ein paar Konturen zu verleihen.

Oftmals schleicht sich das Gefühl ein, als blättere man durch vergilbte Fotoalben. Vor allem Songs wie "Posters" und "Seventeen" sind von einer solchen Nostalgie durchzogen, dass man denkt, Powers' Kindheit sei bereits etliche Jahrzehnte her. Dabei ist der Mann gerade mal 22 Jahre alt. Noch so jung, doch so gut. Ein Mario Götze des Dream Pop, der mit androgynem Gesang und Textzeilen wie "Don't stop imagining / The day that you do / Is the day that you die" zu begeistern weiß.
(plattentests.de)

Youth Lagoon auf Tournee:

24.02.12 Köln, Gebäude 9

28.02.12 München, 59:1

29.02.12 Berlin, Postbahnhof

04.03.12 Hamburg, Molotow

Vierkanttretlager - Die Natur greift an

2012-01-26T12:05:00.001+01:00

"Man merkt, dass man altert". Vermutlich sagte Volker diesen Satz zuletzt Anfang dieser Woche, als er mal wieder sein Wiegenfest feierte. Wenn man Volker kennt, weiß man, dass er schon vor über zwanzig Jahren nicht so gerne diesen Tag beging, an dem er schon wieder ein Jahr älter wurde. Vor über zwanzig Jahren? Man merkt, dass man altert.

"Man merkt, dass man altert". Wenn man den ersten Song "Drei Mühlen" des Debüt-Albums der vier sympathischen Husumer namens Vierkanttretlager hört, fühlt man sich in die Mitte der 1990er Jahre zurück versetzt. Auf dem Teppichboden sitzend ein Mix-Tape zusammenstellend. Und endlich ist da der Song, den man suchte, der noch zwischen Die Sterne und Blumfeld passt. …man merkt, dass man altert.

"Man merkt, dass man altert", sagt der Sänger Max Richard Leßmann. "Wir sind jetzt 20, haben Abi gemacht und sind mit dem entsprechenden Wissen ausgestattet. Aber man fragt sich, wie viel man wirklich von dem, was man gelernt hat, braucht, um sich dann von den ganzen Dingen freizumachen." Es gehe ihm nämlich nicht darum, dem Leben einen Sinn zu geben, sondern die Dinge auf sich zukommen zu lassen, so dass das Leben einem irgendwann einen Sinn gibt. "Das Album ist ein Plädoyer dafür, die Dinge einfach passieren zu lassen." Im "Le Châtelet" in Hamburg-Altona nahmen Vierkanttretlager gemeinsam mit dem Produzenten Gregor Henning (Die Sterne, Bernd Begemann) "Die Natur greift an" auf. Ein gesprochenes Stück und elf Songs, die klingen, als habe man die Hamburger Schule ihrer Überintellektualität beraubt und sich gleichzeitig musikalisch von den Indie-Rockbands der zweiten Generation emanzipiert. (rollingstone.de)

In der Tat hört man der Platte nicht an, dass die Jungs von Vierkanttretlager gerade erst geboren wurden, als Volker seinen Alterungsprozess einstellen wollte. Sowohl musikalisch als auch textlich klingt das alles sehr erwachsen. Kein Wunder, wenn man Sven Regener oder Markus Berges zu wichtigen Einflüssen zählt:

[Wir] haben uns schon früh, als wir begannen Musik zu machen, viel mit deutschsprachigen Künstlern wie Element of Crime oder Erdmöbel beschäftigt und das hat halt auf die eigenen Songs abgefärbt. (alternativmusik.de)

Wer sich davon überzeugen möchte, hier die Tourdaten…

26.01.2012 Berlin, Anker Klause
27.01.2012 Hamburg, Pony Bar
01.02.2012 Köln, Stereo Wonderland
02.02.2012 Bremen, MS Treue
03.02.2012 Husum, Speicher

…und wer es nicht zu einem Konzert schafft, hier das komplette Album im Stream.

VKTL by vierkanttretlager

First Aid Kit - The Lion's Roar

2012-01-24T19:33:00.002+01:00

"I’ll be your Emmylou and I’ll be your June

And you’ll be my Graham and my Johnny too.

No, I’m not asking much of you

Just sing little darling, sing with me."

So lautet der Refrain von "Emmylou", der zweiten Single aus "The Lion's Roar". Und so ließen sich auch sehr schön die musikalischen Referenzen für das zweite Album von First Aid Kit umschreiben.

Irgendwo zwischen Emmylou Harris und Gram Parsons bzw. Johnny Cash und June Carter Cash suchen Johanna und Klara Söderberg nach ihrer ganz persönlichen Mischung aus Folk, Country und Singer/Songwriter-Pop. Da bleibt es selbstverständlich nicht aus, dass sich Fans von Truck Stop, vorausgesetzt sie würden jemals auf die beiden Schwedinnen aufmerksam, über den Einsatz der Pedal Steel Guitar freuen könnten. Und Anhängern der Dixie Chicks würden der mitunter leicht jodelnde Harmoniegesang sicherlich nicht unangenehm auffallen.

Ich käme nie in den Verdacht einer der beiden Gruppierungen zugerechnet werden zu müssen und Country komme ich keinen Schritt näher als absolut nötig. Selbst den Ausflügen Richtung Nashville der von mir sehr geschätzten Bright Eyes konnte ich gerade eben noch folgen - warum sollte ich mich also für das neue Album der Söderberg-Schwestern erwärmen?

Vielleicht, weil "The Lion's Roar" unter Mithilfe von Mike Mogis entstand, Conor Oberst und (Volker wird es freuen) The Felice Brothers mit musizieren, Glockenspiel zu hören ist und einige tolle Songs auf der Platte zu finden sind. Country hin, Nashville her.

"The Big Black & The Blue", das erste Album von First Aid Kit, wurde hier größtenteils übersehen und kam letztendlich nur auf einen Durchschnitt von 6,25 Punkte. "The Lion's Roar" wird sicherlich mehr Anklang und höhere Bewertungen finden.

First Aid Kit / Emmylou from Wes Olson on Vimeo.

Natürlich wirkt das ganze Gerüst etwas altbacken, doch die lupenreine Produktion mit den urtypischsten Instrumenten, die über Berg und Tal reiten, lässt einen wohlig erzittern. Die Stimmen der beiden Schwestern sind jung, dynamisch und doch voller Brüche. Traurigkeit durchströmt die dicken Wollpullover. Sie meinen es ernst. Sie machen nicht auf Freakfolk, benötigen keine Nerdbrillen und schrullige Hampelleien. Traumwandlerische Melodien, die natürlich nie Töne in Erwägung ziehen, die es nicht schon mal gegeben hätte, versetzen die Girls fast in Trance. Da gibt es nur ein Mittel, um dagegen anzuspielen. Ein Glockenspiel. Das Glockenspielgeklimper weckt die Mädchen, da tröpfelt fast ein wenig Pop in den Poncho. Immer dann wird es interessant, wenn man spürt, dass man auch etwas anderes versuchen könnte.
(jahrgangsgeraeusche.de)

The echo of pedal steel and mariachi horns on King of the World is a far cry from First Aid Kit's cover of Fleet Foxes’ Tiger Mountain Peasant Song, which first appeared on YouTube in 2008. The full band which appears on The Lion's Roar enjoys the rare achievement of being saccharine-free, and serves to highlight the sisters' brilliant captured-on-tape chemistry.
As consolation anthems go, it's difficult to imagine anyone topping this collection in 2012. Sat neatly between Laura Marling's trauma, Alessi's Ark's florid scenes and Joni Mitchell's spot-lit thoughts, First Aid Kit's second album lines them up as the band most likely to cross over into the big time.
(bbc.co.uk)

First Aid Kit - The Lion's Roar from Wichita Recordings on Vimeo.

The Maccabees - Given To The Wild

2012-01-22T18:05:00.002+01:00

Die englische Band wurde 2004 gegründet und schon mit dem Debütalbum "Colour it in" so auffällig, dass sich PvG mit ihr befassen durfte. Das stärkere Zweitwerk "Wall of arms" schaffte es auch aufgrund des Hits "No kind words" gar auf Platz 17 der Jahrescharts 2009. Einige Richter hoben die Live-Qualitäten der Band besonders hervor. Auf Tour waren The Maccabees u. a. mit den Editors und ich meine die eine oder andere Anlehnung an die Band auf dem aktuellen Album “Given to the wild” herauszuhören. Wesentlich auffälliger sind allerdings Coldplay-Momente. Dieser Sachverhalt wird von Kritikern sehr verschieden aufgenommen. Während Plattentests.de recht angetan ist

Die Brightoner zeigen auf "Given to the wild" neue Leidenschaften für langgezogene Klangwolken und wellenförmige Harmonieverläufe, die sich prächtig mit den vertraut zackigen Wave-Gitarren-Achteln verstehen.[...] Aus inspiriertem Handwerk der Einzelsongs wird entsteht auf "Given to the wild" eine kunstvolle Gesamtinszenierung. Komplexe Rhythmen treffen auf schwellende Synthetik, Orlando Weeks' Falsett tröstet mit warmen Songs.

nimmt auch der Guardian eine musikalische Entwicklung wahr, ist aber von dieser enttäuscht

In the event, Given to the Wild finds the Maccabees fully embracing a new, expansive sound, one more mature than their previous efforts; an anthemic sound that has virtually nothing of Tim Goldsworthy's punk-funk or electronica about it; a finely wrought, grown-up, epic, emotional sound that can only be described as… the sound of Coldplay.[…] In musical recession, it seems the lot of a decent British guitar band is to ape copper-bottomed money-spinners Coldplay. At least, you reflect, they didn't try to become Kasabian

Die Nähe zu Coldplay lässt sich nicht leugnen, aber sowohl Pathos als auch Komplettausfälle finden nicht statt. Ich finde es bemerkenswert, dass die Maccabees bislang mit jedem Album eine eindeutige Färbung geben, die Richtung aber jeweils ändern. Vor allem der starke Song “Forever I’ve known” lässt mich “Given to the wild” als einen guten Start ins musikalische Jahr 2012 wahrnehmen und schürt die Vorfreude auf weitere interessante Alben der Band.

Das Video zu “Feel to follow”:

Howler - America Give Up

2012-01-21T18:00:00.001+01:00

Die zweite Band, die der NME diese Woche pusht, ist ein Quintett aus Minneapolis, USA, das sich Howler nennt.

Jordan Gatesmith (Gesang, Gitarre), Brent Mayes (Drums), Ian Nygaard (Gitarre), Max Petrek (Keyboards) und France Camp (Bass) sind Anfang 20, und eine EP ("This One's Different") reichte dem NME bereits letztes Jahr aus, um sie auf Rang 3 ihrer "Best New Band 2011" Liste zu führen. Tribes landeten hier hingegen nur auf Platz 11.

"America Give Up" wird über Rough Trade vertrieben und bietet typisch amerikanischen, ungeschliffenen Indierock zwischen Garage und Strand, zwischen Ramones ("This One's Different"), Hüsker Dü ("Beach Sluts"), The Jesus & Mary Chain ("Back To The Grave") und The Strokes (eigentlich alle Songs). "Is This It" haben Howler sicherlich reichlich studiert, die Gitarren quengeln eben so gut wie bei den New Yorkern und auch die Röhrenjeans und Converse passen perfekt. Dazu ahmt Gatesmiths Gesang den von Julian Casablancas in allen Facetten vom locker hin gerotzten Vernuscheln bis zum röhrenden Schreien ziemlich nach. Und obwohl alle hier verwendeten Zutaten altbekannt und bewährt sind, klingt "America Give Up" frisch, aufregend und ungestüm. Würde die Platte mehr herausstechende Einzelsongs haben, hätte der NME Howler sicherlich wieder direkt zu besten und coolsten Band der Stunde erhoben.

Diese Woche konnte man dem NME vertrauen: Believe the hypes!

Howler: "Back of Your Neck" from Spunk Design Machine on Vimeo.

Dem NME ist das Debütalbum von Howler 8 Punkte wert:

Those who get it will get it, and they now can enjoy the band without an endless stream of idiots – spying the Converse and the fact they’re on Rough Trade – writing Howler off as being derivative or quite a lot like The Strokes. True or not, the story about how Rough Trade got on a plane to Howler’s native Minneapolis the minute they heard the demos is a fantastic one. That’s exactly how the rock’n’roll business should be done.

As Howler themselves put it on the title track of ‘This One’s Different’: “When the feeling is there, then it’s there”. You should just know. And, given a singer who is so obviously a star, plus a debut album called ‘America Give Up’ whose artwork rips off a Lucky Strike cig packet and which opens with a song called ‘Beach Sluts’ that sounds like The Modern Lovers and peaks with such a joyous, sped-up ending, how can you not? Just in case: there’s another called ‘Wailing (Making Out)’ that features the lines “I wanna get dressed, make a scene” and then “I wanna girl and a new car/I need a drink and a guitar”.

In mid-November, Howler promised to make “a dirty rock’n’roll” album, which is exactly what they’ve done, without any fluff. All 11 songs are full of energy, wit, fun, fuzz, fizz, sugar, spice and all things nice. The two songs from ‘This One’s Different’ (the title track and the still glorious ‘I Told You Once’) have been re-recorded and made even more high-octane; there’s another superlative pop song, complete with “woo-woo-woo-woooo”s, in the shape of ‘Back Of Your Neck’. ‘Back To The Grave’ swaggers rather than skips, propelled by deliciously sludgy guitars. There are ‘Too Much Blood’ and ‘Free Drunk’, which demonstrate that Howler can do romantic slowies. ‘Black Lagoon’ finds Jordan spelling out the title, but doing it as “B-L-A-C-K-L-A-G Oooooooh... Oooooooh... N!”

Hell, they’ve even managed to write a song called ‘America’ and not make it a load of self-righteous, preachy shit. Which, to my knowledge, is a first. ‘America Give Up’ is, quite simply, an effortlessly brilliant debut. Maybe it isn’t the wider world’s time to fall in love with a straight-up guitar band, but I couldn’t give a monkey’s, and neither should you.

Howler spielen am 11. Februar 2012 ihr einziges Deutschlandkonzert in Berlin (Comet Club).

Tribes - Baby

2012-01-20T18:00:00.000+01:00

Das Jahr ist noch nicht besonders alt und schon beginnt der NME die ersten neuen Bands zu hypen. In der aktuellen Ausgabe des Magazins sind es gleich deren zwei.

Tribes sind ein Quartett aus Camden und so stehen sie in ihrem ersten Video zu "We Were Children" (das klingt, als coverten Suede "Where Is My Mind?") auch gleich auf einem Hausdach in London, geben ein Konzert und lassen sich dabei filmen. Diese Idee ist nicht neu, ihre Musik auch nicht.

TribesHD We Were Children from Mickey Voak on Vimeo.

Auf "Baby", dem bereits zwei EPs und zwei Singles vorausgingen, präsentieren Johnny Lloyd (Gesang, Gitarre), Dan White (Gitarre), Jim Cratchley (Bass) und Miguel Demelo (Drums) einen Mix aus klassischem Britpop (Razorlight, The Libertines, Suede, Manic Street Preachers), Glam Rock (T Rex, Mott The Hoople) und Grunge (Pixies, Nirvana).

Verbesserungspotential besteht definitiv hinsichtlich Plattentitel, -cover und Styling, jedoch ist die Musik der Tribes deutlich besser als es das Äußere vermuten lässt.

Tribes Sappho from Mickey Voak on Vimeo.

Dem NME ist das Debütalbum von Tribes 9 Punkte wert:

Grime versus glam. Grunge against gloss. A perfect ‘Aladdin Sane’ flashbolt smeared with grisly Pixies gore. Pulp’s shiniest synth hits dipped in diesel. Dissect Tribes’ filthy/sweet dichotomy – that delicious clash of bright melody and dank garage noise – whichever way you like, it’s as ravishing as a pack of supermodel she-wolves. (...)

f anything Tribes try to out-grunge Pixies, which is why the anthemic ‘We Were Children’ feels like being sucked into a supermassive black hole at the centre of ‘Where Is My Mind?’. But the archaic Yankisms are offset by Johnny Lloyd’s Ziggy Stardust bawl and the scarf-rocking refrain of “We were children in the mid-’90s”, an era so synonymous with Britpop, lad culture, ‘Three Lions’ and lagery nationalism that the gravelly choir chanting the chorus drenches the song in all the glory and grace of This Is England ’94. Even though, for Tribes at the time, it was less ‘Cigarettes & Alcohol’, more Scalextric and Calpol.

Yet just there is the other dichotomy that adds depth and dynamic to ‘Baby’. Tribes are not just filth versus flash, they’re innocence versus experience. A reflective Killers epic such as ‘Corner Of An English Field’, with its suggestions of a lonely war vet reminiscing over his carefree youth, rubs up against the fleeting teenage kicks of ‘Halfway Home’. A luscious ‘Starman’ lullaby to a broken drunk driving to oblivion through a godless universe, ‘Nightdriving’, gives way to the brilliantly vivacious ‘When My Day Comes’, a gleeful gawp at The Future that is essentially a rampaging street gang made up of Bowie, The Jam, The Boo Radleys, ‘River Euphrates’, The Undertones and ‘When You Were Young’.

It’s about making the familiar sound fresh, the weary wonderful. Tribes peer out at Britain – its lawless youth and its hopeless adulthoods – and rouse it to former glories. Not least with its newer, more ponderous tracks. A spectacular pop tune named after an ancient Greek poet about a mum absconding from her family for a new life of labial adventure was always going to be the lynchpin of ‘Baby’, but even ‘Sappho’ is over-shadowed by the stratospheric Black Mountain stomp and bluster of ‘Himalaya’, the Beatledelic ballad ‘Bad Apple’ or the psych-country wonder ‘Alone Or With Friends’, a carnival funeral march in which the hearse lifts off like halfway through Chitty Chitty Bang Bang.

It’s this added meat and might that makes ‘Baby’ not only an early contender for album of 2012 but a formidable salvo in the guitar rock fightback, packing the power punch of prime Oasis, the pop preen of peak Suede and the sweet serrations of ‘Surfer Rosa’. Congratulations, Tribes, it’s a monster.

Und eine ausführliche Song-by-Song -Vorstellung gibt es obendrein.

TribesHD When My Day Comes from Mickey Voak on Vimeo.

Tribes spielen am 01. März 2012 ihr einziges Deutschlandkonzert in Berlin (Privat Club).

Einar Stray - Chiaroscuro

2012-01-19T13:35:00.003+01:00

Nachdem ich tollkühnerweise erst letztes Jahr das bereits 2010 erschienene Album 'Floriography' des norwegischen Lockenkopfs Moddi an dieser Stelle vorstellte, bin ich mit der Vorstellung des Albums 'Chiaroscuro' seines Landsmannes Einar Stray ausnahmsweise mal pünktlich zur (Deutschland-) Veröffentlichung am Start.

Nicht nur Landsmänner, sondern auch Kollaborateure: Einar Stray begleitet Moddi sowohl bei seinen Live-Auftritten als auch auf dessen Album am Klavier, im Gegenzug musiziert Moddi in Einars Live-Band und entwarf das Cover für 'Chiaroscuro'. Und ihre Musik? Da haben sie zwar einiges gemeinsam, eine gewisse skandinavische Schwermut liegt beiden nicht fern, aber wo Pål Moddi Knutsen größtenteils behutsam und sachte vorgeht und nur ab und zu mal ausbricht, glänzt Herr Stray mit üppiger Instrumentierung.

Stray greift auf sein perlendes Klavierspiel, Bläsersätze, Chöre, Streicher, Gitarren und ein rhythmisches Arsenal des Bunten zurück, eine Melodie jagt die nächste, überraschende Brüche, die den extrovertierteren Songs neue Wendungen geben inklusive. Aber da ist noch eine introvertiertere Seite, die mit den Mitteln des wallenden, sich aus der Stille erhebenden Postrocks hantiert und auch mal rein instrumental dem Peak in Gestalt eines Lärmausbruchs entgegensteuert, um dann im Schnee zu versinken. (flight 13)

Einar Stray - Yr Heart Isn't A Heart from Sinnbus on Vimeo.

Daneben möchte man allerdings immer wieder Post Rock-Bands wie Mogwai oder Explosions In The Sky als Einfluss erkennen, so etwa wenn im einleitenden Titeltrack oder bei „We Were The Core Seeds" mit dem Lautstärkepegel gespielt wird und sich mitunter meterhohe Gitarrenwände auftürmen. Dieses Album klingt vielschichtig und opulent, ohne es dabei zu übertreiben. Chorgesang, Streicher und zahlreiche Blasinstrumente sind genau richtig platziert und machen „Chiaroscuro" zu einem raumfüllenden Erlebnis. (crazewire)

Einar Stray - Arrows (acoustic) from Sinnbus on Vimeo.

Hier kann man das komplette Album streamen.

The Big Pink - Future This

2012-01-18T18:49:00.002+01:00

Das Album wird auf 4AD veröffentlicht, der Produzent ist Paul Epworth (Bloc Party, Maximo Park, Primal Scream), der Vorgänger "A Brief History Of Love" landete 2009 auf Platz 11 bei Platten vor Gericht und warf mit "Dominos" oder "Velvet" gleich mehrere tolle Singles ab - und trotz dieser guten Voraussetzungen kann mich das zweite Album von The Big Pink bisher nicht überzeugen.

Robbie Furze und Milo Cordell verbinden erneut elektronische Beats, dezenten Noise, melodiösen Shoegaze, sampeln was das Zeug hält - klingen dabei jedoch viel zu bemüht und zu sehr nach Retorte. Hier werden mal My Bloody Valentine zitiert und dort denkt man eher an U2 in ihrer Experimentierphase. An anderer Stelle wird der Klang von Dave Fridman und The Flaming Lips versucht nachzustellen und zwischendurch wird sich immer wieder an aktuelle Hip Hop Rhythmen angelehnt. Doch der Funke springt einfach nicht über und bis auf die beiden ersten Songs "Stay Gold" und "Hit The Ground (Superman)" rauschen die weiteren Titel an einem vorbei.

"Future This" ist hoffentlich nicht zukunftsweisend für The Big Pink.

The Big Pink - Hit The Ground from vwf on Vimeo.

Dass die neuen Songs von Big Pink aus Beats und Samples gebaut wurden, bevor man sie mit Gitarren und Gesang und Keyboards bis zum Rand auffüllte, ist Future This kaum anzuhören. Ja, auf herkömmliche Drums wurde bei der Produktion ganz und gar verzichtet. Am Ende haben sich die beiden Briten mit ihren zehn Songs aber weder aus den Texturen noch aus den Strukturen des Indie-Rock Bauart Late Eighties verabschiedet. The Big Pink setzen Elektronik als Zierleisten ein, mehr nicht. Songs wie „Hit The Ground (Superman)“ und „The Palace So Cool“ besitzen etwas unverschämt Hymnisches, sie baden im Glück der vielen Chor stimmen, der sich auftürmenden Gitarrenschleifen; damit überschreiten The Big Pink aber immer nur knapp die Grenze der Coolness, die mehr Distanz, mehr Sophistication, vielleicht mehr Raffinesse verlangen würde. Robbie Furze singt davon, wie es ist, ganz oben angekommen zu sein, mit der Angst im Nacken, wieder ganz nach unten zu fallen. Seine Stimme, die ein paar Sekunden zu lang im Hall verbleibt und die großen Hooks mit hellen Klanglinien überfährt, markiert den Beginn einer Entwicklung: weg von der reinen Lehre des Shoegazing, angezogen von den wilden Geistern des Stadionrock, den sich U2 auf ihre Fahnen geschrieben haben.
(musikexpress.de)

Diagrams - Black Light

2012-01-14T10:46:00.004+01:00

Sam Genders musizierte einstmals bei Tunng, erreichte mit deren "Comments Of The Inner Chorus" 2006 den ersten Platz bei Platten vor Gericht, verließ die Band aber vor einigen Jahren und prompt konnte deren letztes Album "...And Then We Saw Land" nicht mehr vollkommen überzeugenden.

Er ließ von der Musik in den kommenden Jahren ab, arbeitete wieder in seinem früheren Beruf als Lehrer, denn irgendwo her muss das Geld schließlich kommen. Erst in den letzten beiden Jahren nutzte er die Zeit nach der Schule (und dem benötigten Mittagsschläfchen, den zahlreichen Korrekturen und der Unterrichtsvorbereitung), um gemeinsam mit dem Produzenten Mark Brydon (Moloko) und zahlreichen Freunden das Debütalbum von Diagrams einzuspielen.

Sam Genders' warme Stimme lässt natürlich vom ersten Ton an Tunng denken, und auch musikalisch ist er nicht so weit vom Folktronic seiner früheren Kollegen rund um Mike Lindsay entfernt. Die Akzente sind jedoch leicht Richtung vielschichtiger, jedoch synthetischer Klänge verschoben und die Grooves dürfen gelegentlich funky und die Bläser jazzig sein.

"Black Light" ist ein ruhiges, entspanntes und psychedeliches Folk-Pop-Album geworden, das mich häufig an die letztjährigen Alben von Gruff Rhys und Elbow erinnert. Und das sind schließlich nicht die schlechtesten Referenzen.

Ein gelungener Einstand für Diagrams und das Musikjahr 2012 mit der ersten tatsächlichen Platte dieses Jahrgangs.

Diagrams - Night All Night from verstaerker on Vimeo.

Da ist zwar Folk ebenso wie eine große Kugel Pop drin, aber eigentlich ist es viel zu verwoben und verschachtelt hierfür. Folk-Pop versetzt mit psychodelischen Momenten. Einfühlsam aber auch fordernd. Und doch ist es so eingängig, dass man das Album kaum aus dem Player bekommt. „Black Light“ entfaltet gelinde gesagt eine fast schon hypnotisierende Wirkung. Dies liegt zum einen an den schon beschriebenen Merkmalen Genders: der Stimme und dem Songwriting. Aber auch die Umsetzung tut einiges hierfür. An den richtigen Stellen sind Bläser zu vernehmen, dann wieder Streichinstrumente und wenn es sein darf ist die Gitarre auch am werkeln. Oder die von ihm aus früheren Zeiten bekannten elektronischen Zutaten. Immer stets an den richtigen Punkten untergebracht und genaustens dosiert. Dies zusammengesetzt mit diesen funkig und groovig überzogenen Melodien… Fertig ist ein Klasse-Album zwischen Sufjan Stevens, Hot Chip, Metronomy und dem guten alten Peter Gabriel, welches ein Lächeln beim Hörer hervorrufen wird und die trübe Jahreszeit in den Hintergrund drängt. Ein Album, bei welchem das Herz aufblüht!
(hurricanebar.de)

Diagrams - Tall Buildings from verstaerker on Vimeo.

Pallers - The Sea Of Memories

2012-01-12T18:41:00.002+01:00

Wie viele Stunden mag wohl der Tag von Johan Angergård haben? Denn neben seiner Arbeit beim Labrador Label betreibt er noch die Bands The Legends, Acid House Kings, Club 8 und seit Kurzem auch noch Pallers.

Gemeinsam mit Henrik Mårtensson, mit dem er in dem den Bandnamen stiftenden Örtchen Pallers aufwuchs, erforscht er Elektro-Pop-Gefilde und durchstreift Ambient- und Dreampop-Landschaften. Das passt einerseits stilistisch bestens zu den zuvor vorgestellten Alben von Korallreven und The Embassy, andererseits erweitert dies zudem Angergårds Aktionsradius und man darf gespannt sein, in welchen musikalischen Gewässern er sich mit dem kommenden Album oder gar der nächsten Band tümmelt.

Hier kann man sich die 10 Songs von "The Sea Of Memories" anhören.

Taking aim at a three-dimensional sound on their debut and nailing it, Pallers have managed to create an ambient dreamscape at once nocturnal yet luminescent and futuristic yet anciently mystical. With serene beats, warm vocals and iridescent synths, the single Come Rain, Come Sunshine foreshadows a debut well worth the wait.
(myoldkentuckyblog.com)

(...) the two make new wave pop that’s similar to other duos, including Erasure, Pet Shop Boys, and The Postal Service. That said, the music found on The Sea of Memories doesn’t sound too terribly different from Angergård’s other current projects. The music is club music, but it’s a rather dour club that would provide their clubbers with the lovely but melancholy “Another Heaven,” “Years Go, Days Pass,” or “Wicked.” Furthermore, “Come Rain, Come Sunshine” is perhaps this year’s most perfectly perfect pop song; beats that enrapture and get your feet moving are enhanced by Angergård’s sad crooning. Still, in spite of the clouds, The Sea of Memories, there’s plenty to enjoy; after all, a cloudy day can still be a beautiful day.
(bigtakeover.com)

The Sea of Memories is largely characterized by bright, subtle synthetics and the duo’s soothing vocals--better fit for soundtracking summer roadtrips than inspiring navel-gazing. It’s easy to see where atmospherics influenced Pallers’ songwriting, but their work--although pleasant--is far from genre-defining.

That’s probably why some of the most successful songs on The Sea of Memories are those that maintain a pop feel. “Come Rain, Come Sunshine” (the album’s first single), “Humdrum” and “The Kiss” are full of buoyant synth leads and dancey beats, the latter featuring some truly catchy oriental chord progressions. Pallers demonstrate equal finesse with their down-tempo tracks. “Wired” flows along serenely, backed by robo-angelic harmonies, while “Nights” closes the album with somber elegance, wistful vocals and dreamy piano keys.

The Sea of Memories is completed by a couple of redundant instrumental tracks (“Tropical Fishbowl”, “Sound of Silence”) and a club-worthy misfire. “Wicked,” the only song on the album to guest-feature female vocals, is a little too house-synthy for its own good. It breaks the spell of an otherwise enjoyable first outing.

Genre-bending isn’t necessarily a bad thing, but Pallers could probably benefit from playing extremes. With atmospherics lacking organic undertones and thin, slow electropop lacking real exuberance, it might be helpful for the duo to push their aesthetic limits. The Sea of Memories isn’t without its gems; they just need a little extra polish.
(inyourspeakers.com)

The Embassy - Life In The Trenches

2012-01-11T21:03:00.002+01:00

Fredrik Lindon (Gesang, Gitarre) und Torbjörn Håkansson (Synthies, Programmierung) betreiben seit 10 Jahren das Göteborger Duo The Embassy. Zum Jubiläum schenken sie sich und uns mit "Life In The Trenches: The Other Side Of 2001-2011" eine Zusammenstellung von Singles, raren und bisher unveröffentlichten Songs.

Zuvor erschienen von den Beiden mit "Futile Crimes" (2002) und "Tacking" (2005) zwei Alben und zwischendurch einige Singles ("State'08" und "You Tend To Forget"), die sich nun auf dieser Compilation wiederfinden. Diese mag zunächst eben so kunterbunt zusammengewürfelt wirken wie das Plattencover von Linnea Rygaard, jedoch eröffnen sich dem Betrachter der Gemälde der schwedischen Künstlerin schnell räumliche Tiefen und erlebt der Hörer von "Life In The Trenches" die Platte zunehmend als stimmiges Ganzes.

"Life In Trenches" kann als CD und LP (auf 500 Exemplare limitiertes grünes Vinyl) hier für 11,- bzw. 16,- Euro bezogen werden und liefert stilsicheren, melodisch-soften Pop, dem sowohl ähnlich klingende schwedische (Air France, Tough Alliance, Jens Lekman, The Radio Dept.) als auch englische Künstler (New Order, Field Mice, Saint Etienne) zugeordnet werden können.

<a href="http://embarrassing.bandcamp.com/album/life-in-the-trenches">Life In The Trenches by The Embassy</a>

Album opener and previous single “You Tend to Forget” shares a consistency seen throughout much of The Embassy’s small discography. Breathy female moans and a favoritism of African sounds are unlikely elements of a catchy pop song, but complement each other graciously, setting a unique tone to the album.

Following tracks key in on sensibilities that most fans of Jens Lekman or Studio will find familiar. Bouncy bass lines and crystalline synths are mixed with a lo-fi production that adds character rather than acting as a cliché.

Life in the Trenches achieves what other compilations can only attempt to do. It’s cohesive enough to stand alone, while simultaneously fitting in with The Embassy’s previous work like a piece to a pop-puzzle. By providing outstanding gems of overlooked tracks, Life in the Trenches serves as a solid connection point between full-lengths albums and the Swedish pop scene.
(thespartanchronicle.com)

The Embassy - Puttgarden from Service on Vimeo.

Korallreven - An Album By Korallreven

2012-01-10T20:56:00.002+01:00

Jahr für Jahr kommen Künstler aus dem europäischen Norden zu guten Platzierungen bei Platten vor Gericht. 2011 landeten von 38 nordischen Vorstellungen mit Sóley und Útidúr bzw. Solander und Säkert! gleich zwei isländische und zwei schwedische Bands in den Top 20 unserer Jahrescharts.

Doch gleich 3 interessante Alben aus Schweden sind 2011 nicht auf unseren Plattentellern gelandet. Zeit, dies nachzuholen...

Korallreven sind Marcus Joons und Daniel Tjäder. Letzterer dürfte vielleicht von The Radio Dept. bekannt sein.

Der Bandname Korallreven (Korallenriff) ist gut gewählt, da deren Geschichte wohl unter einer Palme während eines Urlaubs von Joons in Samoa begann, als dieser seine Reiseerlebnisse und die entspannende Wirkung musikalisch umsetzen und festhalten wollte. So entstanden gemeinsam mit Tjäder einzelne Songs, Remixe und Singles, die nun auf "An Album By Korallreven" zusammengefasst wurden.

Wir hören das, was derzeit mit dem Begriff Chillwave umschrieben wird, also einen Mix aus Ambient, Dub und Dreampop. Der spärliche Gesang, u.a. von Victoria Bergsman (The Concretes) auf dem an Saint Etienne gemahnende "Honey Mine", steht meistens deutlich im Hintergrund von perkussiven Elementen und wabernden Synthies. Um den lokalen Esprit des Südpazifiks einzufangen, bauen Korallreven zudem gelegentlich örtlichen Chorgesang und dort gebräuchliche Flöten mit in ihren Soundkosmos ein. Dazu tragen die Songs Titel wie "Sa Sa Samoa", "Keep Your Eyes Shut" oder "A Surf On Endorphins" und laden zum Träumen von weißen Stränden und blauem Meer geradezu ein. Vielleicht sollte man das Hören dieser Platte also auf den nächsten Sommerurlaub verschieben, wenn man selbst entspannt unter einer Palme liegt.

Latest tracks by KORALLREVEN

'As Young As Yesterday' begins the proceedings with the bubbling sounds of water, flute, and synths entering before those distinctive vocals, gauzy and dreamlike set the tone for the following hour or so. The layerings of arrangements from the outset are complex and well constructed, not an easy thing to pull off despite the ease of which it comes across. The Balearic sounds continue into 'Sa Sa Samoa', its soft beats, layering of synths and choir-like backing gorgeous, with Julianna Barwick on vocals makeing this track a standout on the album.

'The Truest Faith' another highlight, is a track fans of the band and this website will know well, a fresh listen and in context of the LP giving it new legs. The in-and-out-of-focus vocals at their best here. 'Keep Your Eyes Shut' is sweet and affecting, beginning with a spoken overdub and lyrics repeating mantra-like, 'a dream within a dream'. The track builds up nicely and is another example of the way Korallreven create deceptively simple soundscapes out of careful craftsmanship. 'Loved Up' drives forward, devoid of vocals up front, leaving them be, washed away back in the mix, out to sea, in that way the Swedish do so well. 'Comin' Closer' has a twinge of 80s electro to it, stabbing synths hitting the mark every time.

'Honey Mine' introduces the beautiful vocals of Victoria Bergsman in a track that stands out as more energetic and upbeat than others on offer here. 'A Surf On Endorphins' is the shortest cut on the album, complete with howling wolves and chock full of atmospherics. 'Comin' Down' completes the trip in style, nine minutes long and a beautiful way to finish and return to reality. It makes sense that Korallreven is both Swedish for 'coral reef' and similar sounding to the Samoan word for spirituality. The care and love put into the production of this LP is clear to see, and will no doubt be the soundtrack to many dream holidays, taken in reality, or out of it. Where's my mojito?
(indie30.com)

Still Corners - Creatures Of An Hour

2012-01-08T19:32:00.001+01:00

Atmosphärischen bis ätherischen Dreampop oder auch düsteren, cinematographischen Pop offeriert uns das Duo Still Corners. Als hätten sich Mazzy Star, Portishead und Ennio Morricone in einem David Lynch Film verirrt.

Der Songwriter/Produzent Greg Hughes und Tessa Murray, die den säuselnd- hauchenden Gesang beisteuert, veröffentlichten letztes Jahr über das Sub Pop Label ihr an vielen Orten hoch gelobte Debütalbum "Creatures Of An Hour".

Als Appetithappen die Videos zu "Cuckoo" und "Into The Trees" und einige wohlwollende Kritiken:

Cuckoo from Still Corners on Vimeo.

Murray haucht mehr, als dass sie singt – mit hoher, erotischer Stimme. Die Musik darunter oszilliert zwischen psychedelischem Georgel und tranciger Electronica sowie Doors-Gitarren und Folk-Gezupfe. Dazu kann man sich wunderschön wegträumen, ohne sich gleich einer Weltflucht schämen zu müssen.
(intro.de)

Und somit ist ‘Creatures of an Hour’ vor allem eins: düster bzw. atmosphärisch, jedoch nicht erdrückend oder schwer, sondern vielmehr auf seine Art leichtfüßig…oder um es mit dem Begriff auszudrücken, den die Band selbst geprägt hat: Pop Noir. Dieser funktioniert dann auch am besten direkt im Opener ‘Cuckoo‘, einem schleichendem Ohrwurm, mit hallender Orgel, einem einfachen Drum-Beat und dem wundervoll schwebendem und dahin gehauchten Gesang von Tessa Murray. ‘Circulus‘ funktioniert dann mit ähnlichen Zutaten, nur etwas treibender. Dabei sorgt das Orgel-Gedudel für den richtigen Tick ‘Scary Movie’, hat es doch diese unheilstiftende Schiefe, die einen sonst häufiger im Kinosessel unruhig umher rutschen lässt. ‘I Wrote in Blood‘ lässt dann die Western-Einflüsse Revue passieren – eine einfache Gitarren-Grundmelodie, darüber ein paar wabernde Akkorde. Erst mit dem Einsatz der Orgel, verschwindet der Wüstensand und man ist wieder zurück im Still Corners-Universum.
(bedroomdisco.de)

Still Corners in Deutschland:

09.03.12 Indra Mondial, Hamburg

10.03.12 Comet Club, Berlin

13.03.12 Silbergold, Frankfurt

Kim Novak - The Golden Mean

2012-01-07T17:25:00.006+01:00

Zwischen Konzertberichten und Umzug hat unser Frankreich-Korrespondent Oliver P. doch tatsächlich vergessen, uns darüber zu informieren, dass Kim Novak ein zweites Album veröffentlicht haben.

"Luck & Accident" wandelte 2007 musikalisch zwischen Interpol und den Editors und konnte sich bei Platten vor Gericht am Ende des Jahres tatsächlich inmitten dieser beiden Bands auf Platz 14 in der Endabrechnung einreihen.

Während nun Interpol mitten in der Selbstauflösung und Editors in der Selbstfindung stecken, kehren Kim Novak mit "The Golden Mean", verändertem Lineup und neuer musikalischer Ausrichtung zurück. Die Düsternis ist ihrem Sound größtenteils entwischen, statt dessen hören wir das, was das einzig verbliebene Gründungsmitglied Jérémie oder ein Radiosender vermutlich als das Beste aus den 60ern, 70ern und 80ern anpreisen würde. Da wären zum Einen Beach Boys-artige, melodiöse Pop-Songs ("Merry-Go-Round") und Referenzen an den 70ies Rock von The Velvet Underground bis David Bowie ("New York", einschließlich Glam Rock-Anleihen), zum Anderen eine große Nähe zu Jarvis Cocker und Pulp ("Falling Appart", "Monsters").

Aber ob das ausreicht, um am Ende wieder vor den Editors zu stehen?

<a href="http://kimnovakmusic.bandcamp.com/album/the-golden-mean">The Golden Mean by kIM NOVAk</a>

Oliver P. verrät aber zumindest, wie Kim Novak live sind.

Beim Plattenkauf darauf achten, dass man das Album nicht mit "National Treasures", der aktuellen Best-of der Manic Street Preachers, verwechselt...

93 Million Miles From The Sun - Northern Sky

2012-01-05T18:39:00.005+01:00

Da muss Volker jetzt durch! Auch der zweite Blick zurück ins vorherige Jahr landet auf einer Band, die getrost mit dem Begriff "Shoegaze" tituliert werden darf. Die mittlerweile auf ein Duo (Nick Mainline und Rob Hogg) geschrumpften 93 Million Miles From The Sun hatte ich ohne große Resonanz bereits mit ihrem Debütalbum hier vorgestellt.

Auf "Northern Sky" schleichen die beiden Engländer auf den ersten Titeln deutlich behäbiger und in sich gekehrter dahin. Erst ab dem dritten Song "Before You Leave" melden sich Noise und Drone zurück in deren Sound und nun darf eher an Ride oder Swervedriver als an Slowdive gedacht werden. Im Verlauf von über einer Stunde mäandern die 10 Titel in epischer Breite durch repetitive Täler verhallten Gesangs, umgeben von himmelhohen Gitarrenwänden. Zumindest die Jungs von Drowned In Sound gehen diesen Weg liebend gerne mit (und bringen noch Namen wie Spaceman 3, Explosions in The Sky oder Can ins Gespräch) - sonst noch jemand? Außer Volker, dem "diese ganzen Shoegaze Revivalbands schon wieder auf den Senkel" gehen, selbstverständlich.

93MillionMilesFromTheSun - Time lasts forever by sounds like a dream

If 'Waiting There' and 'When You Come' set out Northern Sky's stall - slow carefully orchestrated build ups erupting into crushing maelstroms of white noise - then 'As Bright As The Sky' reveals a more subtle side to 93MillionMilesFromTheSun's make-up. Noble and Hogg's deft harmonies hark back to the days of Andy Bell and Mark Gardener, adding an ethereal touch to the drone-laden crescendo which guides them. Similarly, the pulsating loops that echo throughout 'Before You Leave' offer an insight into what Can and their ilk may have sounded like if conceived 40 years on.

Although comparisons to the likes of Spacemen 3 (circa Sound Of Confusion) or the Bravery, Repetition & Noise-era Brian Jonestown Massacre are inevitable, 93MillionMilesFromTheSun aren't averse to bending the rules slightly. Take the instrumental mid-point 'Tall Buildings In Large Cities'. Here Noble and Hogg employ a simple chord progression that builds then peaks into a kaleidoscopic wall of noise like Explosions In The Sky's 'Six Days At The Bottom Of The Ocean'. It's a brief diversion but one that settles the nerves for the heavily distorted couplet of 'All You've Found You've Left Behind' and 'Time Lasts Forever'. Both rise, soar and explode in equal measures, the latter erupting furiously before the soothing 'Echoes' offers another brief respite.

By the time 'Sonic Assault' brings Northern Sky to a close, its title self-explanatory as surging guitars collide with watery synths, 93MillionMilesFromTheSun's mission is accomplished in devastating fashion. Inspired by such nondescript surroundings, Northern Sky is a colossal statement that might not make Doncaster the epicentre of fashion just yet, but is certain to open a few eyes and ears to a part of the world generally dismissed by all but its inhabitants.
(drownedinsound.com)

a short promotional film for 93millionmilesfromthesun from bryan crane on Vimeo.

Endstand 2011 - Das Tape

2012-01-05T11:06:00.000+01:00

Nicht nur unsere Seite erstrahlt seit Anfang des Jahres in neuem Glanz, auch unsere beliebten Mixtapes sind umgezogen. Die monatlichen Kompilationen findet Ihr ab Ende Januar auf 8tracks. Starten wollen wir allerdings mit einem Jahres-Tape - aus jedem Album unserer Top 20 von 2011 ein Song. Hier:

Screen Vinyl Image - Strange Behavior

2012-01-03T18:42:00.006+01:00

So kann es gehen: Man wirft im Dezember einen Blick zurück auf das vergangene Musikjahr, nimmt an diversen Polls teil, liest, was andere als besonders empfehlenswürdig erachten, hört noch einmal dieses oder jenes Album, reicht hier die ein oder andere Bewertung nach, stellt die persönlichen Top 20 zusammen, kompiliert die eigene Jahres-CD, hört diese, stellt noch einmal die Reihenfolge um und schon hat das neue Jahr angefangen.

Da kann es schnell passieren, dass man ein Album, welches erst am 13. Dezember veröffentlicht wird, übersieht. So geschehen bei mir und Screen Vinyl Image. Die Band aus Washington D.C. veröffentlicht nach "Interceptors" (2009) ihre zweite Platte und diese hätte es durchaus verdient gehabt, in die Liste meiner liebsten Platten 2011 mit aufgenommen zu werden. Shoegaze, Elektro, Darkwave und Psychedelic Rock treffen auf "Strange Behavior" bestens zusammen und lassen an eine Fusion aus The Jesus And Mary Chain, Joy Division, Kraftwerk, Suicide, My Bloody Valentine und A Place To Bury Strangers denken.

Jetzt werden sich Screen Vinyl Image eben erst in meinen nächsten Jahrescharts wieder finden, dafür sind sie aber die erste Vorstellung 2012 auf Platten vor Gericht. Eigentlich eine passende Wahl für eine Band mit dem Begriff "Vinyl" im Namen.

<a href="http://screenvinylimage.bandcamp.com/album/strange-behavior">Strange Behavior by Screen Vinyl Image</a>

Opener “We Don’t Belong” sounds like a crushing break-up song, given its moody lyrics (“You’re pulling me close to you every time I turn to go”), but it’s about the alienation wrought by technological advancement. After a few minutes of drum-machine battery, it careens toward a red alert: That siren wail—the song’s devastating pinnacle—could be a rallying call for computer slaves to unshackle themselves and, I don’t know, break shit.

What I mean is: This is probably one to see live.

Track No. 2, “Revival,” is far from a comedown. Industrial-tinged and doused in distortion, it roars without baring its claws, reminding me of why I once daydreamed about shows in Fredericksburg, Va.: Skywave (whose members have formed Ceremony and A Place to Bury Strangers) made it seem like the coolest, loudest place on Earth. Screen Vinyl Image channels that here.

What follows is not always as powerful. There are flirtations with darkwave, a foray into dark folk, and of course, an overwhelming indebtedness to My Bloody Valentine, JaMC, Boo Radleys, Lush, et al. But some songs sound incomplete. “Stay Asleep” is Cure-gloomy, but hampered by Jake Reid’s undeveloped vocals; “My Confession” is haunting but plodding. Both could use a few more minutes in the oven.

When Screen Vinyl Image goes all in, though, it’s abundantly clear. “New Visions,” previously released on 2010’s Ice Station cassette EP and this year’s Siberian Eclipse 7-inch, reappears on this album in updated form. It remains one of the band’s best: swirlingly ambient with a pleasing melodic undercurrent, like a noisy rework of New Order’s “Your Silent Face.” The record closes with, believe it or not, a nod to early ’90s techno: “Night Trip” opens with a squelching acid gurgle and transforms into a goth-night sleeper hit. To Baltimore we go!

Strange Behavior is not a change of course for the band—or its favorite rock subgenre—but it’s running on some seriously potent fumes.
(washingtoncitypaper.com)

Endstand 2011

2011-12-31T11:26:00.028+01:00

1. Kasabian - Velociraptor! (8,571)

2. Other Lives - Tamer Animals (8,500)

3. Miles Kane - Colour Of The Trap (8,333)

4. Patrick Wolf - Lupercalia (8,188)

5. Sóley - We Sink (8,100)

6. PJ Harvey - Let England Shake (8,071)

7. Noel Gallagher - Noel Gallagher’s High Flying Birds (8,071)

8. Death Cab For Cutie - Codes And Keys (8,000)

9. Erland And The Carnival - Nightingale (8,000)

10. We Invented Paris - We Invented Paris (8,000)

11. The Pains Of Being Pure At Heart - Belong (7,833)

12. Beirut - The Rip Tide (7,833)

13. Elbow - Build A Rocket Boys! (7,833)

14. Säkert! - Säkert! På Engelska (7,833)

15. The Rural Alberta Advantage - Departing (7,833)

16. Útidúr - This Mess We’ve Made (7,833)

17. Solander - Passing Mt. Satu (7,833)

18. Lambs And Wolves - Frozen In The Lake (7,813)

19. Low Roar - Low Roar (7,800)

20. Bon Iver - Bon Iver (7,750)

Plushgun - Me. Me.

2011-12-28T16:16:00.000+01:00

2009 kam Dan Ingala aus dem Nichts, legte ein charmantes Indie-Pop-Album mit Hits im halben Dutzend vor und platzierte "Pins & Panzers" auf dem 6. Rang in unserer Endauswertung. Das muss wohl auch Til Schweiger so empfunden haben, denn "Dancing In A Minefield" wurde für den Soundtrack zu "Keinohrhasen" ausgewählt und gelegentlich muss man in einer Fernseh-Werbepause interessiert aufhorchen, denn auch in einem TV-Spot fanden Plushgun Berücksichtigung.

Die Erwartungen an Dan Ingala dürften also im Vergleich zum Vorgänger gestiegen sein, eben so wie die technischen und finanziellen Voraussetzungen. Denn mittlerweile steht Ingala nicht mehr allein hinter dem Projekt: Plushgun ist zu einer tatsächlichen, mehrköpfigen Band geworden. Zudem muss er seine Musik nicht mehr im heimischen Wohnzimmer in Brooklyn/New York aufnehmen, sondern kann ein richtiges Studio mit entsprechendem Equipment buchen. Diese Veränderungen hört man dem Sound von "Me. Me." auch an. Soll heißen, es gibt Abstriche im Niedlichkeitsfaktor.

Direkt der Opener "Waste Away" und später "Live In Binary" zeigen mit Schlagzeug und rockigen Gitarre auf, dass nicht mehr nur auf Keyboards und künstlich erzeugte Klänge gesetzt wird. Die Single "I Like It" ist tanzbarer Synth-Pop mit Boy/Girl-Gesang, der dem Euro-Beat gefährlich nahe kommt. Ein Fehler, den die nachfolgenden "Kick Me Out" und "Your Hologram" nicht wiederholen und dadurch so auch aus dem Debüt hätten stammen können. Das balladeske "Sarah's Locker" beschließt mit reichlich Opulenz und Pathos (manche würden auch Kitsch sagen) die erste Albumhälfte. Die folgenden 7 Titel darf jeder für sich selbst entdecken - und es lohnt sich immer noch, auch wenn man auf eine gewisse Weiterentwicklung der Band vorbereitet sein sollte.

Wer in den 80ern aufgewachsen ist, dem werden die Zitate natürlich bekannt vorkommen, aber nicht nur Anleihen von Bands wie OMD, Human League, oder Depeche Mode werden hier benutzt, auch Ähnlichkeiten mit den Beatles oder The Who und sogar an die erfolgreichen BritPop-Bands sind nicht zufällig. Songs wie Life In A Binary; der sich auf höchst sarkastische Art und Weise mit dem Erfolg von sozialen Netzwerken auseinandersetzt, oder The Prom Queen, einem Lied über einen Mann, der im falschen Körper steckt und lieber eine Frau wäre, seien hier als Beispiele genannt. Textlich ist das hervorragend gelöst. Zwar ist das musikalisch gelegentlich ein bisschen zu dick aufgetragen und weniger opulente Keyboard-Klänge wären auch angenehm, aber unter dem Strich ist das ein Album, das Spaß macht.
(alternativmusik.de)

Plushgun - Playlist by Junior Jimenez

Gold-Bears - Are You Falling In Love?

2011-12-28T12:01:00.001+01:00

Kurz vor Toresschluss schleicht sich doch tatsächlich noch eine Platte in meine Top 20, ach was sag ich, in meine Top 10, die hier natürlich nicht unerwähnt bleiben darf.

Die Gold-Bears aus Atlanta, Georgia, USA begeistern mit ihrem Crash-Pop und den C86-beeinflussten Songs, die sich auf ihrem Debüt Album Are You Falling In Love? nur so tummeln. Bei den ersten Tönen des Openers Record Store fühlt man sich dann auch direkt zurückversetzt in die Zeit, in der man zum ersten Mal The Wedding Present hörte, die die Band ebenso zu ihren Einflüssen zählt, wie Boyracer, Another Sunny Day oder Orange Juice.

Wenn man sich in die Genrekonventionen des Indiepop begibt, zählt vor allem gutes Songwriting. Und daran mangelt es Gold-Bears kaum, nahezu jedes Stück wurmt sich so eingängig wie schnell mit seiner Instrumental- oder Gesangsmelodie ins Ohr. Gerade wenn „All Those Years“ trotz hohem Energiepegel und munterer „Ba ba ba ba“-Gruppenvocals mal bloß nett wirkt, zieht es in unwiderstehliche Falsetthöhen ab, „East Station Attendant“ zögert clever den befreienden Refrain gleich komplett bis nach der zweiten Strophe heraus. Zwar werfen in dieser Art viele Songs gegen Ende eine Variation ein, dies aber jeweils so unterschiedlich, dass sich der Trick auf Dauer nicht zu sehr abnutzt. (auftouren.de)

klar, das ganze mag auf den ersten blick sehr nach "retro" riechen, wenn man aber wie gold-bears so tolle pop-songs wie "record store", "tally" oder "totally called it" schafft, darf man ihnen nicht böse sein, sondern sollte sich freuen, das der gute alte twee-garagen-sound noch lange nicht tot ist. sehr zu empfehlen! (revolver-club.de)

Hören. Lieben. Kaufen.

My Brightest Diamond - All Things Will Unwind

2011-12-27T20:00:00.000+01:00

My Brightest Diamond - ALL THINGS WILL UNWIND: High Low Middle from Asthmatic Kitty on Vimeo.

My Brightest Diamond hat bisher 3 Alben veröffentlicht, wie ist ihre Quote in deinem Plattenschrank und wie würdest du das neue Album im Vergleich mit ihrem früheren Werk einordnen?

Gudrun: Ich schätze alle drei Alben sehr. Sie haben eine aufrichtige Erzählhaltung. Die Stimme von Shara Worden ist das ganz besondere für mich dabei. Auffällig am neuen Album ist natürlich die Instrumentierung. Begleitung mit eigentlich klassischen Instrumenten und klassischer Musizierhaltung ist nicht den Hörgewohnheiten entsprechend.
Auf mich wirkt die kammermusikalische Begleitung wie eine mehrstimmige Unterhaltung. Die Läufe der Klarinette oder der Blechbläser sind wir Stimmen, die der Singstimme antworten. Richtig darüber reflektiert habe ich aber erst nachdem ich My Brightest Diamond im November in Berlin live gesehen habe. Dort hat sie die Stücke des neusten Albums in einer rockigen Fassung präsentiert. Es waren die gleichen Stücke und doch irgendwie weniger nachdenklich, sondern direkter in der Aussage. Aber da war das Publikum ein Dialogpartner.

Welche(n) Titel aus "All Things Will Unwind" würdest du uns besonders ans Herz legen und warum?

Gudrun: We added up - unmittelbar fühle ich mich in ein Gespräch hineingezogen, dem ich mich nicht entziehen kann. Ich möchte denjenigen sehen, der nicht in den Chorus mit einstimmt fast ohne darüber nachzudenken.
There's a rat - Hier sind Text und Musik extrem kraftvoll. "This is my home! Step back"

Björk, Feist, PJ Harvey, Adele, Tori Amos - 2011 scheint musikalisch ein Jahr der Frauen zu sein. Kann My Brightest Diamond da mithalten und was waren aus dieser Riege deine 3 persönlichen Favoriten?

Gudrun: Ja, fast sieht es wirklich so aus, dass die Frauen mit einem gewissen Standing in diesem Jahr alle mit Wortmeldungen dabei sind. Mit PJ Harveys neuer Platte habe ich mich Anfang des Jahres viel beschäftigt und fand das Projekt mutig und gelungen aber eher sprachlich faszinierend. Feists Metal ist in meinen Top 10 dabei, Björk und Adele eher nicht. Toris Platte finde ich auch sehr interessant, aber sie muss erst noch ein bisschen wachsen für mich. Einen Eindruck davon, wie diese Musik eigentlich sein kann gab es auf dem Konzert im Oktober. Leider nur zwei Stücke der neusten Platte aber diese waren einfach umwerfend live. So voller Energie wie es mir die CD nicht vermittelt hatte. Von den in der Frage genannten Scheiben ist sicher My Brightest Diamond meine Nummer 1. Ähnlich wichtig sind mir von den diesjährigen Erscheinungen noch die Platte von Dear Reader und Maia Vidal. In der Aufzählung fehlt sicher auch die aktuelle Platte von Kate Bush, die ich stark finde, aber nicht wirklich unter meine ersten zehn Platten des Jahres aufsteigt.

My Brightest Diamond - ALL THINGS WILL UNWIND: We Added It Up from Asthmatic Kitty on Vimeo.

Stattdessen schickt sie ihre symphonische Weltmusik-Folklore mit Songs wie "We added it up" und "In the beginning" erneut auf das Drahtseil zwischen exzentrischer Spannung und wunderbarer Harmonieseeligkeit. Begleitet wird sie auf Albumlänge vom ymusic-Sextett, das von Antony & The Johnsons bis Björk schon überall herumgereicht wurde, wo Klassik und Cabaret für ein wenig Trubel sorgen sollten. Um nicht der Gefahr zu erliegen, selbst zusätzlich alles zu spielen, was nicht bei Drei auf den Bäumen ist, hat Worden sich selbst die Regel auferlegt, nur Instrumente zu bedienen, die in einen Koffer passen - den restlichen, erneut riesigen instrumentalen Batzen übernehmen die weiteren Gäste. Doch wo etwa Joanna Newsom, derart gegängelt, einfach zu einem Schrank "Hallo Koffer" sagen würde, dort schrieb Worden "All things will unwind" dem Ensemble auf den Leib, nutzt es also nicht nur zur Veredelung ihrer Songs.

Das ist überall hörbar und passt sich vor allem den exaltierten Anteilen von My Brightest Diamond kongenial an. So erfährt insbesondere Wordens Stimme wegen der instrumentalen Selbstbeschränkung und der komplexeren Arrangements besondere Konzentration. Auch die Lyrics schlagen - etwa bei den rhythmisch heruntergekochten Banjotakten von "There's a rat" - spielerische Bilderbücher auf, selbst für so etwas fundamentales und deshalb künstlerisch ermüdendes wie die Finanzkrise. Und "High low middle" präsentiert seinen Zirkus-Takt auch eher beschwipst und ohne das erwartbare Rumgepolka. Mit all dem erreicht My Brightest Diamond genau das, was ansonsten nur zu gerne in folkloristische Ostalgie ausartet: Die verschiedenen musikalischen Hemisphären sind von vornherein gebunden, da sie alle darauf Rücksicht nehmen, was ins Kammer-Prinzip passt.

Auch bei "Escape routes" schnabulieren Flöten und Streicher zu einem zögerlichen Takt, bis Worden für Sekunden den Gesang anzieht, um ihn kurz darauf doch wieder ins Arrangement fallen zu lassen. "Everything is in line" verschafft einerseits seiner Mbira genügend Raum, weiß ansonsten aber auch, wie der ganze große Rest ins Korsett passt. Das abschließende "I have never loved someone" jammert hingegen ausschließlich mit einem Koffer(was sonst?)-Harmonium um die Wette - und schält daraus eine der, dann sagen wir es halt, betörendsten Balladen seit Siouxsie & The Banshees' "The last beat of my heart". So wird es ungewohnt besinnlich und transparent zum Schluss.
(plattentests.de)

<a href="http://mybrightestdiamond.bandcamp.com/album/all-things-will-unwind">All Things Will Unwind by My Brightest Diamond</a>

Florence + The Machine - Ceremonials

2011-12-26T20:00:00.001+01:00

Wer allerdings Wert darauf legt, einen etwas individuelleren Musikgeschmack zu haben, und sich deshalb 2009 in das Album „Lungs“ verliebte, dürfte frustriert sein vom Nachfolger. Zwar sind Florence + the Machine textlich fast noch düsterer als zuvor, die positivste Zeile auf dem ganzen Album lautet: „It’s always darkest before the dawn.“ Und auch der Gesang ist herrlich elegant. Dazu kommt ein voluminöser Sound, der die Lieder an den richtigen Stellen explodieren lässt. Eigentlich klingt das Album, als hätte Fiona Apple kürzlich die Freuden des Stadionrocks für sich entdeckt. Aber es gibt Stellen, die erschreckend konventionell klingen. Am schlimmsten ist jene in „Never Let Me Go“, wo plötzlich ein Chor die Zeile repetiert. R. Kelly („I Believe I Can Fly“) hätte es nicht anders gemacht.

„Ceremonials“ wird für Florence + the Machine das Album sein, das entscheidet, in welchen Hallen sie für die nächsten zehn Jahre spielen werden. Welche sie bevorzugen würden, haben sie musikalisch schon mal überzeugend ausgedrückt: Hauptsache groß und mit fetter Soundanlage. Wer Universal als Plattenfirma hat, muss diese Richtung wohl anstreben. Mal sehen, ob die alten Fans auch Lust darauf haben.
(focus.de)

Florence + the Machine - What The Water Gave Me [Official Music Video] from Back Alley Journals on Vimeo.

Metronomy - The English Riviera

2011-12-23T19:09:00.004+01:00

Julia aus Frankfurt vermisste bei unseren Vorstellungen "The English Riviera". Das ist verständlich, denn Metronomy landeten mit ihrer dritten Platte in den Jahrescharts des NME auf Platz 2 und mit Uncut und Q listeten zwei weitere Magazine deren Album ebenfalls in ihren Bestenlisten (auf den Rängen 3 und 17).

Metronomy - The Look from lorenzo fonda on Vimeo.

Julia aus Frankfurt vermisste bei unseren Vorstellungen "The English Riviera". Das dürfte auch Joseph Mount so gegangen sein, wenn er unseren Blog gefunden und durchsucht hätte. Denn der aus Totnes, Devon in England stammende Mount steckt hinter dem 1999 gegründeten Projekt Metronomy. Er schrieb alle Songs und produzierte auch die Platte, so dass das wechselnde Lineup der Band, äh, auswechselbar scheint.

METRONOMY - She Wants - by JUL & MAT from JUL & MAT on Vimeo.

Julia aus Frankfurt vermisste bei unseren Vorstellungen "The English Riviera". Das dürfte allen eben so gegangen sein, die auf unterkühlten Elektropop, seichten Funk-Pop oder entspannten Soft-Rock zwischen Phoenix, Tahiti 80 und Steely Dan stehen und im Verlauf des Jahres von den catchy Singles "The Look", "She Wants" oder "The Bay" gepackt wurde.

She Wants is newly sentimental, adding a personal touch to the more generalised feelings the songs had previously explored, while Everything Goes My Way has a female lead vocal and the glamour of a John Hughes film from the 1980s. The latter is deliciously summery, but one of the album’s weakest for how uncompelling its structure is.

The lowlights on The English Riviera are thankfully rare. Trouble’s tart vocals head wistfully into a swaying doo-wop beat, with typically smart lyrics such as the cute tautology of "There’s a tear in your eye / And there’s no ‘I’ in tear". And that brings it back to the familiar; Mount’s strengths as a songwriter come from his willingness to show off, however much he may be aware of this.

Love Underlined is incredible, a standout song that hypnotically rises through urgent, insistent and twisted rhythms that start out at odds with each other and eventually come together into a giant four-to-the-floor chorus. The Bay, a theme tune of sorts for the album’s setting, sees the band taking on Daft Punk for energy levels – and more than matching that winsome fervour. "This isn’t Paris, this isn’t London, this isn’t Berlin, this isn’t Hong Kong, this isn’t Tokyo," Mount sings charmingly, glamorising his hometown through summery, lightly roughed-up choruses.

If Nights Out was the soundtrack to an all-hours party that threatened to blow the speakers, The English Riviera is the music in the ears of a restless insomniac. The type of punch Metronomy now pack is differently varied, and instead of relying on catchy melodies, its excitement and originality is now more broadly sourced.
(bbc.co.uk)

Notenschluss

2011-12-18T20:04:00.002+01:00

Was wird das Album des Jahres 2011? Wer folgt auf den Plätzen und wo reicht es nicht zu einer Platzierung in unserenb Top 20?

Noten können noch von jedem bis zum 30.12.11 als Kommentar bei den einzelnen Platten abgegeben werden...

Delay Trees-Delay trees

2011-12-17T21:24:00.001+01:00

Gegen Ende des Jahres ist leider noch viel Musik für wenig Zeit übrig. Doch gerade weil es angeblich gegen Jahresende etwas ruhiger werden soll, darf die Vorstellung der Delay Trees nicht fehlen.

Die finnische Band deren Mitglieder in Helsinki und Hämeenlinna leben zelebriert ihre Melancholie mit bedeutungsschweren Texten und wundervollen Melodien. In vielen Varianten ist mir diese Mischung zu langweilig. Doch auf “Delay trees” wird eine perfekt ausgewogene Zusammenstellung dieser Komponenten geboten. Seit 2007 konnte sich die Band auch einige Zeit einspielen, bis Anfang dieses Jahres ihr gleichnamiges Debüt in Deutschland erschien.

Verträumter Indiepop mit Shoegaze-Elementen wie er mir in diesem Jahr nur selten unterkam. Besonders auffällig ist das bei den Songs “Gold”, “Quaratine” und “Tarantula / Holding on”. “Delay trees” ist ein schmeichelndes Album für einen beschaulichen Jahresausklang.

Nordische-Musik.de:

Sänger Rami Vierula kommt auf Katzenpfoten daher und verliert sich in Klangwelten von ruhiger Schönheit. Die Songs gleichen Preziosen in Miniaturform. Sind Momentaufnahmen einer kalten Erwachsenenwelt, die wir nur mit unseren lebendigen Herzen erwärmen können. Delay Trees haben heiße Herzen. Manchmal halten wir hier fast den Atem an. Manchmal steigen uns fast die Tränen in die Augen. Fühlen wir uns durch zarte Gitarren- und Pianotupfer merkwürdig bestärkt.

Das Video zu “About brothers”

Delay Trees "About Brothers" from Friendly Fire Recordings on Vimeo.

und das zu "Cassette 2012"

Delay Trees "Cassette 2012" from James Martin | Vim & Vigor on Vimeo.

Bei Soundcloud gibt es das Album, die EP “Before I go” und Live Songs als Stream. Die steht auf der Website der Band auch als Download zur Verfügung.

Adele - 21

2011-12-16T20:00:00.002+01:00

Adele - Rolling in the Deep from test on Vimeo.

Nur ist "21" kaum mehr geworden als ein zu brav produziertes Schmeichel-Pop-Album. Vier Songs hat der scheinbar omnipräsente, aber zuletzt nur noch weichgespült produzierende Rick Rubin den letzten Schliff verpasst. Ein Meisterwerk ist nicht dabei. Bemerkenswert sind allenfalls die erste, von Paul Epworth produzierte Single "Rolling in The Deep" und der Rumpler "Rumor Has It", den Adele erstaunlicherweise dem Schmusepop-Komponisten Ryan Tedder verdankt. Mehr Überraschungen gibt es leider nicht.
(sueddeutsche.de)

„21“ von Adele fängt mit „Rolling In The Deep“ an, die akustische Gitarre hätte einen Saitenwechsel nötig, aber es sind gute, alte Saiten. Auch die tiefe Trommel will nicht mehr sein als sie ist, keine verlogene Beatmaschine: Sie klingt wie ein kompostierbarer Karton.

Als die Musik aussetzt, wird inbrünstig gesungen und geklatscht, die Instrumente werden nochmals einzeln vorgeführt. „Dark Bluesy Gospel Disco“ nennt Adele ihren Sound. Wobei die Disco nichts mehr mit der Utopie des schönen Scheins zu tun hat, mit der Welt als Spiegelkugel und dem Ausbruch aus dem Alltag, sondern mehr mit dem gepflegten Tanzabend daheim: „There is a fire starting in my heart“, die innere Wärme. (...)

Weil der Fahrer, der sie durch Amerika kutschierte, Country hörte, hat Adele nun auch Country im Programm, den niemand mehr verachtet, seit Rick Rubin sich um Johnny Cash gekümmert hat: „Don’t You Remember“ handelt von der Sehnsucht nach bedingungsloser Liebe.

Bässe knarren wie die Dielen renovierter Landhäuser. Nichts geht ohne das Tamburin oder den Triangel. Klaviere aller Art kommen vor, von Salonflügel bis Barpiano. Und Adele singt so stilsicher wie niemand sonst mit einer solchen Stimme, ihre Ad-libs sind zurückhaltend geschmackvoll, und sie offenbart sich im Gesang nie bis zur Peinlichkeit.

Das Beste hebt sie sich bis kurz vor Schluss auf: die entschleunigte Version des „Lovesongs“ von The Cure, bei dem die Orgel entspringt wie eine frische Quelle, Gitarristen ein Duett zupfen und sich am Ende Cello und Akkordeon hinzu gesellen.
(welt.de)

Anna Ternheim - The Night Visitor

2011-12-15T20:00:00.002+01:00

Björk, PJ Harvey, Feist, Tori Amos - 2011 war ein Jahr, in dem vor allem Künstlerinnen von sich Reden machten. Aber es gab auch noch weitere relevante, weibliche Soloartisten über die hier bisher nicht gesprochen wurde. Also war es dringend an der Zeit ein paar Gespräche zu führen...

Christoph, wie und wann bist du auf Anna Ternheim aufmerksam geworden? Und gibt es einen besondern Anna Ternheim-Moment in deinem Leben oder ein Erlebnis, das du mit ihr verbindest?

Christoph: drei der wichtigsten Bands bzw. Musiker meines Lebens habe ich auf exakt dem gleichen Weg kennengelernt. Bei Hazel O’Connor, The Organ und Anna Ternheim kam der Tip eines Freunds: „hör dir das an, das wird dir gefallen!“ Für The Organ und Anna Ternheim war Oliver (Konzerttagebuch) verantwortlich. Da er meinen Musikgeschmack gut kennt, lag er vollkommen richtig.

Der mit Abstand schönste Anna Ternheim-Moment war während eines Interviews, das wir mit ihr im Kölner Stadtgarten geführt haben. Wir sprachen über deutsche Musik, und Anna stimmte plötzlich „Wind of change“ für uns an! Das besonderste Konzert war sicher ein ganz akustisches in einem kleinen Stadttheater in Nyköping in Schweden.

Anna Ternheim hat bisher 4 Alben veröffentlicht, wie ist ihre Quote in deinem Plattenschrank und wie würdest du das neue Album im Vergleich mit ihren früheren Werken einordnen?

Christoph: 4/4 natürlich. Die ersten beiden Platten gibt es glücklicherweise mittlerweile auch auf Vinyl, sodaß es eigentlich 8/4 heißen müsste.

The Night Visitor ist ein großer Wurf. Anna Ternheim ist am besten, wenn (akustische) Gitarre und Gesang deutlich im Vordergrund stehen. Daher ist Leaving on a Mayday, der Vorgänger zu The Night Visitor, nicht mein Liebling. Die aktuelle Platte ist sehr ruhig, betont die Stärken der Schwedin und passt daher nahtlos zu den ersten beiden Alben (bei denen die sogenannten Naked Versions, die abgespeckten Akustik-Bonusplatten wieder die Höhepunkte sind).

Mit welchen drei Wörtern würdest du jemanden von "The Night Visitor" zu überzeugen versuchen?

Christoph: Überzeugt Dich „singende blonde Schwedin?“

Welche(n) Titel aus "The Night Visitor" würdest du uns besonders ans Herz legen und warum?

Christoph: dazu muß ich etwas weiter ausholen… Ich bin großer Freund von Coverversionen, wenn sie denn gut sind. Problematisch finde ich es aber, bei Künstlern, die einem wichtig sind, die nachgespielten Stücke ganz besonders zu mögen. Bei Lieblingsmusikern sollte man schließlich gefälligst das eigene Material am meisten schätzen! Born slippy nuxx in der Get Well Soon Version, Frontwards bei Los Campesinos!, Anna Ternheims Shoreline sind zwar grandios, aber man sollte sie nicht zu sehr lieben, denke ich. Das gehört sich einfach nicht. Also nenne ich als „besonders ans Herz“ Kandidaten nicht das Duett The Longer the Waiting (The Sweeter the Kiss) von und mit Dave Ferguson.

Stattdessen nenne ich Walking Aimlessly, das auf der letzten Platte vermutlich überarrangiert worden wäre, hier aber trotz des Hintergrundgesangs fabelhaft ist. Auch Bow your head und andere hätten es verdient, herausgehoben zu werden, zur Zeit mag ich aber wohl Walking Aimlessly am (zweit)liebsten.

Björk, Feist, PJ Harvey, Kate Bush, Tori Amos... - 2011 scheint musikalisch ein Jahr der Frauen zu sein. Kann Anna Ternheim da mithalten und was waren aus dieser Riege deine 3 persönlichen Favoriten?

Christoph: das ist natürlich ein wenig Äpfel mit Birnen vergleichen; die musikalische Spanne zwischen den Damen ist ja recht groß. Da ich weder Björks, noch Kate Bushs und Tori Amos‘ Platten gehört habe, sind Feist, PJ Harvey und Anna Ternheim meine 2011er Favoritinnen. Aber alle drei sind natürlich auch herausragende Musikerinnen.

Vielen Dank für die Überzeugungsarbeit, Christoph!

Für ihr viertes Album „The Night Visitor“ hat Ternheim offenbar nur am Tag geschlafen. Die gemeinsam mit Matt Sweeney (Cat Power, Bonnie „Prince“ Billy) komponierten und vom früheren Johnny-Cash-Engineer Dave Ferguson produzierten Songs klingen trotz ihrer historisch beladenen Aufnahmestätte – die Songwritermetropole Nashville, Tennessee – aufregend unaufgeregt. Ihre feinfühligen Finger-Pickin-Balladen wie „What Remains?“ oder „Bow Your Head“ gehen ebenso zu Herzen, wie das alte Country-Folk-Duett mit Ferguson „The Longer The Waiting, The Sweeter The Kiss“. Ein ruhiges Album, wie aus einem Guss, wie gemacht für den Herbst.
(focus.de)

Kate Bush - 50 Words For Snow

2011-12-14T20:00:00.003+01:00

Vielen Dank für das Gespräch, Volker!

Im ersten Track „Snowflake“ mäandert ihre Stimme über ruhige Flächen und erzählt leise vom ersten Schneefall. Das passt genau für die kalte Jahreszeit, für eingeschneite Stunden auf dem Land. In „Lake Tahoe“ scheint alles noch langsamer zu werden und geht dann in Opernarien-Manier gen Höhepunkt. „Wild Man“ ist ein Pop-Song erster Güte und scheint auch aus einem anderen Jahrhundert zu stammen: Achtziger-Synthies und Keyboardflächen wetteifern mit Kate Bushs gereifter Stimme um die musikalische Oberhand. Stargast Elton John kommt dann in „Snowed In At Wheeler Street“ zum Zug und gibt zusammen mit Kate ein Paar, dass elegisch eine alte Liebe heraufbeschwört. Stephen Fry darf als Professor Joseph Yupik dann wortwörtlich „50 Words for Snow“ aufsagen, nur unterbrochen von Kates Anfeuerungsrufen. Ein seltsames Stück Musik. Im letzten Song des Albums kommt dann Kate Bush unverfälscht und mit minimalistischem Setup zum Zug. Nur mit Klavier und Stimme kommt der Song „Among Angels“ aus und schließt den Kreis.

Mit „50 Words For Snow“ ist Kate Bush nach langjähriger Pause ein Album gelungen, dass gleichzeitig zurückhaltend und ausufernd ist, eine Platte, die eine Reise ist und am besten an einem Stück genossen wird.
(telekom-musicwire.net)

Ihre neue Schnee-Platte hat das Zeug zum Experiment, da kann auch der begnadete Elton John nicht genug Pop versprühen. Hier regiert Königin Bush, die mit Schal und Feenstimme einen Entwurf abliefert, der in seiner Länge schon herausfordert. Sieben Songs, die bis über die 13 Minuten-Marke reichen, straucheln durch den schmilzenden Schnee. Gäste tauchen auf. Das Klavier trägt die Stücke, die sich Zeit lassen. Manchmal erinnert das an Talk Talk, manchmal aber auch an einen Operettenauftritt der Nachbarstochter. Ob das Konzept aufgegangen ist, kann und darf ich nicht beurteilen. Ich bleibe am Ende etwas ratlos zurück. Ich habe den Spannungsbogen verpasst, falls es einen gab. Der Schneemann sticht dir beim Küssen mit seiner Möhren-Nase die Augen aus. Bush liefert ihr “Weißes Album” ab. Keine Weihnachtsplatte, kein Wintermärchen und keinen Iglu-Rave. Alles tropft. Bei Kate ist nun eine große Lache im Wohnzimmer. Wer wischt das auf?
(jahrgangsgeraeusche.de)

Laura Marling - A Creature I Don't Know

2011-12-13T20:00:00.000+01:00

Laura Marling hat bisher 3 Alben veröffentlicht, wie ist ihre Quote in deinem Plattenschrank und wie würdest du das neue Album im Vergleich mit ihren früheren Werken einordnen?

Oliver: Ich habe die ersten beiden Alben im Original (auf CD) und das aktuelle Werk als Promo bekommen. Das neue Werk ist eine konsequente Weiterentwicklung, ein weiterer Schritt hin zur Reife. Obwohl ja schon das erste Album für ein solch junges Mädchen unglaublich reif und traurig (My Manic And I) war. Alle drei Alben sind gut, auch das Zweite, denn das ist ein veritabler Grower.

Mit welchen drei Wörtern würdest du jemanden von "A Creature I Don't Know" zu überzeugen versuchen?

Oliver: Höre, genieße, staune!

Welche(n) Titel aus "A Creature I Don't Know" würdest du uns besonders ans Herz legen und warum?

Oliver: Ich bin kein besonders großer Fan von Hits und einzelnen Titeln, die man für Mixtapes benutzt. Vielmehr lasse ich Alben ganz altmodisch komplett durchlaufen und höre sie dann mehrfach am Tag, bis sich die Songs irgendwann den Weg in die Ohrmuschel gebahnt haben. Aber Sophia ist mit seinen Streicherparts schon sehr fein und I Was Just A Card geht mit seiner Nick Drakschen Melancholie auch enorm ans Herz.

Björk, Feist, PJ Harvey, Kate Bush, Tori Amos... - 2011 scheint musikalisch ein Jahr der Frauen zu sein. Kann Laura Marling da mithalten und was waren aus dieser Riege deine 3 persönlichen Favoriten?

Oliver: Klar, kann sie da mithalten. Meine Favoriten sind PJ Harvey (glänzendes Album und wunderbares Konzert im Olympia), Feist (ein Publikumsliebling in Paris) und natürlich Laura! Aber auch ein Blick nach Frankreich lohnt ungemein. Le Prince Miiaou ist eine Wahnsinnsperformerin und ihr Album ist auch nicht übel und nächstes Jahr werden mit Mina Tindle, Marie-Flore und Myra Lee gleich drei meiner absoluten Favoritinnen ihr Debüt vorlegen.

Vielen Dank, Oliver. Dann freuen wir uns 2012 auf deine Vorstellungen von Mina Tindle, Marie-Flore und Myra Lee.

Hier kann man mal von ausgeprägter Schönheit sprechen. Die Songs sind voller Melodien und Ideen. Laut und Leise. Marcus Mumford ist Geschichte. Sie hat eine Liebe gegen Songs und Geschichten eingetauscht. Mund abwischen und weitermachen. In allen Songs schwimmt der Schwermut an ihrer Seite, doch sie versucht zu lächeln. Immer dann schiebt sich die Sonne zurück in Marlings Herz, das uns wohl noch tolle Jahre schenken wird.

Laura ist gewachsen. Nicht nur, dass ihre Musik nun versucht sich anderen Traditionen anzuschließen, nein, sie versucht ihnen ihren Stempel aufzudrücken. Man nimmt teil an Umbrüchen, an Stürmen und an musikalischen Gleichnissen. Über allem schwingt eine große Portion Liebeswahn, der nicht immer einfach zu bewältigen ist. Man steht immer kurz vor dem Fall. Das weiß Laura und blickt in sich hinein. Ein Bett aus Knochen.

Ihre Begleitmusiker tun ihren Job und legen Laura in Watte. Irgendwer muss sie ja beschützen. Einige dunkle Tupfer sind nur schwer wegzukriegen. Ein Chor hilft, die Stimme dicker zu machen. Oder wirkt dann alles noch trauriger? Und dann gibt es ein Finale, dass dir den Wein aus der Flasche holt. Ist nun alles wieder gut? Laura Marling und Bill Callahan hängen die Latte dieses Jahr unglaublich hoch in den Himmel. Da hilft den Mitstreitern wohl auch kein Fosbury-Flop mehr.
(jahrgangsgeraeusche.de)

Smith & Burrows – Funny looking angels

2011-12-12T19:01:00.002+01:00

Nach “It’s a cool, cool christmas” wird es mal wieder Zeit für ein geschmackvolles Weihnachtsalbum. Das dachten sich offensichtlich auch Tom Smith von den Editors und Andy Burrows von I Am Arrows und ehemals Razorlight. In dieser Mission veröffentlichten sie pünktlich zur musikalisch kritischen Zeit des Jahres als Smith & Burrows ihren Beitrag in Form von “Funny looking angels”. Dafür spielten sie Cover-Versionen von Pop-Songs (z. B. das hörenswert interpretierte “Wonderful life”) und klassischen Weihnachtsliedern ein und peppten das Ergebnis noch mit einigen Eigenkompositionen auf. Vor allem die Abwesenheit von kitschigen Momenten machen “Funny looking angels” zu einem willkommenen Beitrag für die letzten Wochen des Jahres und darüber hinaus.

“When the Thames froze”, “Funny looking angels”, “Wonderful life” und “This ain’t New Jersey” sind die Höhepunkte des Albums.

Medienkonverter.de:

Auch die echten Weihnachtslieder klingen authentisch und können begeistern, gerade wenn bei ‚The Christmas Song’ noch Agnes Obel mit ihrer Verve-würdigen, souligen Stimme einsetzt und das Zusammenspiel mit Tom Smith einfach unglaublich viel Emotionen transportiert ohne in den Kitsch abzudriften.

Wow! Das ist eine Platte, die auch einem Weihnachtsmuffel wie mir gefällt und die es sicherlich verdient hat, in der winterlichen Jahreszeit auch in den nächsten Jahren gewürdigt zu werden.

Der Titelsong:

Einer “Weihnachtfeier” mit Smith & Burrows kann man am 15.12. in Köln und am 17.12. in Berlin beiwohnen.

King Creosote–Diamond mine

2011-12-11T20:27:00.001+01:00

Der Schotte Kenneth Anderson ist ein Anwärter auf den Titel “fleißigster Musiker”. Seit 1998 hat er unter dem Alias King Creosote mehr als 40 Alben veröffentlicht. Grundsätzlich benötigt man als Singer/Songwriter ja auch nicht viel, um mal schnell knapp 50 Alben aufzunehmen und unabhängig zu veröffentlichen. Auf “Diamond mine” wurde ich aufmerksam, nachdem es in mehreren Podcasts Erwähnung fand und schließlich gar eine Nominierung für den Mercury Prize einheimsen konnte. Da ich die stattliche Anzahl ab Vorgängeralben nicht gehört habe kann ich nicht beurteilen, ob die gesteigerte Anerkennung des Künstlers mit einem Qualitätssprung seines Outputs oder mit seinem Kollaborateur Jon Hopkins zusammenhängt. Dieser hatte seine Finger auch bei Coldplays “Viva la vida or death and all his friends” und Brian Enos “Small craft on a milk sea” im Spiel. Auf “Diamond mine” hält er sich dezent im Hintergrund. Er steuert einige Field Recordings bei und konzentriert sich ansonsten auf seine Produzententätigkeit.

BBC.co.uk begrüßt die Zusammenarbeit der beiden Musiker:

King Creosote has none of the stadium bombast of Coldplay, or the experimental tendencies of Eno – but all the same, this is a collaboration that makes sense. Both share a taste for a rather languid tempo, that of small-town life and the more tender, bittersweet emotions; and theirs is a pairing that’s complementary, Hopkins colouring in the spaces around Anderson’s wearied voice, guitar and woozy accordion.

Obwohl “Diamond mine” nur eine gute halbe Stunde Spieldauer bietet, entführt es den geneigten Hörer mit leisen aber intensiven Tönen in seine Welt. Anderson selbst beschreibt es als "soundtrack to a romanticised version of a life lived in a Scottish coastal village".

Als Referenz kann ich Mark Hollis’ Solo-Album und William Fitzsimmons anführen. Obwohl “Diamond mine” erst im März dieses Jahres erschien, hat King Creosote seitdem bereits zwei weitere Werke veröffentlicht. Eines davon ist die “Honest words”-EP, ein Nachschlag zu “Diamond mine”.

“Bats in the attic” ist der Höhepunkt des Albums. Dank der Unfähigkeit einiger Firmen und Organisationen zur Einigung in einigen Punkten kann ich hier nicht mit dem offiziellem Video sondern nur mit einem kurzen Eindruck des Songs “Bats in the attic” dienen:

Avocadoclub - Dusty Nights

2011-12-08T18:35:00.003+01:00

Die Veröffentlichung des Debütalbums "Everybody's Wrong" von Avocadoclub inklusive des wundervollen "Too Much Space To Walk Away" liegt nun schon 5 Jahre zurück. Zeit, die Bendrik Muhs mit der Suche nach den perfekten Pop-Melodien verbrachte. Zeit, die das Musikerkollektiv nutzte, um 9 federleichte Popsongs einzuspielen, die der britischen Tradition der letzten Jahrzehnte (von The Beatles über Elvis Costello und Aztec Camera zu Madness und Oasis) folgen. Und viel Zeit, nämlich rund 3 Jahre, in der sich Muhs im Studio in zahlreichen Versionen seiner Songs verzettelte und gemeinsam mit seinem Produzenten Andi Jung (Beatsteaks, Blackmail) am Sound von "Dusty Nights" feilte.

Serviert bekommt der geneigte Hörer federleichten Pop, der wie beim Opener „Morrison & Me“ aber auch schon mal mit Pauken und Trompeten daherkommen kann und ein wenig wie ein groovender Fiebertraum wirkt. Ganz anders der streicherbegleitete Titeltrack „Dusty Nights“, der beschwingt in die eingängigen Vollen geht. Was da wie „The Realist“ so reizend-wippend und mit viel Tempo um die Ecke kommt, ist in Wirklichkeit bitterböse, aber die Realität schmeckt ja nun einmal viel besser, wenn sie hübsch verpackt auf den Tisch kommt. Dann gibt’s da noch die opulente Trennungsballade „King of Nothing At All“, die vom pianodominierten „Geraldine Ford“ abgeklatscht wird, mit dem sogleich mit viel Leidenschaft eine neue Liebe gefeiert wird. Stillstand ist nicht wirklich eine Vokabel aus dem AVOCADO-Wörterbuch und so entwickelt sich auch ein spätabendlicher Abstecher in eine Bar wie bei „The Comeback Kid“ zu einer temperamentvollen Angelegenheit. „A Leading Feature“ lässt es dann doch einmal etwas ruhiger angehen und gleichzeitig an OASIS denken, während dass flirrende „Mexiko“ erneut nach vorn prescht. Ein Garant für volle Indie-Tanzflächen, bevor der „Frozen Astronaut“ über geschlagene zehn Minuten bisweilen auch mit vertrackten Soundgebilden durchs All gleitet.

Hier klingt ein Hauch BRIAN ENO durch, während es bei anderen Nummern so scheint, als hätten sich die späten BEATLES mit den jungen MADNESS zusammengetan. Erfreulich eingängig, aber nicht beliebig. Leichtfüßig, aber kein Leichtgewicht. Nette Unterhaltung, die auch beim zweiten Hören noch nicht langweilig wird.
(terrorverlag.de)

Luke Haines - Nine And A Half Psychedelic Meditations On British Wrestling Of The 1970s And Early ’80s

2011-12-04T13:00:00.000+01:00

Nahezu unbemerkt veröffentlichte Luke Haines dieser Tage sein aktuelles Album "Nine And A Half Psychedelic Meditations On British Wrestling Of The 1970s And Early ’80s". Und zumindest bei den kuriosesten Plattentiteln ist Haines dieses Jahr damit ganz weit vorne. Der Spitzenplatz bei den Konzeptalben, denn dieses dreht sich tatsächlich um britische Wrestler, dürfte ihm auch nicht so leicht zu nehmen sein. In Ermangelung an Konkurrenz dürfte er auch im Bereich der bildenden Künste in der Kategorie Gemälde von Wrestling-Stars nicht zu toppen sein. Und dann wäre für Haines auch noch eine Spitzenposition bei den schreibenden Rockstars zu verbuchen, da bereits im Sommer mit "Post Everything: Outsider Rock and Roll" der lang erwartete Nachfolger zu seinem Debüt-Roman "Bad Vibes" erschienen war. Nur bei der Musik muss man vermutlich ein wahrer Haines-Jünger sein, um von dieser Platte begeistert zu sein. Und zumindest im englischsprachigen Raum gibt es deren viele und daher lasse ich sie auch hier zu Wort kommen:

It is an old fashioned album in other ways, it is a 10 song cycle that works brilliantly when listened to in one sitting. That isn’t to say that individuals songs don’t work on their own but the whole album experience is when it hits near perfection. In an age where single track downloads become more and more common this is as much of a nostalgic relic as the British wrestling scene recorded in the album’s songs.

Musically it covers themes that will be familiar to anyone who has listened to Haine’s previous output, and carries on where 21st Century Man left off. On the glam rock stomp of ‘Linda’s Head’ Haines sounds eerilylike a sinister Marc Bolan. The synth pop of ‘Big Daddy Got A Casio VL-Tone’ tells the brilliant imagined story of the man himself trying out his musical ideas on the synthesiser of the title.

I have to admit that I came to this album with a positive frame of mind. I love a lot of Luke Haine’s previous work, and the subject matter appealed to me enormously. Even taking that into account I was surprised by just how much I enjoyed the album and it is possibly my most repeated album of the year in a very short period of time. Witty, concise, well executed and completely unlike any other album I’ve heard this year. This isn’t just one of the best albums by a British artist that has been released this year, it is also one of the best albums by an artists with a pretty impressive back catalogue.
(neonfiller.com)

Despite a less pronounced bite, Haines’ oddness and peerless songwriting prowess haven’t weakened. Just give something like “Inside the Restless Mind of Rollerboy Rocco” one listen and try not to be hoodwinked by its chorus, which makes gold out of an assertion of bad cafeteria food. Likewise, give “Big Daddy Got a Casio VL-Tone” a spin and try your darndest not to spend the rest of the day pondering the song’s ticky oddness.

Vocally, Haines’ delivery still feels like the aural equivalent of a pillow wrapped in barbed wire, but enough listening to the man makes one realize that there is no more appropriate method of singing. Like the spectacle of wrestling itself, the air of theatricality is undeniably present. As brilliant a persona as Haines’ curmudgeonly dandy one is, it is hard to believe a father and husband can maintain such an image 24/7. For all his railing against music critics in his autobiographies – Bad Vibes and Post Everything – Haines communicates with plenty of journalists via Twitter, after all. While not the first place to begin en route to a life as a Haines convert, Nine and a Half … assures us long-time fans that he is as masterful a subverter as ever.
(popmatters.com)

Hier gibt es noch ein 40 minütiges Konzert von Luke Haines vom Januar 2011 und dort den legalen Download eines Konzertes aus den Zeiten von The Auteurs (November 1999):

Babybird - The Pleasures Of Self Destruction

2011-12-03T08:59:00.002+01:00

Nahezu unbemerkt veröffentlichte Stephen Jones dieser Tage sein aktuelles Album "The Pleasures Of Self Destruction". Er überlegte, ob er den Nachfolger von "Ex-Maniac" nicht unter seinem eigentlichen Namen herausbringen und den Bandnamen Babybird mal wieder ablegen sollte. Diese Überlegungen sind für den Hörer nicht nachvollziehbar, denn der Produzent blieb im Vergleich zum Vorgänger der gleiche (Bruce Witkin), das Label wurde ebenfalls nicht gewechselt (Unison Music) und auch der Sound ähnelt dem des 2010er Albums doch sehr.
Irritationen gibt es eigentlich nur zu Beginn, wenn Jones mit "The Jesus Stag Night Club" einen Blues-Rocker präsentiert, den man sich eher auf einem der letzten Alben von Nick Cave vorstellen könnte. Doch danach bleibt alles wie gehabt: schöne Popsongs, Sha-la-la-Chöre hier, bittersüße Balladen dort und zwischendurch ein Dreierpack zum Thema Liebe ("I Love Her", "Not Love" und "Can't Love You Any More"). Selbst Johnny Depp ist wieder mit an Bord! Babybird-Fan, was willst du mehr?

Das Cover zeigt Stephen Jones mit einer „Finger-an-der-Schläfe-Headshot-Pose“, das Album trägt den Titel „The Pleasures Of Self-Destruction“. Es ist kein Geheimnis, dass Jones an Depressionen leidet, stellt sich hier nun die Frage, ob wir es mit einer gesunden Portion Selbstironie oder Aufarbeitung zu tun haben oder ob dieses Album einen Abgesang darstellen soll.

Nach dem fünften Hördurchgang stelle ich erleichtert fest, dass es sich hier keineswegs um einen Abgesang handelt, sondern um große Songwriterkunst, ironische Texte und perfekte Arrangements. So sticht besonders der „Liebesblock“ hervor: „I Love Her“ eine Liebeserklärung an seine Tochter, „Not Love“, über unaufrichtige Gefühle und eine Hommage an den hervorragenden Film 500 Days Of Summer und „Can’t Love You Anymore“, eine Dichotomie. „Not Love“ weist besonderes Hitpotential vor und kann dabei sowohl U2 als auch Bowie oder The Smiths-Hörer begeistern. Das nächste Highlight ist der düster rockende Track „I’m Not A Killer“, vorangetrieben von einer satten Basslinie und energetischem Bläserspiel. Und nicht selten möchte man Jones Gesangslinie „I’m not a killer / But I could kill“ zustimmen. Man mag den Songs einen gewissen Kitsch und gewiss auch eine Massentauglichkeit nachsagen („A Little More Each Day“), Jones rettet sich jedoch immer durch brillante, ironische und sowohl sozial- als auch selbstkritische Texte aus der Affaire („www.song“, „Song For The Functioning Alcoholic“). Die Freuden der Selbstzerstörung eben.
(crazewire.de)

Babybird - I Love Her by badpagesdk

Generationals - Actor-Caster

2011-11-27T00:00:00.000+01:00

Bereits im März dieses Jahres erschien mit Actor-Caster das zweite Album von Ted Joyner und Grant Widmer, die zusammen seit 2008 unter dem Namen Generationals musikalisch aktiv sind. War das erste Album Con Law von 2009 noch sehr an 60er-Jahre-Pop und Motown orientiert, gesellt sich beim Nachfolger noch eine hippe Indie-Pop-Attitüde dazu. Die Zwischendurch-Single Trust aus dem November letzten Jahres wies schon in die neue Richtung:

Generationals - "Trust" from Meghan Ellie Smith on Vimeo.

Beheimatet sind Generationals in New Orleans. Aufgenommen wurde das Album allerdings in Washington DC mit Produzent Dan Black. (Ob es der Dan Black ist, dem wir dies zu verdanken haben, konnte ich nicht eruieren. Ich bezweifle es, aber so konnte ich wenigstens dieses schöne Stück Musik hier mal unterbringen.) Wer The Shins mag oder Phoenix oder The Drums sollte hier weiterlesen und -hören.

The Generationals - Ten-Twenty-Ten from HiPhi on Vimeo.

Most often, fans worry about the direction the band goes with their second album. Will they choose to stick to the same sound that they have or will they branch off and try to be different? With the release of their latest song, “Dirty Mister Dirty” it’s become the anthem for people everywhere to cruise the streets to. Sticking to their chant-like American roots of uplifting piano basses, the New Orleans’ boys Ted Joyner and Grant Widmer followed up their latest EP – Trust with an album that is quirky, feel-good pop that is crisp, catchy and highly addictive. (bangstyle.com)

Generationals - Yours Forever from Randy Foreman on Vimeo.

From the first jangly, near-spastic notes of the incredibly contagious “Ten-Twenty-Ten”, one thing is clear about Generationals’ Actor-Caster: this is going to be a fun ride. The sophomore full-length from Ted Joyner and Grant Widmer follows down paths blazed by Belle and Sebasatian, The Magnetic Fields, and The Shins, sprinkling in their own guitar riffs and 1960-70′s influence to formulate their own personality. (bingelistening.com)

Low Roar - Low Roar

2011-11-26T12:00:00.000+01:00

Die erste Vorladung (VIII)

Personalien:
Low Roar ist Ryan Karazija, der eigentlich aus dem sonnigen Kalifornien stammt, derzeit aber in Reykjavik residiert.

Tathergang:
Ryan Karazija stand eigentlich dem Oaklander Trio Audrey Sessions vor, das 2009 auch ein Album veröffentlichte. Über die Station San Francisco landete er in Island, wo er nun unter Mithilfe des Schlagzeugers Júlíus Óttar Björgvinsson sein Solodebüt aufnahm.
"Low Roar" wird über Tonequake Records, das Label seines Produzent Andrew Scheps, veröffentlicht.

Plädoyer:
Ist es das isländische Wetter oder sind es die besonderen Landschaften der kleinen Insel, die so viele tolle, dort beheimatete Musiker - und ich fange hier erst gar keine Liste an - hervorbringen? Egal was es ist, es scheint auch Wirkung auf Zugereiste zu erzielen.
So weist "Low Roar", ein schönes, warmes, intimes Singer/Songwriter-Album, den typischen Island-Flair auf und sei Freunden von Sigur Rós, Helgi Jónsson oder der ruhigen und langsamen Radiohead-Songs besonders ans Herz gelegt. Highlight ist der letzte Song, das fast 8minütige "Tonight, Tonight Tonight" mit elektro-gefrickelten Beats, das Thom Yorke & Co. eigentlich so oft Zum Hören geben müsste, bis sie mal wieder selbst einen überzeugenden Track abliefern.
Ich möchte wetten, dass hier ein paar hohe Bewertungen fällig werden (und habe auch schon den ein oder anderen Kandidaten dafür vor Augen)...

Zeugen:

Großartig, grandios und gänsehauterzeugend, das waren die Gedanken, die mir durch den Kopf gingen, als ich zum ersten Mal «Tonight, tonight, tonight» der isländischen Ein-Mann-Band Low Roar hörte. Hinter diesem Projekt verbirgt sich Ryan Karazija, der auf seinem gerade erschienenen Debütalbum der herbstlich-winterlichen Melancholie frönt und atmosphärisch dichte und den Hörer wohlig umfangende Klänge mit auf den Weg gibt. Wäre ich euphorisch veranlagt, würde ich das Low Roar-Werk gar zu einem Anwärter auf meine Top 10 der „Alben des Jahres“ erklären (auch wenn es bei vielen Songs doch eher folkig zugeht und nicht ganz so genial wie bei «Tonight, tonight, tonight»). So verkehrt läge ich damit nicht!
(coast-is-clear)

There’s a thousand pretenders that think they can write this kind of music because they believe that they’re clever and introverted, but most of them don’t have the depth of talent required, normally producing bland and self-absorbed results, but this guy is different. We haven’t heard this style of emotional, personal songcraft delivered to these exceptional standards since Bright Eyes.

Just like fellow Icelanders, Sigur Ros, he matches timelessness with the cinematic, beauty and uplift with pain and harrowing melody. His vocals slip over the key changes and play your heartstrings like a royal quartet, much in the same way Thom Yorke did in Numb or Street Spirit (Fade Out). Ryan is an expert in creating fluid songs, full of tears that well up as the tracks build, before the flood gates open. By the end of the album you will feel in an utterly different emotional place from where you started. Only a lobotomy could hold back the effect that this masterful piece of work has on your emotions. At no point does the album feel lethargic or pedestrian, rather it’s more intelligent and wide open. This is music’s equivalent of a snowflake – ice cold and drifting alone, but delicate, momentary and designed to perfection.

As the winter months kick in this album will feel like it’s soundtracking the changing seasons. Whether it’s the folk structures found in the tune, Friends Make Garbage, Good Friends Take It Out, or the strings and rhythms that go on one long crescendo in Tonight, Tonight, Tonight, his skill and ability pulses throughout the LP. What seems on the surface like a bleak, melancholic album turns out to be something of a tale of hope, as what we might just see occurring here is a man that’s finally discovered his masterpiece by moving to a country that’s allowed some serious introspection.
(therecommender.net)

Indizien und Beweismittel:

12 Tonight, Tonight, Tonight by Ryan Karazija- LOW ROAR

Urteile:
Nun sind die werten Richter gefragt...

Stevie Jackson - (I Can't Get No) Stevie Jackson

2011-11-25T12:00:00.001+01:00

Die erste Vorladung (VII)

Personalien:
Stevie Jackson wurde in Glasgow geboren und legt mit mittlerweile 42 Jahren sein Debütalbum vor. Dies ist natürlich der Tatsache geschuldet, dass er Mitglied bei Belle & Sebastian ist.

Tathergang:
Nach Stuart David (Looper), Isobel Campbell (The Gentle Waves) und Stuart Murdoch (God Help The Girl) ist Stevie Jackson, das vierte Mitglied von Belle & Sebastian, das ein Album mit einem Nebenprojekt vorlegt. Jedoch ist er der Einzige, der diese Platte auch unter seinem tatsächlichen Namen veröffentlicht.
Jackson ist bei Belle & Sebastian als Gitarrist aktiv, steht bei Konzerten nur kurzzeitig neben dem omnipräsenten Murdoch im Rampenlicht und steuert in schöner Regelmäßigkeit einen Song pro Album bei, den er dann auch singt. Als Highlights seien hier die Single "Jonathan David" und "Seymour Stein" (von "The Boy With The Arab Strap") genannt, die übrigen Songs fallen nicht besonders positiv auf oder landeten nur auf Single B-Seiten.

Plädoyer:
Ein Plädoyer gestaltet sich schwierig, denn Stevie Jackson ist kein begnadeter Sänger (reiht sich aber noch vor Nicky Wire und John Squire ein) und die 12 Songs in Tradition britischer und amerikanischer Singer/Songwriter der 60er und 70er Jahre (Dylan, Cohen & Co.) stellen nun auch keinen ungeheuren Qualitätssprung dar.
Das Cover und der Titel von "(I Can't Get No) Stevie Jackson" sind recht witzig, die Platte gibt es als heavyweight vinyl im gatefold sleeve und das war's dann auch schon.
Eigentlich nur Belle & Sebastian-Fans zur Vervollständigung ihrer Sammlung wirklich zu empfehlen. Und dann wird sicherlich sogar deren "Storytelling" häufiger aufgelegt werden...

Zeugen:

The result is a collection of absolutely pleasant pop, but it’s lacking the wit Murdoch so often brings to the table. It isn’t an unfair comparison, considering that Murdoch is the king of the twee-pop realm. Still, Jackson has positive moments that try to outshine some of the sluggish output. A good example is found in “Telephone Song”, with a string-swept lovely chorus trying to sweep away dull verses. The acoustic “Bird’s Eye View” may nick the guitar line from “Read the Blessed Pages”, but it’s undeniably enjoyable, much like the Dave Clark Five-homage within “Press Send” (“Don’t send/Do send/Don’t send/Do/Press send”).

Unfortunately, there are times when Jackson tries to evoke others but falls short. He resembles Ben Folds at his worst in “Just, Just So to the Point”, a tuneless track that features lame, “ironic” white-boy rapping. Album closer “Feel the Morning” tries to bring back memories of The Kinks’ “Sunny Afternoon”, but winds up lazy rather than blazin’. Even album opener “Pure of Heart” and its punchy, staccato riffs tries desperately to call back his own band in Belle & Sebastian, only to appear effortless in a bad way, as in no effort was put into making this a good song.

At the end of the day, I Can’t Get No (Stevie Jackson) proves that Jackson is a perfectly capable guitarist for the band he plays in, who has the ability to whip a song now and again for a long player. Writing a whole album’s worth of material? Not so much. Basically, listen to every other Belle & Sebastian album instead.
(consequenceofsound.net)

Indizien und Beweismittel:

(I Can't Get No) Stevie Jackson by banchory

Urteile:
Nun sind die werten Richter gefragt...

Kids On A Crime Spree - We Love You So Bad

2011-11-24T12:00:00.004+01:00

Die erste Vorladung (VI)

Personalien:
Kids On A Crime Spree sind der aus Kalifornien stammende Mario Hernandez samt einiger Freunde, darunter Becky Barron (Schlagzeug) und Bill Evans (Gitarre).

Tathergang:
Angefixt durch die Back To Mono-Sammlung der Arbeiten von Phil Spector schrieb Hernandez mehr als 100 Songs, um Spectors Wall Of Sound nachzuspüren. Gemeinsam mit Barron und Evans, die gemeinsam mit ihm auch bereits bei From Bubblegum To Sky musizierten, wurden 8 Songs nahezu live eingespielt und als erste Veröffentlichung der Kids On A Crime Spree von Slumberland Records (das und dieses Jahr bereits mit Veronica Falls und The Pains Of BeingAt Heart Pure erfreute) heraus gebracht.

Plädoyer:
Es ist müßig zu diskutieren, ob "We Love You So Bad" mit seinen 20 Minuten jetzt eher eine EP oder das Debütalbum der Band darstellt. Ohne jeden Zweifel lässt sich aber festhalten, dass Barron ihr Schlagzeugspiel noch seltener variiert als Maureen Tucker, dass sie und Hernandez ziemlich schräg singen, Evans so sehr auf Gitarrenfeedback steht, wie The Jesus & Mary Chain ("I Don't Want To Call You Baby, Baby"), dass die Songs mal an The Raveonettes ("It's In My Blood") oder die Ramones ("To Mess With Dynamite") erinnern und dabei immer noch Zeit bleibt für Handclaps und Surf-Pop-Anleihen.

Zeugen:

With a catchy guitar hook and dream-pop vocals, “I Don’t Want to Call You Baby, Baby” kicks things off on a decent enough note. It has an old-school, 70′s rock vibe, with a good dash of distortion added to the mix. At just under two and a half minutes, however, the song feels like it’s over before it can truly get started.

The band appears to be particularly influenced by the Beach Boys, as a couple of the other songs on the EP feature their signature sound. “Sweet Tooth” is one of these such tunes and includes a simple guitar riff, hand-clapping, and a general early 60′s style. They veer off from this theme on other songs, however. For example, “To Mess With Dynamite” takes on a much more punk rock atmosphere. The song is mixed so badly, though, that the vocals are nearly indistinguishable from the instruments.

“Jean-Paul Sartre 2″ ends the album on an incredibly sour note. Screeching guitar feedback joins the main riff, repeated over and over until you’re ready to cover your ears in preparation for each moment. It’s a terrible end to an album that never quite exceeds or fails, and hardly something you want to leave an audience with. Kids on a Crime Spree don’t bring anything new to the surf rock trend, so they’ll likely have to branch out more if they want their music to be remembered.
(consequenceofsound.net)

Kids On A Crime Spree sind der beste Kompromiss, wenn du dich nicht entscheiden kannst, ob du lieber eine Ramones- oder eine The Jesus And Mary Chain-Platte auflegen sollst. Die Band kommt aus Kalifornien, legt eine wehrlos machende Lässigkeit bei der Exekution ihrer geradezu gnadenlosen Sommerhits an den Tag und reichert ihren Sound mit den momentan unsausweichlichen Phil Spector- und C86-Reminiszenzen an. Klingt auf dem Papier in etwa so wie die Vorgehensweise jeder zweiten sich gerade einen Namen machenden Band. Nach ein paar ihrer Songs wirst du aber ganz im Sinne der Who zugeben müssen: The Kids Are Alright.
(vice.com)

Indizien und Beweismittel:

Kids On A Crime Spree - Sweet Tooth from Slumberland Records on Vimeo.

Kids On A Crime Spree - Sweet Tooth by Slumberland Records

Urteile:
Nun sind die werten Richter gefragt...

Serenades - Criminal Heaven

2011-11-23T12:00:00.001+01:00

Die erste Vorladung (V)

Personalien:
Serenades ist das Nebenprojekt des Shout Out Loud-Frontmanns Adam Olenuis, das er gemeinsam mit dem Singer/Songwriter Marcus Krunegård (einigen vielleicht von der Band Laakso bekannt) betreibt.

Tathergang:
Serenades ist nicht das Ende der Shout Out Louds, aber die Möglichkeit für Olenuis und Krunegård die Gitarren zur Seite zu stellen, in anderen musikalischen Gefilden zu wildern und den Idolen ihrer Kindheit zu huldigen. In Schweden erschien das Debütalbum von Serenades bereits am 24. August über Cherrytree Records, für das sich Martin Kierszenbaum (der Mentor von Lady Gaga) verantwortlich zeichnet.
Deutschland wird wohl noch bis zum Frühjahr 2012 warten müssen.

Plädoyer:
Hoch lebe der Pop, den uns in der 80ern Bands wie a-ha, Aztec Camera, Prefab Sprout, Red Box, ABC oder Dream Academy lieferten! Das mögen sich zumindest Olenius & Krunegård gedacht haben, denn anders ist diese Synthie-Pop-Platte, auf der die beiden hauptsächlich auf schwülstigen, mehrstimmigen Harmoniegesang, liebliche Keyboards und softe, akustische Gitarren setzen, nicht zu erklären.
Freunde des 80er-Pops dürften sich über "Criminal Heaven" erfreut zeigen, sich wenig daran stören, dass "Come Home" ein wenig nach "Do They Know It's Christmas" klingt, und sie müssen sich auch nicht für ihre etwaigen hohen Bewertungen bei Platten vor Gericht für dieses Album schämen.

Zeugen:

Serenade ist kein "Abklatsch" der Shout Out Louds. Die Songs entlasten das Ohr ein wenig von üblichen Indie-Gitarrenriffs und tauschen sie gegen Pop-Melodien mit Streicher-Arrangements ein. Wenn man sie dennoch - weil ja nun mal der Kopf der Shout Out Louds ein Teil der Band ist - mit den Shout Out Louds vergleichen will, dann sind Serenades die poppige Ausuferung von ihnen.

Sie wollen weder modern noch wahnsinnig originell oder anders als alles sein, was es schon gibt. Und sie wollen auch nicht irritieren. Schön soll's halt klingen - so scheint die Devise des frisch vermählten Duos zu sein. Sie machen ein bisschen den Eindruck, als wüssten sie genau, was sie wollen. Als hätten sie Lust auf leichtfüßige Ohrwürmer und manchmal vielleicht sogar ein bisschen Lust auf einen Boygroup-Retrosound. Und dann passiert es, dass man bei dem zweiten veröffentlichten Song "Birds", den man auf ihrer Hompage hören kann, sogar manchmal an die Beach Boys erinnert wird.
(musikexpress.de)

Der Sound des Indie-Duos besticht durch die Zweistimmigkeit der Lead Vocals und kommt mit wunderschön orchestrierten, warmen Klängen daher. Die Band selbst beschreibt ihre Musik als von „brit romantic west coast“ inspirierte Tunes. In der Tat erinnert die satte Produktion an die ausgetüftelten Westcoast-Arrangements von Steely Dan oder Brian Wilson. Auch wer die romantische Seite des Brit-Pops à la Travis oder Coldplay mag, kommt bei Serenades auf seine Kosten.
(loft.de)

Indizien und Beweismittel:

SERENADES - Oceans by serenadesofficial

SERENADES - Birds by serenadesofficial

Earthquakes by serenadesofficial

Ortstermine:
24.11.11 Berlin, Comet Club
26.11.11 München, On3 Festival BR Funkhaus

Urteile:
Nun sind die werten Richter gefragt...

Dillon - This Silence Kills

2011-11-22T12:00:00.003+01:00

Die erste Vorladung (IV)

Personalien:
Dillon wurde in Brasilien geboren, lebte ab dem 4 Lebensjahr in Köln und mittlerweile in Berlin. Sie ist 23 Jahre alt, spricht Englisch besser als deutsch und heißt eigentlich Dominique Dillon de Byington.

Tathergang:
Dillons Debütalbum brauchte etwas Zeit, denn bereits vor einigen Jahren geisterte ihr Name als große deutsche Hoffnung durch die Medien, wie hier in einem Spiegel-Bericht vom Februar 2008. "This Silence Kills" wurde von Thies Mynther (Phantom/Ghost) und Tamer Fahri Özgönenc (MIT) produziert und erscheint über Ellen Alliens Label BPitch Control, das sich eigentlich eher der elektronischen Musik verschrieben hat.

Plädoyer:
Wer dachte, dass Boy die größte Entdeckung im Bereich weiblich, deutsch, jung... seien, der sieht sich, nachdem er "This Silence Kills" gehört hat, wohlmöglich eines Besseren belehrt. Egal, ob mit Elektro-Sounds ("This Silence Kills") gespielt, nahezu klassische Instrumentierung dargeboten ("Tip Tapping"), ein Song mit Techno-Beats unterlegt ("Abrupt Clarity") oder zu Piano, Bläsern und Fingerschnipsen Jens Lekmans "Pocketful Of Money" unter dem Titel "Thirteen Thirtyfive" neu interpretiert wird. Diese Platte ist genau so überzeugend wie stilistisch schwer zu beschreiben.
Auch den internationalen Vergleich muss Dillon nicht scheuen und so dürfte das Album Fans von Lykke Li, Björk, Soap&Skin, Joanna Newsom oder Miss Li sehr viel Freude bereiten.

Zeugen:

Ab der Hälfte des Albums treten die rudimentär vorhandenen Links zur elektronischen Welt deutlicher hervor. Der Track mit dem „Titel“ „____________“ klingt wie ein „ handgemachtes“ Stück Avant-Techno; die Instrumentalspur von „From One To Six Hundred Kilometers“ könnte dem gerade mal postmodernsten Stück Electronica entnommen worden sein und „Abrupt Clarity“ rauscht nach 45 Sekunden als Detroit-Techno-Track davon. Der Gesang von Dillon, diese ungewöhnliche Stimme mit der ungewöhnlich-ungeraden Phrasierung, dekontextualisiert noch den hartnäckigsten Genre-Track. This Silence Kills ist viel unanstrengender als das aktuelle Björk-Album, vielschichtiger als das letzte von Feist und ebenbürtig mit allem, was Miss Li bisher gemacht hat.
(musikexpress.de)

Wenn das hier überhaupt noch Independent-Musik und nicht schon Liedkunst ist, dann vielleicht am ehesten Indie-Operette. Beschwingt und doch lakonisch, melodiös und gleichzeitig zäh wirken die Stücke, die zum Teil auch von Joanna Newsom am Klavier stammen könnten. Dass es von Pathos zu Manieriertheit manchmal nur ein kurzer Weg ist, lässt sich nicht ändern.
(intro.de)

Auch wenn die Stimme der Wahl-Berlinerin zumeist die Aufmerksamkeit auf sich zu ziehen weiß, wirken die fragilen Melodien in Kombination mit der unterschwelligen Elektronik wie ein molliger Kokon, in dem sich der Hörer nach Gutdünken einrichten darf. Neben Fingerschnipsen, rudimentären Klavierklängen und Münzbeutel-Perkussion baut sich die elektronische Grundierung graduell auf. Während im ersten Teil von "This Silence Kills" die Empfindlich- und Innigkeit bis an die Schmerzgrenze zelebriert wird, breitet spätestens der namenlose Song "___________" den elektronischen Teppich aus, der mit atmosphärischer Electronica und einer Detroit-infizierten Techno-Verve geknüpft wird ("Abrupt Clarity").

Dillon ist mit ihrem Debüt etwas gelungen, dass Miss Li auch im fünften Versuch einfach nicht fertig bringt: der ambivalente Spagat zwischen hochanständiger Eingängigkeit und nonkonformistischer Grazie. "This Silence Kills" füllt mit Bravour die dramatisierenden Mäuler, die sich nach einer Restaurierung von BPC sehnten. Gerade weil das Label diese Frischzellenkur nicht benötigte, mausert sich Dillons Album tatsächlich zu einem kleinen Phänomen.
(motor.de)

Indizien und Beweismittel:

Ortstermine:
06.12.11 Hamburg, Prinzenbar
07.12.11 Köln, Studio 672
09.12.11 Heidelberg, Karlstorbahnhof
13.12.11 Frankfurt, Mousonturm
14.12.11 Stuttgart, Rocker 33
15.12.11 München, Kong
16.12.11 Leipzig, Skala
17.12.11 Berlin, ://aboutblank

Urteile:
Nun sind die werten Richter gefragt...

Under Electric Light - Waiting For The Rain To Fall

2011-11-21T12:00:00.000+01:00

Die erste Vorladung (III)

Personalien:
Hinter Under Electric Light verbirgt sich Danny Provencher, der aus Victoriaville, einem kleinen kanadischen Städtchen irgendwo zwischen Quebec und Montreal stammt.

Tathergang:
Nachdem Provencher zu Schulzeiten das Bass-Spielen erlernte, schrieb und produzierte er elektronische Musik unter dem Namen Under Electric Light. Nachdem seine erste, unbetitelte EP (2002) noch rein instrumental war, sang er auf den Nachfolgern (Never See The Light" EP, 2005, "Blue" EP, 2006, und "After The Blue" EP, 2007) erstmals.
Das Debütalbum "Waiting For The Rain To Fall" erschien im Frühjahr 2011 in Japan über Fastcut Records und wurde in Eigenvertrieb später auch in den USA veröffentlicht. Interessenten können hier fündig werden.

Plädoyer:
Als hätte einem jemand in den 90ern ein Mixtape mit unbekannten B-Seiten von Ride ("Take Me Away"), New Order ("Wintertime"), Field Mice ("A Sudden Move"), Revolver ("Waiting For The Rain To Fall"), My Bloody Valentnine ("Skyline") und Slowdive ("Someone Somewhere") aufgenommen, das man erst jetzt wieder entdeckt hat.

Zeugen:

Kanada, oh Kanada, was verbirgst du für wundervolle Schätze! Waiting For The Rain To Fall ist so ein Goldstück -- sowohl der Song als auch das gleichnamige Album des kanadischen Ein-Mann-Orchesters Under Electric Light aus Montreal. Danny Provencher hat so bereits 3 EPs und nun mit Waiting For The Rain To Fall seinen ersten Longplayer rausgebracht, der im Frühjahr in Japan großen Anklang fand. Kein Wunder, ist die Scheibe doch eine Dreampop-Perle allererster Güte. Verträumte Synthie-Landschaften tragen euch sanft in die unendlichen Weiten der kanandischen Wälder.
(shoegazr.de)

Provencher seemingly and quite effortlessly lulls us into this album immediately with “Take Me Away”, perhaps his most attractive and accessible track here. The brazing underbrush of raw guitar provides the perfect backdrop for the sweet melodies found throughout the album. This single notion provides the overall strength of this album. Not only does the contrast of two guitar layers provide enough to mediate the album into a solid product, but we also hear layered harmonies from Provencher himself. Indeed, we’ve got the full package here for a glorious debut.

Connecting two genres of shoe-gaze and rock propelled this album into the stratosphere for me. Being a fan of Hammock, but really digging the guitar melodies of Longwave (see Hurricane Bells), Under Electric Light is that niche band that will either hit you hard or leave you curious for more. “Someone Somewhere” adds yet another stunning track to Provencher’s work here as this memorable song fuzzes you into a dreamlike state as the album progresses.

But Waiting For The Rain To Fall won’t lull you to sleep. Tracks such as “This Moment” kick off nicely with some persistent drums in the background. In fact the song’s vocals almost move into lo-fi territory like that of The Radio Dept. Although this album features some low-key songs as opposed to the niche songs I just immediately fell in love with, the album flows nicely. A full listen is quite worthy here.
(musicunderfire.com)

Indizien und Beweismittel:

Under Electric Light - Take Me Away from under electric light on Vimeo.

Waiting For The Rain To Fall from under electric light on Vimeo.

&amp;amp;amp;amp;amp;lt;a href="http://underelectriclight.bandcamp.com/album/waiting-for-the-rain-to-fall"&amp;amp;amp;amp;amp;gt;Waiting For The Rain To Fall by Under Electric Light&amp;amp;amp;amp;amp;lt;/a&amp;amp;amp;amp;amp;gt;

Urteile:
Nun sind die werten Richter gefragt...

Jonathan Johansson - Klagomuren

2011-11-20T12:00:00.001+01:00

Die erste Vorladung (II)

Personalien:
Jonathan Johansson, 31, ist ein schwedischer Singer/Songwriter aus Malmö.

Tathergang:
"Klagomuren" ist nach "En Hand I Himlen" (2009) das zweite Album des Schweden. Zudem gibt es mit "OK, Ge Mig Timmarna" (2005) ein Album, das mit seiner vorherigen Band Hjältar entstand.
Die Songs "Blommorna" und "Stockholm" wurden bereits als Singles ausgekoppelt.
Das Album entstand in Zusammenarbeit mit Johan Eckeborn, der u.a. die Synthesizer bediente, sich für die Musik mitverantwortlich zeigte und die Produktion übernahm. Der finale Mix entstand in New York und u.a. in den Hansa Studios in Berlin.
"Klagomuren" erscheint auch auf Vinyl (auf 500 Exemplare limitiert) und ist über den Shop des Hybris Labels zu beziehen.

Plädoyer:
Das Cover könnte einen an Hurts erinnern und tatsächlich bekommen wir hier melancholischen Synthie-Pop zu hören, der jedoch seltener als bei den bei den Engländern mit 80er Zitaten spielt und streckenweise den letzten Platten von Johanssons Landsleuten Kent ähnelt.
Die 10 auf schwedisch gesungenen Titel fließen zu Beginn der Platte nahezu nahtlos ineinander über, weisen keinen Ausfall vor und haben neben den beiden Singles noch einige weitere Highlights zu bieten.

Zeugen:

Herrlich melancholisch ist die neue Single von Jonathan Johansson – „Blommorna“ (Blumen). Seit gestern Abend schwirrt mir der Track im Kopf rum und hat mit seinem elektronischem Groove und der perligen Hookline gute Chancen mein Sommerhit zu werden. Die Stimmung einer Sommerparty trifft auf „Blommorna“ genau so gut zu, wie eine einsame Autofahrt durch eine laue Nacht.

Besonders berührend ist dabei der aspirierte Gesang von Johansson, der mit einer hohen Falsettostimme gedoppelt wird und so besonders fragil wirkt. Dabei ist der Song so eingängig, dass er selbst Hörer, die des Schwedischen nicht mächtig sind beeindruckt.
(mittsommernachtsspitzen.de)

‘En Hand I Himlen’ was a heart gripping pop epiphany – ‘Klagomuren’ is not. An epiphany, that is, and for all the obvious reasons: This time I’ve had an idea of what was to come and there’s been (high) expectations. It is, however, just as gripping and no less of a pop album, offering both upbeat (singles ‘Stockholm’ and ‘Blommorna’) and downbeat (‘Centrum’ and ‘Redan Glömda’) highlights showered in the classic Scandinavian and that special Johansson melancholy. It’s an album that grows with each listen, and as it does it stands out as even more coherent and whole than ‘En Hand I Himlen’, making me feel almost guilty to pick favorites among the nine songs and an intro. Simply another exceptional effort!
(allscandinavian.com)

Indizien und Beweismittel:

Urteile:
Nun sind die werten Richter gefragt...

I Heart Sharks - Summer

2011-11-19T12:00:00.001+01:00

Die erste Vorladung (I)

Personalien:
I Heart Sharks sind Pierre, Georg und Simon, ein nach eigenen Angaben deutsch-britisches Indie Kollektiv, das sich in Berlin gefunden und angesiedelt hat.

Tathergang:
Set 2007 musizieren die Hai-Liebhaber gemeinsam, wobei der Engländer Pierre den Gesang übernimmt, während Simon für Melodien sorgt (Gitarre, Synthies) und George den Rhythmus beiträgt (Drums, Samples). Die bereits etwas betagte EP "Wolves" und die aktuelle Single "Neuzeit" waren die ersten Vorboten für das soeben veröffentlichte Debütalbum "Summer", welches unter finanzieller Beteiligung der Fans (im Gegenzug für Merchandise, Hauskonzerte, DJ Sets usw.) entstand.
I Heart Sharks zeichnen sich nicht nur für ihre Musik verantwortlich, sondern auch für Artworks, Videos und Produktion.

Plädoyer:
"Summer" liefert elektronische, energetische Tanz-Musik (mit gelegentlichen Anleihen bei New Wave, Synthie-Pop, Electronica und Britpop), deren Spannungsfeld die Band auf ihrer facebook-Seite selbst sehr schön umschreibt:

We want to marry Björk in a valley in Iceland. We want to run through the moss on high heels with Karin Dreijer. We want to pretend to be a polar bear with Grauzone, because then we wouldn't have to cry. We want to visit Vienna with Midge Ure, Rome with Performance and check if there's life on Mars with David Bowie. We want to live on a farm with Jeans Team, and teach Orlando Weeks some kind words whilst he brushes his teeth. We want to sleep in Metropolis.

In einer stilistisch sortierten Plattensammlung könnte "Summer" prima zwischen den Album von Two Door Cinema Club und Ou Est Le Swimming Pool stehen.

Zeugen:

Die Band hat den „Berlin-Sound“ aufgesogen, diesen immer noch leicht revolutionären, nach Aufbruch schmeckenden Sound. Ohne Probleme kann man sich I Heart Sharks vorstellen, wie sie mit erhobenen Fäusten die Bühne betreten: Wir sind da, wir kämpfen für Euch, gegen die Dinge, gegen die es sich zu kämpfen lohnt. Wofür wissen wir noch nicht, aber das hier, das ist unsere Musik dazu. Doch die ist keineswegs unkonventionell oder avantgardistisch, wie man es von der Bohème, den „intellektuellen Randgruppen“ (Wikipedia) erwarten könnte. Es ist elektronische Popmusik. Nicht allzu poppig, doch eher mit runden, als mit kantigen Ecken. (...)

Mag es dem Album an einer lyrischen Basis mangeln, die die vielen leeren Floskeln mit Leben füllen könnte. Mag es aufdringlich und laut sein. Mag es bloß den Anspruch haben, cool zu sein. Mit „Summer“ veröffentlichen I Heart Sharks ein schnelles Elektropop-Album, das geschickt instrumentiert ist und dessen Spannung über die Länge der Platte gehalten wird. Wer keine lyrischen Wunderwerke erwartet, bekommt zwölf tanzbare melodische Tracks, an denen man sich nahezu ergötzen kann, denn der zunächst eingebildet wirkende Gesang bekommt nach mehrmaligem Hören eine tranceartige Note. Die Gitarren und Synthesizer wirken bewusst platziert und lebendig. Lediglich eine kleine Verschnaufpause täte dem Album gut, ein Instrumentalstück zum Beispiel.
(byte.fm)

Indizien und Beweismittel:

I Heart Sharks - Neuzeit from I Heart Sharks on Vimeo.

Ortstermine:
19.11.11 Köln, GETADDICTED
24.11.11 Dresden, Scheune
20.12.11 Potsdam, Ruby's Tuesday

Urteile:
Nun sind die werten Richter gefragt...

Other Lives - Tamer Animals

2011-11-18T14:55:00.001+01:00

Eric Pfeil ist wieder da. Eine Erkrankung am Auge hinderte ihn längere Zeit am Schreiben seines großartigen Pop-Tagebuchs. Letzten Mittwoch war es dann aber wieder soweit: Die Mail mit dem Betreff [Das Pop-Tagebuch] hatte sofort meine komplette Aufmerksamkeit und nach einem kurzen, aber sehr anschaulichen Bericht über sein Augenleiden und einer Liste der "epochalsten Songs über Augen", las ich irgendwo den Satz: "Die junge Band Other Lives […] hat das "Deserter's Songs" der Jutebeutel-Generation aufgenommen: Eine unwirklich tönende Märchenplatte, die klingt, als halle eine mit einigen Prog-Schmankerln versetzte Americana-Best-Of-Mix-CD aus den Tiefen des Gran Canyon empor." Gedanklich war ich sofort wieder im Blue Shell, wo ich am 10. November ein Konzert der Other Lives sah. Nun, das Blue Shell besitzt nicht ganz die Ausmaße des Grand Canyon, hätte sie an diesem Abend aber locker gebrauchen können. Der opulente Sound der Band aus Stillwater, Oklahoma war fast zu mächtig für den kleinen Club. Es war eins der besten Konzerte des Jahres.

Die Band existiert schon seit 2004 und abseits diverser EPs und dem selbstbetitelten Album hatten sie das Privileg als mehr oder weniger passende Hintergrundbeschallung einiger US-Serien herzuhalten. Mit ‘Tamer Animals’ setzt man aber nun zum bescheidenen großen Wurf an. Bescheiden weil das Album den Hörer nicht schlichtweg erschlägt, sondern dem inneren Auge ganz große Bilder vorgaukelt, ohne in hippieske oder gar esoterische Gefildern zu wandern. (www.bedroomdisco.de)

Other Lives - For 12 von Joel-Spiggott

Der Opener “Dark Horse” treibt den Hörer in einem dunklen Stakkato voran zu Streicherarrangements, die auch von Ennio Morricone stammen könnten. Dazu schwereloser Melodigesang, wie ihn die Fleet Foxes nicht besser hinkriegen könnten. In “As I Lay My Head Down” legen Other Lives noch eine Spur Dramatik oben drauf und erzeugen zu einem dunklen Space-Western-Sound eine unglaublich dichte, beinahe unwirkliche Stimmung. Einer der stärksten Tracks des Albums ist der Titel-Song “Tamer Animals” mit toller Klaviermelodie und einem tollen Spannungsbogen, das alle Stärken des Albums in nur vier Minuten vereint. (whitetapes.de)

Bitte hören:

Tamer Animals by Other Lives

We Are Augustines - Rise Ye Sunken Ships

2011-11-17T12:46:00.001+01:00

Im Jahr 2007 erschien von der europäischen (und ich fürchte auch weitgehend von der amerikanischen) Öffentlichkeit unbeachtet, ein Album namens Anytown Graffiti der Brooklyner Band Pela. Popmatters behauptete, “it is one of the year’s best. Pela are a self-styled “American” rock and roll band, with Bruce Springsteen, The Replacements, Wilco, and the Hold Steady as guiding influences.” Dieses Album wurde mir damals wärmstens empfohlen und läuft seitdem regelmäßig auf meinen mobilen und immobilen Musikabspielgeräten. Für mich herausragender Song des Albums ist Cavalry:

Pela - "Cavalry" von worldsfair

Aufgrund größerer und kleinerer Probleme mit Plattenlabeln im Speziellen und der Musikindustrie im Gesamten, gab die Band im September 2009 ihre Auflösung bekannt. 2010 gründeten Sänger und Gitarrist Billy McCarthy und Bassist Eric Sanderson die Band Augustines. Um Verwechslungen mit Combos gleichen Namens vorzubeugen, benannten sie sich noch flugs in We Are Augustines um, beendeten das nie fertig gestellte zweite Pela Album und brachten es unter dem Namen Rise Ye Sunken Ships Mitte dieses Jahres heraus. Für mich herausragender Song des Albums ist Chapel Song:

Stark beeinflusst wurde das Album vom nicht gerade problemlosen Leben von Billy McCarthys Bruder James und dessen Selbstmord. Wer möchte, kann hier mehr dazu nachlesen.

Unlike the direction of artists like Bon Iver and The Antlers, who created hauntingly pretty works after having their hearts broken with For Emma, Forever Ago and Hospice, respectively, We Are Augustines takes the opposite approach with Rise Ye Sunken Ships.

It aims for redemption and triumph through nimble electric guitars, propulsive drums, pulsing bass lines and Billy McCarthy’s brazen and distinct howl. It all blends to form frustrated yet pensive sonic scenes.

Throughout the record, the songs’ emotional undercurrent hinges on the subject and content. Music is either angry and dark (“Patton State Hospital”, “Juarez”) or a blend of major and minor-keyed, more exultant pieces (“Book of James”, “Chapel Song”).

A few songs are quieter and stick to a gradual pace, notably “Barrel of Leaves,” a piano-lead ballad, and “East Los Angeles,” an acoustic guitar procession. Their quieter tempos, sparse instrumentation and resigned lyrics bring a welcome change of context and pace.

The most memorable and emotional song comes in “The Book of James,” where Billy and Jim trade perspectives. With lifting trumpets, sweeps of electronic accentuations and frantic handclaps, the two brothers sing back and forth to each other. Billy: “He stood there in his shoes, unable to move. / Kid, I drove all night here / to tell you I love you.”

Then Jim: “I stand in my shoes / unable to move / with my hat in my hands / at the bottom of the ocean.”

This song, one of the highlights of the album, also contains one the record’s flaws: A few breakdowns last too long. In “Book of James,” the momentum already hit its peak around the three-minute mark, but the music continues with a mostly instrumental outro that lasts nearly two minutes. (pastemagazin.com)

We Are Augustines | Book Of James from matt amato on Vimeo.

Freunde der Musik von The National und/oder iLiKETRAiNS sollten der Band unbedingt mal ein Ohr schenken.

Snow Patrol - Fallen Empire

2011-11-17T07:50:00.001+01:00

Zum 20jährigen Jubiläum von "Achtung Baby" gibt es ein empfehlenswertes Tribute-Album des Q Magazines mit dem Titel "(AhK-toong Bay-bi) Covered". Darauf sind so illustre Namen vertreten wie Nine Inch Nails ("Zoo Station"), Depeche Mode ("So Cruel"), Patti Smith ("Until The End Of The World"), Jack White ("Love Is Blindness") oder Snow Patrol ("Mysterious Ways").
Eben jene Snow Patrol, die sich im verlauf von fünf Platten vom Indierock-Geheimtipp zum Stadion-Act entwickelt haben, dessen pathetische Lieder mittlerweile sogar zum Standard-Repertoire von Casting-Shows gehören. Dieser Wandel mag einem gefallen oder nicht, beim schwachen letzten Album "A Hundred Million Suns" gab es diese Wahlmöglichkeit eigentlich nicht.

Vielleicht wurden die fünf Schotten durch die Aufnahme von "Mysterious Ways" oder die Erinnerung an den mutigen kreativen Schritt und den gewagten Imagewandel von U2 Anfang der 90er beeinflusst, auf jeden Fall klingen die ersten 3 Titel von "Fallen Empire" so, als hätten sie sich ein Beispiel an den vier Iren genommen. Gary Lightbodys Stimme erklingt zunächst verzerrt, dazu Elektro-Gefrickel, Synthie-Sequenzen und flotte Beats. Da darf ein Titel namens "Berlin", der, klar, in den dortigen Hansa Studios aufgenommen wurde, natürlich nicht fehlen.
Doch leider bleiben Snow Patrol nicht konsequent und zeigen sich auf den noch folgenden 11 Titeln nur noch beim Titelsong und "The Symphony" experimentierfreudig, der Rest ist Business as usal.
Snow Patrol haben sich für die 14 Titel drei Jahre Zeit genommen, liefern viel Musik (fast 60 Minuten) und noch mehr Bombast ab, lassen den schwachen Vorgänger vergessen, können aber an ihre ganz großen früheren Momente nicht heranreichen. Als Highlights seien hier das durch Streicher angereicherte "This Isn't Everything You Are", das sich auch gut auf "Mylo Xyloto" gemacht hätte, "The Garden Rules" mit Elbow-artigem Chorgesang und das Duett mit der amerikanischen Folksängerin Jessie ("Those Distant Bells") empfohlen.

Snow Patrol - Called Out In The Dark from Madmo on Vimeo.

(...) ist es nicht ganz einfach, das sechste Album der Schotten in Worte zu fassen. Es passiert eine Menge auf Fallen Empires, und beileibe ist nicht alles so schlecht wie der Ruf der Band aus Dundee. So scheint sich Chef Gary Lightbody (wieder?) mit dem frühen Werk der Simple Minds vertraut gemacht zu haben. Der Albumtitel lässt darauf genauso schließen wie der Synthesizer-Sound, der sich durch „I’ll Never Let Go“ zieht. Ähnliches hatte man ja schon bei der Vorab-Single-Auskopplung „Calling Out In The Dark“ gedacht. Gary Lightbody suchte offenkundig die Herausforderung, ist mit seiner Band aber nicht völlig zum Elektro oder ganz allgemein zur Clubmusik umgeschwenkt. Die Rock-Ballade, die man bei dieser Band immer befürchten muss, die knietief in keltischer Melancholie steckt und sich mit Chören und Orchesterelementen kräftig aufplustert, spielt nach wie vor eine sehr große Rolle. Bisweilen drücken Snow Patrol allerdings so kräftig auf die Tränendrüse, dass man am liebsten ganz schnell zum nächsten Track springen will. Wenn man Glück hat, stößt man beim Skippen dann auf den Titelsong, der von einpeitschenden Trommeln und einer Mandoline angetrieben wird. Da merkt man, dass Snow Patrol durchaus eine Rockband mit Mumm sein können. Wenn sie nur wollen würden.
(musikexpress.de)

Snow Patrol - This Isn't Everything You Are from TheThirdBar.com on Vimeo.

Snow Patrol in Deutschland:

25.02.12 Berlin, Tempodrom
26.02.12 Düsseldorf, Phillipshalle
28.02.12 Frankfurt, Jahrhunderthalle
04.03.12 München, Zenith

Niels Frevert–Zettel auf dem Boden

2011-11-16T06:59:00.001+01:00

Es gibt in Deutschland einige Singer/Songwriter, die gute Arbeit leisten (und Volker kennt sie alle ). Doch viele von ihnen bzw. deren Output finde ich nicht selten anstrengend. Man muss sich bedeutungsschwangeren Auslassungen hingeben, um der Musik etwas abgewinnen zu können und ich habe ein schlechtes Gewissen, wenn ich die Songs einfach “nebenher” höre. Auch Niels Freverts Alben gehörten für mich bislang in diese Kategorie. Doch mit “Zettel auf dem Boden” liefert er nun eine wunderbar entspannte Platte ab. Er erzählt einfach Geschichten aus dem Leben. Und er tut dies wie ein guter Bekannter, den man zufällig in den Kneipe getroffen hat. Oder wie im Gespräch mit Marcus Wiebusch “Am Tisch”.

Bei einer Rückschau auf Freverts Schaffen kommt man natürlich nicht an seiner Band Nationalgalerie vorbei. Spätestens mit deren Album “Indiana” beeindruckten sie viele Hörer und gaben anderen Musikern Antrieb und Inspiration und damit gutem Indierock mit deutschen Texten einen willkommenen Schub. Leider war nach vier Alben im Jahr 1995 Schluss mit der Band. Frevert schwamm sich frei und mit “Zettel auf dem Boden” veröffentlicht er nun bereits sein viertes Solowerk und zugleich eines der besten Singer/Songwriter und Pop-Alben des Jahres 2011.

Äußerungen des Plattenlabels stehe ich mit einer gesunden Skepsis gegenüber. Aber diesen Ausführungen von Tapete Records stimme ich zu:

Das Herz jedes Liedes bilden Akustikgitarre und Klavier, die Basis besteht aus Bass und Schlagzeug, und das alles wurde live eingespielt, elegant veredelt mit Streichern, Vibraphon, Bläsern, Akkordeon und Chören. So klingt das, wenn Fertigkeit, Selbstvertrauen und Gelassenheit zusammenkommen. Hier will niemand irgendwem irgendwas beweisen. Hier ist alles Musik, Herzlichkeit und Poesie ohne Pose.

Als besonders gelungen empfinde ich die Songs “Ich würde dir helfen, eine Leiche zu verscharren, wenn's nicht meine ist”, “Zürich” und “Küchensee”.

Das Video zu “Ich würde dir helfen, eine Leiche zu verscharren, wenn's nicht meine ist”:

Niels Frevert ist bei diesen Gelegenheiten auf der Bühne anzutreffen:

07.12.11 Hannover – Faust
08.12.11 Hamburg - Uebel & Gefährlich
09.12.11 Berlin – Lido
10.12.11 Leipzig – Moritzbastei
12.12.11 Stuttgart – Zwölfzehn
13.12.11 Frankfurt - Das Bett
14.12.11 Köln – Luxor
15.12.11 München - Hansa 39
16.12.11 A-Wien – B72
17.12.11 Essen - Zeche Car

We Invented Paris - We Invented Paris

2011-11-15T13:18:00.001+01:00

We Invented Paris stammen aus Basel. Ich kann mir aber gut vorstellen, dass die Band ihre Heimatstadt in letzter Zeit recht selten zu Gesicht bekam. Eineinhalb Jahre existiert das Kollektiv um "so drei Mann, die die Grundbesetzung bilden" jetzt und wenn man sich mal deren Konzert-Seite für 2011 auf last.fm ansieht, kommt man locker auf über 50 Konzerte, die sowohl in privaten Wohnzimmern als auch in Clubs stattfanden. Aber selbst aus den Club-Konzerten werden gefühlte Wohnzimmerkonzerte, wenn es sich die Band unter den Zuschauern gemütlich macht und ihre Songs präsentiert.


We Invented Paris am 11. Juni 2011 im Kult 41, Bonn

Anfang November erschien dann endlich das erste Album der Schweizer, welches allerdings von Sänger Flavian Graber und Produzent Alex Sprave größtenteils schon letztes Jahr aufgenommen wurde. Wenn man We Invented Paris schon mal live erleben durfte, erkennt man auch schnell den Unterschied zwischen den Konzertversionen der Songs und denen auf dem Tonträger: "Die Songs haben sich aber jetzt auf der Tour sehr viel weiter entwickelt und deshalb ist es nicht immer genau das, was man auf der Platte hört", sagt Flavian dazu.

Dessen ungeachtet ist We Invented Paris ein mehr als gelungenes Debütalbum, welches Indiepop, Indietronic und Folk gekonnt miteinander verwebt. „Wir nennen das oft melancholische Lebensfreude. Dieses einerseits nachdenkliche, aber trotzdem nicht weinerlich Schwere“.

Die Songs verbinden die Leichtigkeit einer mediterranen Sommernacht mit der allgemeinen Tristesse einer mittelgroßen deutschen Industriestadt. Streicher, Wurlitzer, Piano und elektronische Elemente verdichten das Gerüst der ineinander verwobenen Gitarrenflächen zu einem Sound, der live und auf Platte angenehme Wärme verbreitet. (musik-magazin.blog.de)

Nach der instrumentalen Einführung "Ouverture" marschiert "The busker" im Gleichschritt hin zur dominierenden Clap-Rhythmik. "A view that almost kills" schüttelt Marakas-ähnliche Rasseln zu Akustikgitarre und dem Flair des ganzen Folk-Pop-Business. […] "Kyrie" durchziehen sämige, synthetische Orgelklänge, und das verliebte "Bubbletrees" wagt mit der Melodica einen kleinen Schritt zur Sehnsucht. "Public places" hantiert offenherzig mit Post-Rock, und "Nothing to say" ist eine rhythmische Ehrerbietung für Radiohead. Der dezentrale Gesang Thom Yorkes zieht durch das elektronisch-traktierte "More" und bildet im Gesamtpaket das Gegenteil zur sekundenlangen Stille und der generellen Reduziertheit von "Silence". (plattentests.de)

Bis Februar machen We Invented Paris ein wohlverdientes Konzertpäuschen. Bis dahin kann man hier ihr Album hören, es gut finden und es anschließend im Plattenladen des Vertrauens käuflich erwerben.

Zola Jesus - Conatus

2011-11-14T15:10:00.001+01:00

Gerade rechtzeitig zum Auftakt ihrer vier Deutschlandtermine (Daten siehe unten), folgt hier noch rasch die Vorstellung von Zola Jesus‘ neuem Album Conatus.

Düstere Synthies und echte Streicher, bombastische Drums und über allem die fantastische Stimme von Nika Roza Danilova machen das Album wieder zu einem wahren Hörerlebnis. Wer das Vorgängeralbum Stridulum II mochte, wird auch an dem aktuellen Werk der jungen Amerikanerin mit russischen Wurzeln Gefallen finden. Und wer es zu schwülstig und bombastisch fand, lässt besser weiterhin die Finger davon.

Klanglich ist „Conatus“ eine klare Fortführung des „Stridulum“-Sounds, Nika Roza Danilova hat Beats und Synths weiter verfeinert und poliert, dazu augmentieren Streicher oder gleich zu Beginn glitchig umherflitterndes Elektroknarzen die Klangwelt. (auftouren.de)

Auf dem neuen Album weht uns außerirdisch erscheinende Musik aus düsteren Synthie-Pop und klassischer Oper, entrücktem Gothic, Wave und Industrial entgegen. Die Beats gleichen dem Herzschlag. Schneller Puls, langsamer Puls. Das erinnert an die Minustemperaturen von Cocteau Twins, an den sphärischen, rhythmischen Gothic-Wave von Siouxsie and the Banshees, der Dramatik von These New Puritans, an Cold Cave und Esben and The Witch. (schallgrenzen.de)

Das Album kann man sich hier im Stream anhören.

Tourdaten:
17. November Köln, Stadtgarten
18. November Heidelberg, Karlstorbahnhof
19. November München, Orange House
20. November Frankfurt, Sinkkasten

Wie klingt Zola Jesus eigentlich live?

David Lynch – Crazy clown time

2011-11-12T19:13:00.001+01:00

David Lynch ist gemeinhin eher als Regisseur denn als Musiker bekannt. Filme wie “Dune”, “Blue velvet”, “Wild at heart”, “Lost highway” und “Mulholland drive” sowie die TV-Serie “Twin peaks” funktionierten mehr oder weniger ein Stück abseits des Mainstreams und bescherten dem einen oder anderen Zuschauer ein paar rätselhafte Minuten oder Stunden oder gar schlafarme Nächte. Musik spielte in Lynchs Werken häufig eine wichtige Rolle und neben der Gestaltung einiger Soundtracks war der Künstler auch schon als Texter für Julee Cruise tätig und vor zehn Jahren veröffentlichte er ein Rockalbum. Außerhalb seiner Filme begegnete Lynch mir musikalisch erstmals auf “Dark night of the soul”.

Während mich Lynchs filmisches Schaffen bislang nicht staunend oder gar bewundernd zurückließ fand ich die Hoffnung, dass er dessen düster-experimentelle Grundstimmung in Musik umsetzt reizvoll. “Crazy clown time” beginnt auch recht verheißungsvoll mit dem frühen Höhepunkt in Form des mit Yeah Yeah Yeahs-Karen O eingespielten “Pinky’s dream”. Danach entwickelt sich das Album in eine nicht wirklich homogene aber trotzdem relativ runde Mischung aus Elektropop, Trip Hop und Blues. Da Lynch die Blues-Elemente glaubhaft darbietet, macht dieser Aspekt die Besonderheit des Werks aus. Die Titel “Strange and unproductive thinking” und “Stone’s gone up” verdienen noch besondere Erwähnung. Darüber hinaus ist “Crazy clown time” weniger speziell als Lynchs Filme aber durchaus hörenswert.

Der Musikexpress scheint etwas begeisterter und ernennt es gar zur “Platte des Monats”, liefert aber auch gleich eine mögliche Erklärung für diese abweichende Interpretation:

So eine fiese, irritierende Platte wie Crazy Clown Time wird man so schnell nicht mehr hören. Allerdings wird dieses Album mit großer Wahrscheinlichkeit wohl auch nur jenen Menschen gefallen, die die Filme von David Lynch zu schätzen wissen.

Ein Video konnte ich nicht finden, aber das mit “Pinky’s dream” unterlegte Albumcover:

Electric Ocean People - Belly Of A Whale

2011-11-11T11:11:00.001+01:00

Kann es einen besseren Termin zur Veröffentlichung des ersten Albums einer Band geben als den 11.11.11?!
Das müssen sich Electric Ocean People auch gedacht haben, denn "Belly Of A Whale" wurde über das eigens gegründete Label "Brutkasten" heute veröffentlicht.
Aufgenommen wurde die Platte im Sommer 2011 in einer Hamburger Turnhalle, wobei die Band auch gleich für die Produktion und den abschließenden Mix sorgte. Ohne passende Sportbekleidung, aber mit ihren Instrumenten fanden sich dort auch befreundete Künstler wie Cico Beck (Joasihno) oder Fee Kürten (Tellavision) ein, um ihren Part zu "Belly Of A Whale" beizutragen.
Für ihre ersten beiden EPs "...for the wired youth" und "Concrete & Machines" erhielten die Hamburger bereits wohlwollende Rückmeldungen und nette Vergleiche

"(...) Björk’sche Harmonien und The-Notwist-Gefrickel.Top."
Intro (Januar 2011)

"Electric Ocean People schaffen wieder berauschende Klänge, die irgendwo zwischen Ambient und Post-Indierock umhertaumeln, jedoch keine Schublade finden"
Rote Raupe (November 2010)

"Ein Hoch auf diesen Hintergrund, auf wohlklingende Klimpereien, ‘ne Menge Loops, Regen in Hamburg und auf Echo aus dem "Brutkasten"
Opak Magazin (November 2010)

die genau so auch auf das Debütalbum zu übertragen sind. Der "Waschzettel" beschreibt die 12 Titel "zwischen subtilen Soundcollagen und geloopter Melancholie, dezentem Klavier und flirrender Elektronik über der am Ende die entrückte Stimme von Sängerin Julia steht". Und auch das möchte man so unterschreiben. Teilweise recht experimentell (und mit einem Ohr bei Radiohead), mitunter ein wenig anstrengend (die entrückte Stimme), aber auf jeden Fall hörenswert.

Electric Ocean People live:

25.11.11 Stuttgart, Wagenhallen
09.12.12 Offenbach, Hafen 2
13.12.12 Erfurt, Franz Mehlhose
25.02.12 Berlin, Schokoladen

PeterLicht - Das Ende der Beschwerde

2011-11-10T07:00:00.001+01:00

Wir waren am Wochenende beim Frankfurter Konzert von PeterLicht und das Album wurde hier noch nicht erwähnt! Dabei ist es einerseits bereits seit 2 Wochen käuflich zu erwerben und andererseits hat PeterLicht hier einen 2. Platz aus dem Jahr 2008 ("Melancholie & Gesellschaft") zu verteidigen.

Das fünfte Album des Kölners wird von "Sag mir, wo ich beginnen soll" eröffnet, und man kann sich nun entscheiden ob man a) über diese experimentelle und ungewöhnliche Eröffnung (monotones Streichen des Cellos, dezente, dissonante Störgeräusche, divergierende Rhythmen und Sprechgesang im Stile der Goldenen Zitronen) begeistert ist oder b) oder den Songtitel leicht genervt mit "Am Besten beim zweiten Stück" kommentieren möchte.
Es folgen im Verlauf der Platte mit "Begrabt mein iPhone an der Biegung des Flusses", "Das Ende der Beschwerde / Du musst dein Leben ändern" und dem an New Order erinnernden "Neue Idee" drei flotte, eingängige Popsongs ohne große Ecken und Kanten, die ein noch größeres Publikum für Herrn Licht erschließen könnten. Dazwischen werden selbstverständlich wieder schöne Bilder gesponnen und wohlige Klänge kreiert, die häufig an Kante auf Schmuse-Kurs erinnern, aber (mich) seltener überzeugen können ("Wir / Was / Wir / Wolln") als auf den Platten zuvor. Aber das ist beschweren auf hohem Niveau und wenn sich Thees Uhlmann dem Mainstream öffnen und damit größere Erfolge erzielen darf, dann doch auch PeterLicht.

Willkommen auf dem Home Turf des Peter Licht, wo Ideen von Utopien beworben, Diskussionen gesungen, Strategien gedacht werden, wie aus dem Schwarm der Objekte schöne neue Subjekte werden können. Dort werden die Bilder entworfen, in denen die Lieder drehen, bis sie im Kopf tanzen: Licht-Schauspiele mit Merksätzen fürs Poesie-Album: „Begrabt mein iPhone an der Biegung des Flusses“. Peter Licht hat eine Wall of Sound and Words gebaut, an der wir uns mit ihm entlanghangeln können, Songs, bei denen akustisch die Sonne aufgeht. Die neue Platte des Kölner Songwriters und Autors ist basslastiger, voluminöser geworden, mehr New Order als Blumfeld, eher Rock’n’Roll als Chanson, um die ältesten verfügbaren Worte zu finden – den Kollegen aus der Alternative-Ecke, den Lautsprechern aus den selbsternannten deutschen Schulen immer einen Gedanken, eine Textzeile voraus. Ein böser Mensch, wer dabei ein Griemeln auf Lichts Gesicht entdeckt. "Das Ende der Beschwerde" macht Lust auf Erweiterung: Die Freiheit und die Möglichkeiten singen, wie Peter Licht das ausdrückt. In Wirklichkeit ein Anfang, kein Ende. Jedes mal wieder neu, wenn man sich in die große Popspirale begibt. Dorthin, wo die Melodien so schnell nicht versiegen. Schlaraffenland, wir kommen!
(musikexpress.de)

We Were Promised Jetpacks - In The Pit Of The Stomach

2011-11-08T21:42:00.002+01:00

Ein ähnliches Feld wie die Flashguns beackern auch die schottischen We Were Promised Jetpacks. Zumindest noch auf ihrem ersten Album.
"In The Pit Of The Stomach" wurde im Sundlaugin Studio von Sigur Rós auf Island innerhalb von 8 Tagen unter Mithilfe ihres langjährigen Live-Toningenieurs Andrew Bush und Peter Katis (The National, Frightened Rabbit, Fanfarlo) aufgenommen und ist nach "These Four Walls" deren zweites Album. Im Vergleich zum Vorgänger schlägt es eine andere Richtung ein und kann in vielen Bereichen noch einmal zulegen. Denn die Aufnahmen standen wohl unter dem Motto "härter, schneller und wuchtiger" und so erfahren die Zuhörer erst jetzt, was es heißt von Raketenantrieben durch 12 Rocksongs katapultiert zu werden. Da gibt es kaum ein Halten und leider auch wenig packende Melodien oder Refrains. Teilweise gehen We Were Promised Jetpacks regelrecht brachial zu Werke und man ist froh, wenn die Band Progrock-Elemente einbaut ("Act Of Impulse"), das Tempo einmal herunterfährt und die Wall of Sound abträgt, so dass man kurz Zeit hat, um Luft zu schnappen.

Bereits der Opener “Circles and Squares” brettert dann schon ordentlich los. Der Song ist laut, schnell und zeigt die ganze Wucht der Band. Das, was sie in der Folge bieten ist bis auf einige ruhigere Bridges in den Stücken schon ein wahres Rockbrett mit massiven Breitwand-Gitarren. Das große Tempo unterbrechen die Jungs nur, um an ein paar Stellen die Stücke ein wenig atmosphärisch auszuarbeiten, wie sie es auf dem Debüt bei “Keeping Warm” schon so herrlich gemacht haben. Diese Momente des Innehaltens sind aber doch eher selten und so ist “In The Pit Of The Stomach” vor allem eines: laut!

Das gesamte Album ist bei aller Wucht und Freude am gereiften abrocken derlei laut produziert, dass man kaum feine Nuancen in den Stücken wahrnehmen kann. Das Zusammenspiel von laut und leise, dass ihre Labelmates von The Twilight Sad in ihrer düsteren Mischung aus Shoegaze und Post-Rock perfekt beherrschen und in packenden Rocksongs bündeln, müssen We Were Promised Jetpacks noch üben. Gerade was den Gesang betrifft müssen sie noch lernen, dass es mehr als eine Art zu singen gibt und man nicht über 47 Minuten Albumlänge eine Stimmung beibehalten muss.

Dennoch, “In The Pit Of The Stomach” ist ein verdammt reifes Rockalbum, auf dem die jungen Schotten ihrem Songwriting eine neue Richtung gegeben haben und sich gegen den sicheren Weg entschieden haben. Das verdient Respekt und den werden sie sicherlich in Form von weiterhin wachsendem Erfolg erfahren.
(whitetapes.de)

We Were Promised Jetpacks in Deutschland:

24.01.12 München, 59:1
26.01.12 Dresden, Beatpol
27.01.12 Frankfurt, Das Bett
28.01.12 Münster, Sputnik Halle
29.01.12 Rostock, Zwischenbau
31.01.12 Bremen, Lagerhaus

Flashguns - Passions Of A Different Kind

2011-11-06T09:37:00.003+01:00

Die Flashguns präsentieren sich live deutlich lärmiger und heftiger als auf ihrem soeben erschienen Debütalbum. Das dürfte sicherlich auf die Arbeit der Produzenten Luke Smith und Barney Barnicott, die auch schon für Foals, Arctic Monkeys oder Kasabian an den Reglern standen, zurück zu führen sein.
Dennoch dürfte "Passions Of A Different Kind" genug Argumente für Liebhaber britischen Indierocks zwischen Maximo Park und Biffy Clyro bieten, um die Platte zu erwerben. Selbstverständlich werden auch ausreichend Gründe vorhanden sein, warum Sam Felix Johnston (Gesang, Gitarre), Olly Scanlon (Bass) und Giles Robinson (Drums) aus Brighton nicht im deutschen Formatradio stattfinden dürften: das Schlagzeug zu polternd und scheppernd, der Gesang zu gepresst / nasal oder zu nahe am Schreien, die Gitarren zu verzerrt und das Tempo, bis auf wenige Ausnahmen, zu hoch ("Sounds Of The Forest").
Mit jugendlichem Elan jagen die Flashguns hier ungestüm in knapp 45 Minuten durch 10 Titel, dass es eine Freude ist. Dabei verzichten sie auf elektronische Spielereien, verspielten Firlefanz (die hinter einer Gitarrenwand versteckten Glöckchen in "Noah" als Ausnahme) und der ein oder andere heimliche Hit mit packendem Refrain wird auch gleich abgeliefert ("Passions Of A Different Kind"). Das etwas längere Warten auf dieses Debüt hat sich gelohnt, auch wenn nicht alle Songs das Niveau der Vorab-Singles halten können.

FLASHGUNS | No Point Hanging Around from Jean-Philippe Blunt on Vimeo.

dieses bietet dem hörer zahlreiche brit-pop momente par excellence und bekräftigt die these, dass im mutterland der popmusik immer noch ein reges befürfnis danach besteht dieses kulturgut möglichst auf hohem niveau, aber in staubfreier form auch jüngeren generationen nahezulegen. dafür braucht es, wie flashguns beweisen, ein wenig lebendigkeit in den spielfreudigen fingern, ein händchen für gute gitarren-hooks und natürlich eine gesangliche darbietung, die, wenn nötig, auch als grundpfeiler eines songs fungieren kann. die songs bringen über weite strecken jugendliche euphorie zum ausdruck ("sounds of the forest", "no point hanging around"), die musikalisch rumpelnd und verzerrt oder aber auch mit deutlichem hang zum pop inszeniert wird, und dabei stets auf hymnenhafte refrains setzt.

der titeltrack verspricht weniger aggressive gitarren, dafür einen hauch von verletzlichkeit und eine drastisch reduzierte instrumentierung im mittelteil. "the beginning" macht es noch deutlicher und ersetzt die aufgescheuchte dynamik durch eine introvertiertere haltung. in den zeiten, in denen indie bands verstärkt elektronische elemente in ihre musik miteinfließen lassen, orientieren sich die flashguns lieber am klassischen sound, stürzen sich mit erhobenem haupt in große brit-pop melodien und mischen die karten mit jedem song neu, ohne sich auf einen bestimmten weg zu versteifen. der brit-pop lebt.
(roteraupe.de)

FLASHGUNS | Passions of a Different Kind from Jean-Philippe Blunt on Vimeo.

Man fragt sich, ob die restlichen neun Tracks auf „Passions Of A Different Kind“ das halten können, was die gleichbetitelte Single versprochen hatte. Die erste Hörprobe, der Opener „Sounds Of The Forrest“ überzeugt dann aber auf Anhieb. Musikalisch gibt es innerhalb der zehn Album-Tracks keine großen Überraschungen, eins passt eben zum anderen. Dabei ist eine Stärke der CD, dass die Songs ihren Charme häufig erst nach ein paar Durchläufen entfalten – subtil, aber dafür umso intensiver. So wie zum Beispiel bei „Good Breeding“, dessen Refrain „'Cause love comes and love goes, and don't I just know it now, I feel it now“ man nicht mehr so schnell aus dem Kopf bekommt. Genau wie „Candles Out“ oder „Come And See The Lights“. Insgesamt aber bilden die einzelnen Songs vor allem ein starkes Ganzes, das so auch am besten funktioniert.

„Passions Of A Different Kind“ ist einfach rund. Das klingt nicht nach Debut, das klingt ausgereift, professionell und vor allem unverwechselbar. Die Flashguns sind sicher nicht nur eine weitere Brit-Rock-Band. Nein – das, was hier aus den Boxen dringt, ist frisch, unverbraucht und vielversprechend. Das Londoner Trio hat es verdient, ganz, ganz viel Aufmerksamkeit zu bekommen. Und man selbst? Steckt die Messlatte noch ein bisschen höher.
(farrelmagazine.com)

Flashguns in Deutschland:

05.11.11 Dresden, Ostpol
09.11.11 Nürnberg, MUZclub
10.11.11 Weinheim, Cafe Central
11.11.11 Dortmund, FZW (Young Blood)
26.01.12 Duisburg, Steinbruch
29.01.12 München, Kranhalle
27.01.12 Münster, Amp (Fieber Tanzparty)
01.02.12 Hamburg, Übel & Gefährlich Turmzimmer
04.02.12 Berlin, Festsaal Kreuzberg

Veronica Falls - Veronica Falls

2011-11-04T17:58:00.000+01:00

Wem das aktuelle Album der Dum Dum Girls zu glatt geraten ist, wem die Gitarren zu sehr zurückgeschraubt sind, der greife bitte zu "Veronica Falls".

Das Londoner Quartett (Roxanne Cliffor, James Hoare, Marion Herbain und Patrick Doyle) tritt in klassischer Gitarren-Bass-Schlagzeug-Aufstelung an, hat jedoch zwei gleichberechtigte Sänger (Roxanne und James) zu bieten. Das Debütalbum wurde zusammen mit Guy Fixsen (My Bloody Valentine, Moose) innerhalb von zwei Wochen nahezu live eingespielt, um möglichst authentisch (und nicht zu glatt) zu klingen. Pixies und The Wedding Present dürften für den Sound zwischen Surf-Pop und Gitarrengeschrammel Pate gestanden haben und wer sich zuletzt an den Platten von Best Coast oder Cults erfreute, sollte auch bei Veronica Falls zugreifen.

(...) Und dies bei einem Album, welches selbst so frohlockend und blauäugig den Sound von Sarah Records und C86 mit knarzigem Pixies-Charme würzt, dass es eine helle Freude ist. Es soll Leute geben, die ihre komplette Musiksammlung - inklusive aller Vinylsingles von Another Sunny Day im Original - darauf verwetten, dass diese Platte hier mindestens das Debüt des Jahres ist. (...)
Hätten die Misfits je Kinder mit Zooey Deschanel gezeugt, sie würden klingen wie Veronica Falls.
(...)
Angesichts dieses Albums mitsamt seiner feinen Facetten, der juvenilen Hymnen und dem frivolen Esprit, werden Ziffern, Positionen und Nummern zu Schall und Rauch. So ist sie, die Jugend von heute.
(plattentests.de)

Ihr Albumdebut “Veronica Falls” schafft mit viel Gefühl und gekonnter Präzision die Verschmelzung von mitreißenden Pop-Melodien und düsteren Klängen, die, wenn auch unterschwellig, durchweg präsent sind. Ihr Repertoire reicht von mitreißenden Indie Hymnen (“The Box”) und Surf-Pop-Nummern (“Beachy Head”), bis hin zu romantisch melancholischen Liebesliedern (“Found Love in a Graveyard”). Kurzum, herrlich ansteckender Indie Pop, gepackt in 12 Songs, die einem einfach nicht mehr aus dem Kopf gehen wollen.
(hurricanebar.de)

Darkness Falls - Alive In Us

2011-11-03T16:54:00.001+01:00

Die beiden dänischen Musikerinnen Josephine Philip (Gesang, Keyboard) und Ina Lindgreen (Gitarre, Bass) wählten als Bandnamen den Titel eines 2003 erschienenen Horror-Films, was die Suche im Internet nicht gerade vereinfacht.
Jetzt weiß man nicht, ob die beiden jungen Damen tatsächlich Fans dieses Genres sind, aber für ihren atmosphärischen und melancholischen Dreampop ist ist der Name eben so gut gewählt, wie der Herbst als Zeitpunkt für die Veröffentlichung ihres Debütalbums. Wir hören 60er Jahre Twang-Gitarren, Glockenspiel und Spinett zu verhuschtem, verträumten Gesang. Überrascht werden wir immer wieder, wenn sich zum Beispiel in den Space-Pop von "The Void" (und später noch extremer bei "Josephine") ein monotoner Bass-Lauf, elektronische Beats und spooky Synthiesounds mischen und den Song so in die Nähe von The XX rücken. Oder wenn sie die ganz große Kiste mit dem cinematographischen Sound öffnen und Songs einstreuen, auf die auch Ennio Morricone stolz wäre.

Darkness Falls wurden von Anders Trentemøller entdeckt und produziert. Dieser beteiligte sich auch am Songwriting und steuerte das ein oder andere Instrument (Schlagzeug, Keyboard und Streicher-Sounds) bei. Da war er nicht der Einzige, denn einige Gastmusiker, die in Dänemark sicherlich bekannter sind als hier, fanden sich während der Aufnahmen im Studio ein, um Schlagzeug (Jakob Høyer), Gitarren (Jeppe Brix, Manoj Ramdas) oder Gesang (Kim Las, Anders Wallin) beizutragen.

Klirrende 60s Twang-Gitarren, verhaltene Beats und der bittersüße Gesang von Josephine Philip stellen das Grundgerüst des Sounds dar. Besonders ins Zeug legt sich die Sängerin natürlich in dem Song, der ihren Namen trägt. In Josephine liefert sich selbige ein Gesangsduell mit Kim Las; gefilterete Pianoklänge und Gitarren schweben um den Gesang. 100 Meter Mind Dash ist mit einer starken, an The xx erinnernden Bassline durchzogen, die uns weiter dem Einbruch der Dunkelheit entgegentreibt. Ebenso gelungen der Titelsong, es ist dies nicht der einzige Track, der auch wunderbar auf dem grandiosen Soundtrack zu Lost in Translation stehen könnte. Die melancholische Stimmung dieses Filmes und seine kongeniale musikalische Untermalung ist überhaupt ein guter Anhaltspunkt, um sich diese erbauende Melancholie vor Augen zu führen. Noch besser ist es allerdings, sich Alive in us in die Ohren zu führen. Ja: die perfekte Herbstplatte.
(titel-magazin.de)

Darkness Falls - Alive In Us by hfn music

The Miserable Rich - Miss You In The Days

2011-11-01T18:13:00.000+01:00

Eigentlich wäre das dieser Tage erscheinende neue Album von The Miserable Rich die ideale Halloween-Vorstellung gewesen. Denn für die Aufnahmen zu ihrer dritten Platte zogen sie sich in das Spuk-Anwesen Blickering Hall in Norfolk, in dem der kopflose Geist von Anne Boleyn sein Unwesen treiben soll, zurück und verwandelten es für einige Wochen in ein Tonstudio. In England erschien "Miss You In The Days" tatsächlich gestern, Hazlewood legt in Deutschland am Freitag nach.

James de Malplaquet schrieb zehn Geistergeschichten nieder, die nach eigener Aussage nun "spooky, but sexy" klingen. Dazu steuerten Will Calderbank und Mike Siddell Arrangements für Violine und Cello bei, die einen entweder in einem barocken Kammerkonzert wähnen lässt ("Honesty", "Under Glass") oder einem eisige Schauer über den Rücken jagen ("Laid Up In Lavender"). Wie gut diese beiden ihre Aufgabe erledigen, lässt sich daran ablesen, dass bereits Mumford & Sons, The Leisure Society oder Lightspeed Champion die Zusammenarbeit mit ihnen suchten. Erstmals wird das Line-Up der Band mit David Schlechtriemen um einen Schlagzeuger ergänzt, was den Sound der Band dynamisch voran bringt ("Imperial Lines", "On A Certain Night").
Schöne Platte, aus der ich "Tramps" und "Ringing The Changes" besonders hervor heben möchte, in einem wunderschönen Cover.

Das Ergebnis sind zehn, opulent orchestrierte Spukgeschichten, bei denen die Gänsehaut schon vorprogrammiert ist. So als würde man zu einem Schlagzeugbeat an einer Tafel kratzen. Doch selbst jenem Gänsehaut verursachenden Geräusch könnten The Miserable Rich einen Wohlklang entlocken.

Miss You In Days erweitert den Sound der Band um etliche Nuancen. Wer die Jungs noch als Kammermusiker kennt, die unverstärkte Konzerte ohne Drummer und Gitarren spielten, wird viele Neuerungen finden. Eine davon trägt den Namen David Schlechtriemen und unterstützt die Combo von nun an mit perkussiven Elementen. Schlechtriemen macht einen wirklich guten Job und lässt die ohnehin schon hervorragend strukturierten Songs noch dramatischer wirken. Jener Sinn von Dramatik durchzieht schon den Opener „Laid Up In Lavender“. Der Song startet unvermittelt. Leise klopft das Klavier die Achtel ab, während im Hintergrund die Teufelsgeige leise die Melodie säuselt. Danach folgt „Imperial Lines“ mit einem klasse Kammerorchester-Intro. Den obligatorischen Ohrwurm liefert dann „On A Certain Night“ – Gezupftes Streichwerk vor einer beschwingten Kulisse. Da vergisst man fast das Gruseln. Epic!
(unicum.de)

The Miserable Rich live - sicherlich auch in deiner Stadt:

16.11.11 Wiesbaden, Walhalla Spiegelsaal
17.11.11 Haldern, Haldern Pop Bar
18.11.11 Hannover, Schloss Landestrost
20.11.11 Rostock, Peter Weiss Haus
22.11.11 Göttingen, APEX
23.11.11 Wetzlar, FRANZIS
24.11.11 Duisburg, Steinbruch
25.11.11 Bielefeld, Falkendom
26.11.11 Nürnberg, Kunst-Kultur-Quartier
28.11.11 Freiburg, White Rabbit
02.12.11 Stuttgart, Kulturzentrum Merlin
19.01.12 Halle, Objekt 5
20.01.12 Plauen, Malzhaus
21.01.12 Dresden, Beatpol
23.01.12 Leipzig, Detektor.FM (Radiokonzert)
29.01.12 München, Kultur-Schranne
06.02.12 Hamburg, Übel & Gefährlich
11.02.12 Saarbrücken, Sparte 4